Peter Gabriel - Peter Gabriel III (Melt) (1980)

 

Minha jornada pela carreira solo de Peter Gabriel começou com o álbum So, talvez sua obra mais popular. Embora eu tenha apreciado o disco, foi ao me aprofundar em sua discografia que descobri sua verdadeira joia: seu terceiro álbum, conhecido popularmente como Melt. Foi uma experiência memorável, um álbum que me cativou desde o primeiro momento. Confesso que poucos álbuns me tocaram tão profundamente quanto este. A diversidade, a experimentação e a maestria nos arranjos fazem deste uma peça essencial em qualquer coleção.

Melt marca uma grande ruptura na carreira de Gabriel, onde ele finalmente encontra sua voz, seu som e seu estilo únicos. O álbum apresenta uma paisagem sonora ao mesmo tempo estranha e bela e que combina instrumentos primitivos com os modernos da época. As letras são perturbadoras, inteligentes e inspiradas, abordando temas como racismo, preconceito, guerra, psicopatologia e desajustes sociais. Trata-se de uma obra complexa e extremamente bem elaborada, porém, acessível. 

O disco abre com "Intruder", uma faixa que imediatamente expõe todas as qualidades do álbum. Os primeiros sons que ouvimos são da bateria de Phil Collins e que apresenta uma sonoridade marcante. A letra elaborada e os vocais assustadores deixam claro que Gabriel estava pronto para deixar para trás o trabalho anterior e mergulhar em um campo experimental, algo esperado desde seu primeiro álbum, mas não era realizado até aquele momento. Apesar do assobio próximo ao final da faixa que lembra o Genesis, o desenvolvimento de Gabriel como artista ultrapassa tudo o que ele fez com sua antiga banda.

"No Self Control" eleva ainda mais a estranheza da produção, com sons cuidadosamente organizados. A bateria de Collins nesta faixa certamente influenciou a mudança de estilo de Jerry Marotta. Kate Bush contribui com vocais de apoio sutis e que servem como um recurso de ritmo adicional, cortando os vocais maníacos do "coro" de Gabriel. O trabalho de guitarra de Robert Fripp é soberbo, assim como as linhas de baixo fretless de John Giblin, dinâmicas e incríveis. "Start" é uma breve faixa instrumental que serve como uma transição delicada entre duas músicas intensas. Com um saxofone jazzístico e um baixo que se torna dissonante à medida que o saxofone atinge notas mais altas, a faixa é curta, mas muito bonita.

"I Don't Remember" traz o primeiro momento mais pop do álbum, mas com uma letra e um tom bastante obscuros. A performance de Tony Levin no Chapman Stick é fenomenal como sempre fornecendo a base para a música. Os vocais brilhantes, os momentos eletrônicos e as linhas distorcidas e melódicas provam - para os que duvidam e que eu não me incluo - que a música dos anos 80 também possui ouro. "Family Snapshot" é uma das faixas mais impactantes do álbum, uma peça sem gênero definido que mistura piano, rajadas de rock e uma seção de metal sintetizado. A ausência de címbalo exige uma percussão inventiva, tornando a faixa ainda mais eficaz. A sofisticação da música é notável, mas são os vocais de Gabriel que realmente se destacam, transbordando significado e emoção.

"And Through the Wire" retoma o estilo do segundo álbum, mas com uma execução muito superior. Começa com um riff de guitarra cativante e um baixo pulsante, embora o refrão possa se tornar um pouco repetitivo. Ainda assim, é uma faixa audível e bem trabalhada, mesmo que soe como um pequeno soluço em um álbum impecável. "Games Without Frontiers" é outro momento pop do álbum e provavelmente o single que trouxe Gabriel para a atenção de um novo público. As letras são peculiares, mas inteligentes, enquanto que o trabalho de sintetizador é inspirador. Kate Bush retorna com seus vocais suaves e sedosos, contribuindo para uma música que prova que o pop pode ser progressivo.

"Not One Of Us" pode ser considerada a faixa mais fraca do álbum, mas isso não significa que seja ruim. Embora não seja tão emocionante quanto o resto do disco, ainda é uma música admirável por sua inteligência e execução. "Lead a Normal Life" é uma das faixas mais experimentais do disco, criando uma atmosfera inquietante e assombrosa. Os vocais breves se encaixam perfeitamente na melodia dolorosa do piano, resultando em uma faixa arrepiante.O álbum termina com "Biko", uma homenagem ao ativista Steve Biko. A música é simples, mas poderosa, trazendo letras que transmitem uma ironia amarga. Mesmo com arranjos mais simples, a faixa encerra o álbum de uma forma que encapsula tudo o que fez Melt funcionar tão bem. 

Peter Gabriel assumiu grandes riscos com este álbum e entregou aos fãs a melhor música de sua carreira solo. Embora os álbuns posteriores tenham mantido a alta qualidade, nunca capturaram a essência de Melt. Um clássico sem gênero definido, mas de beleza concreta que combina rock, música eletrônica, experimental entre outros. 

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My journey through Peter Gabriel's solo career began with the album So, perhaps his most popular work. Although I appreciated that album, it was when I delved deeper into his discography that I discovered his true gem: his third album, commonly known as Melt. It was a memorable experience, an album that captivated me from the very first moment. I confess that few albums have touched me as deeply as this one. The diversity, experimentation, and mastery of the arrangements make this an essential piece in any collection.

Melt marks a significant turning point in Gabriel's career, where he finally finds his voice, his unique sound, and style. The album presents a soundscape that is both strange and beautiful, blending primitive instruments with the modern ones of the time. The lyrics are disturbing, intelligent, and inspired, tackling themes like racism, prejudice, war, psychopathology, and social misfits. It is a complex and extremely well-crafted work, yet accessible.

The album opens with "Intruder," a track that immediately showcases all the qualities of the album. The first sounds we hear are Phil Collins' drums, presenting a striking sonic signature. The elaborate lyrics and eerie vocals make it clear that Gabriel was ready to leave his previous work behind and dive into an experimental field, something expected since his first album, but not fully realized until now. Despite the whistle near the end of the track that recalls Genesis, Gabriel's development as an artist surpasses everything he did with his former band.

"No Self Control" heightens the strangeness of the production, with carefully arranged sounds. Collins' drumming on this track certainly influenced the style change of Jerry Marotta. Kate Bush contributes with subtle backing vocals that serve as an additional rhythmic resource, cutting through Gabriel's manic "chorus" vocals. Robert Fripp's guitar work is superb, as are John Giblin's dynamic and incredible fretless bass lines. "Start" is a brief instrumental track that serves as a delicate transition between two intense songs. With a jazzy saxophone and a bass that becomes dissonant as the saxophone reaches higher notes, the track is short but very beautiful.

"I Don't Remember" brings the first more pop moment of the album, but with a dark tone and lyrics. Tony Levin's performance on the Chapman Stick is phenomenal as always, providing the foundation for the music. The brilliant vocals, electronic moments, and distorted melodic lines prove— to the doubters, among whom I am not included— that 80s music also contains gold. "Family Snapshot" is one of the most impactful tracks on the album, a genre-defying piece that mixes piano, bursts of rock, and a synthesized brass section. The absence of cymbals demands inventive percussion, making the track even more effective. The sophistication of the music is remarkable, but it is Gabriel's vocals that truly stand out, overflowing with meaning and emotion.

"And Through the Wire" revisits the style of the second album but with much superior execution. It starts with a catchy guitar riff and pulsating bass, though the chorus can become a bit repetitive. Still, it is an audible and well-crafted track, even if it feels like a minor hiccup in an otherwise flawless album. "Games Without Frontiers" is another pop moment of the album and probably the single that brought Gabriel to the attention of a new audience. The lyrics are quirky but intelligent, while the synthesizer work is inspiring. Kate Bush returns with her smooth and silky vocals, contributing to a song that proves pop can be progressive.

"Not One of Us" might be considered the weakest track on the album, but that doesn’t mean it’s bad. While not as thrilling as the rest of the record, it is still an admirable song for its intelligence and execution. "Lead a Normal Life" is one of the most experimental tracks on the album, creating an unsettling and haunting atmosphere. The brief vocals fit perfectly with the painful piano melody, resulting in a chilling track. The album ends with "Biko," a tribute to activist Steve Biko. The song is simple but powerful, with lyrics conveying a bitter irony. Even with simpler arrangements, the track closes the album in a way that encapsulates everything that made Melt work so well.

Peter Gabriel took great risks with this album and delivered the best music of his solo career to his fans. While the subsequent albums maintained high quality, they never captured the essence of Melt. A genre-defying classic, but of concrete beauty that combines rock, electronic, experimental, and more.

NOTA: 10/10

Tracks Listing

1. Intruder (4:53)
2. No Self Control (3:56)
3. Start (1:21)
4. I Don't Remember (4:42)
5. Family Snapshot (4:29)
6. And Through the Wire (4:58)
7. Games Without Frontiers (4:07)
8. Not One of Us (5:21)
9. Lead a Normal Life (4:15)
10. Biko (7:27)

Ouça, "Family Snapshot"

Steve Hackett - Defector (1980)

 

Defector, o quarto álbum de Steve Hackett, apresenta uma queda de qualidade em relação ao seu antecessor, o aclamado Spectral Mornings. Embora não seja surpreendente, considerando que Spectral Mornings foi um dos seus maiores sucessos, Defector busca explorar novos territórios, com um foco maior em teclados, sem abandonar a sonoridade refinada de sua guitarra. Apesar de não ser o ponto alto da carreira de Hackett, o álbum tem seu valor e não deixa de ter sua importância.

A faixa de abertura, "The Steppes", é um excelente cartão de visita e uma das mais fortes composições instrumentais de Hackett. A introdução com flauta estabelece um tema principal que é desenvolvido de maneira envolvente, com uma harmonização eficiente entre teclados, guitarra e baixo, enquanto a bateria mantém uma batida constante. A música tem uma atmosfera que evoca uma sensação egípcia e culmina em um solo de guitarra marcante. "Time to Get Out" é uma faixa de rock direto e acessível. A música apresenta boas harmonias vocais, além de um trabalho competente de guitarra e teclado. As pontes também são destacáveis, com a bateria seguindo um tema envolvente no teclado e ideias de guitarra criativas de Hackett. A simplicidade da faixa a torna agradável e fácil de digerir.

"Slogans" é sem dúvida a faixa mais sombria do álbum, caracterizada por baterias frenéticas e riffs obscuros de mellotron e guitarra. A música se destaca pela sua atmosfera carregada e preenchimento intenso com teclados e guitarras. Inicialmente, a faixa pode parecer pálida, mas com o tempo revela uma complexidade interessante, embora não seja particularmente memorável. "Leaving" é uma música atmosférica que remete a "Entangled" do Genesis. A sutileza da guitarra de Hackett é perfeita, e as harmonias vocais evocam uma sensação de mistério e expectativa, similar a uma nuvem carregada prestes a liberar uma tempestade. A faixa cria uma aura única e carregada que é ao mesmo tempo envolvente e introspectiva.

"Two Vamps As Guests" é um interlúdio curto, mas tocante. Com uma mistura de elementos clássicos e teclados aéreos, a faixa embora com menos de dois minutos, é bastante emotiva e demonstra uma grande sensibilidade musical de Hackett. "Jacuzzi" é uma faixa instrumental que destaca o excelente trabalho de flauta do irmão de Hackett, John. A guitarra e o teclado acompanham, mas a flauta se torna a estrela da música, sobrepondo-se de maneira encantadora. É uma das faixas instrumentais mais subestimadas de Hackett, com um trabalho de flauta particularmente notável.

Em um álbum onde o guitarrista é o principal destaque, "Hammer In The Sand" se destaca por seu piano magistralmente tocado. O Mellotron adiciona uma delicadeza triste à música, que eventualmente ganha uma tonalidade mais otimista. Nesta faixa, Nick Magnus se destaca pela criação de um momento musical memorável e distinto. "The Toast" é uma música lenta e alegre, com vocais oníricos que soam como uma canção de ninar. A guitarra tem um toque ingênuo e a ponte com sua melodia triste e a flauta bem colocada adicionam profundidade à faixa. A música retorna ao seu tema inicial antes de encerrar.

"The Show" é uma faixa que não se destaca particularmente. Com um som mais comercial e um estilo anos 80 que não agrada a todos, ela se distancia do estilo característico de Hackett e antecipa um pouco do que viria em seu próximo álbum. É a música mais fraca do disco e não representa o melhor do guitarrista. A faixa final, "Sentimental Institution", exemplifica a diversidade musical de Hackett, reunindo em suas quatro últimas músicas uma peça instrumental de piano/Mellotron, uma canção de ninar, uma faixa pop/funk dos anos 80 e uma balada estilo anos 50. O teclado e os vocais se encaixam perfeitamente na música, encerrando o álbum de forma simples, mas bonita.

Em resumo, Defector reflete bem a carreira inicial de Steve Hackett, resumindo elementos dos álbuns anteriores. Embora não seja um álbum incrível, é uma adição sólida ao catálogo de Hackett, mostrando sua capacidade de transitar para a nova década enquanto abraça algumas tecnologias contemporâneas. Isso pode ter causado alguma irritação entre parte de seu público, mas isso é uma discussão para outra resenha.

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Defector, Steve Hackett's fourth album, shows a decline in quality compared to its predecessor, the acclaimed Spectral Mornings. Although not surprising, considering that Spectral Mornings was one of his greatest successes, Defector seeks to explore new territories, with a greater focus on keyboards, without abandoning the refined sound of his guitar. Despite not being the pinnacle of Hackett's career, the album has its value and still holds significance.

The opening track, "The Steppes," is an excellent introduction and one of Hackett's strongest instrumental compositions. The flute introduction establishes a main theme that is developed in an engaging manner, with efficient harmonization between keyboards, guitar, and bass, while the drums maintain a steady beat. The music has an atmosphere that evokes an Egyptian feel and culminates in a striking guitar solo. "Time to Get Out" is a straightforward and accessible rock track. The song features good vocal harmonies, along with competent guitar and keyboard work. The bridges are also noteworthy, with the drums following an engaging keyboard theme and Hackett's creative guitar ideas. The simplicity of the track makes it pleasant and easy to digest.

"Slogans" is undoubtedly the darkest track on the album, characterized by frenetic drums and dark riffs of mellotron and guitar. The song stands out for its heavy atmosphere and intense filling with keyboards and guitars. Initially, the track may seem pale, but over time it reveals an interesting complexity, though it is not particularly memorable. "Leaving" is an atmospheric piece that recalls Genesis' "Entangled." Hackett's subtle guitar work is perfect, and the vocal harmonies evoke a sense of mystery and anticipation, similar to a storm cloud about to unleash a downpour. The track creates a unique and heavy aura that is both engaging and introspective.

"Two Vamps As Guests" is a short, but touching interlude. With a mix of classical elements and airy keyboards, the track, though less than two minutes long, is quite emotional and demonstrates Hackett's great musical sensitivity. "Jacuzzi" is an instrumental track that highlights the excellent flute work of Hackett's brother, John. The guitar and keyboard accompany, but the flute becomes the star of the song, standing out in a charming manner. It is one of Hackett's most underrated instrumental tracks, with particularly notable flute work.

In an album where the guitarist is the main highlight, "Hammer In The Sand" stands out for its masterfully played piano. The Mellotron adds a sad delicacy to the music, which eventually gains a more optimistic tone. On this track, Nick Magnus shines by creating a memorable and distinctive musical moment. "The Toast" is a slow and cheerful song, with dreamy vocals that sound like a lullaby. The guitar has a naive touch, and the bridge, with its sad melody and well-placed flute, adds depth to the track. The song returns to its initial theme before closing.

"The Show" is a track that doesn't particularly stand out. With a more commercial sound and an 80s style that doesn't appeal to everyone, it deviates from Hackett's characteristic style and anticipates a bit of what would come in his next album. It is the weakest song on the album and doesn't represent the best of the guitarist. The final track, "Sentimental Institution," exemplifies Hackett's musical diversity, gathering in its last four songs an instrumental piano/Mellotron piece, a lullaby, an 80s pop/funk track, and a 50s-style ballad. The keyboard and vocals fit perfectly in the song, ending the album in a simple but beautiful way.

In summary, Defector reflects Steve Hackett's early career well, summarizing elements from his previous albums. While it is not an amazing album, it is a solid addition to Hackett's catalog, showing his ability to transition into the new decade while embracing some contemporary technologies. This may have caused some irritation among part of his audience, but that is a discussion for another review.

NOTA: 8/10

Tracks Listing

1. The Steppes (6:04)
2. Time to Get Out (4:11)
3. Slogans (3:42)
4. Leaving (3:18)
5. Two Vamps as Guests (1:58)
6. Jacuzzi (4:35)
7. Hammer in the Sand (3:09)
8. The Toast (3:41)
9. The Show (3:40)
10. Sentimental Institution (2:32)

Ouça, "The Steppes"

Yes - Drama (1980)

 

Existirá vida após a morte? Haverá vida inteligente em outro planeta? Assim como essas questões filosóficas e existenciais que nos acompanham, outra pergunta comum no universo do rock progressivo é: Existe Yes sem Jon Anderson? A resposta para as duas primeiras perguntas pode ser incerta, mas em relação à última, o álbum Drama responde de maneira decisiva. 

O disco apresenta uma nova formação: Chris Squire, Steve Howe e Alan White permanecem, enquanto Geoff Downes assume os teclados e Trevor Horn os vocais. Desde o início, a mudança é perceptível. Downes, com seu estilo energético e moderno, adiciona camadas sonoras que trazem frescor às composições, complementando o espírito progressivo da banda com toques que prenunciavam a década de 1980.

Trevor Horn, por outro lado, tinha a difícil tarefa de preencher o vazio deixado por Jon Anderson. Embora sua voz lembre a de Anderson em vários momentos, ele não alcança as notas altas com a mesma facilidade, especialmente ao vivo, além de que às vezes soa forçado. No entanto, seria injusto desmerecer sua contribuição. Assumir os vocais em uma banda tão icônica como o Yes exigiu coragem, e Horn trouxe uma atitude diferenciada, que, em muitos momentos, funcionou a favor da música.

Drama abre com "Machine Messiah", uma faixa que imediatamente surpreende com o peso da guitarra de Steve Howe, acompanhada pela seção rítmica precisa de Squire e White. A música se desenvolve com uma mudança de tempo significativa, incorporando teclados etéreos e ótimos vocais de Horn. A presença de Geoff Downes se destaca, preenchendo o espaço sonoro com precisão, mas sem nunca dominar a cena. O solo de guitarra antes da primeira seção acústica e a dinâmica da seção rítmica são exemplos perfeitos de como essa nova formação conseguiu criar algo dinâmico e cativante.

Apesar de curta, com menos de um minuto e meio, "White Car" funciona como uma pausa orquestrada e elegante entre faixas mais longas, sem perder o espírito do álbum. A seguir, "Does It Really Happen?" é uma peça pop bem-humorada que destaca o baixo pulsante de Squire e os teclados vibrantes de Downes. Baixo e bateria impulsionam a faixa em um ritmo envolvente, enquanto os vocais de Horn soam mais seguros e agradáveis. "Into the Lens" é uma música intrigante, onde os vocais de Horn mostram sua versatilidade, mas as letras e o refrão repetitivo podem ser um pouco irritantes. No entanto, instrumentalmente, a faixa brilha com um trabalho sólido de guitarra e teclados, ainda que em uma estrutura mais simples e menos progressiva do que os fãs poderiam esperar.

"Run Through the Light" talvez não seja impressionante à primeira vista, mas esconde belas passagens acústicas e de teclado, além de melodias vocais agradáveis. Novamente, o baixo de Squire se destaca, elevando a música a um nível mais interessante. Por fim, "Tempus Fugit" encerra o álbum com estilo. Esta faixa mostra que os maiores destaques de Drama estão em suas extremidades. A seção rítmica é impecável, com uma guitarra vibrante e teclados sutis que se encaixam perfeitamente. Em termos de complexidade, é o ápice do álbum, e sempre deixa a impressão de que poderia ter sido expandida em um épico, em vez de uma faixa de pouco mais de cinco minutos.

Para qualquer fã de Yes com uma mente aberta, Drama é uma adição essencial à coleção. Embora não alcance as alturas dos álbuns mais conceituados da banda, é uma obra digna que merece reconhecimento por sua individualidade e inovação dentro do catálogo da banda. Ele mostra que mesmo sem Jon Anderson, a essência do Yes podia ser adaptada e explorada de novas maneiras, resultando em um álbum que, embora subestimado, tem seu valor e lugar na prateleira de qualquer amante do rock progressivo.

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Is there life after death? Is there intelligent life on another planet? Just like these philosophical and existential questions that have accompanied humanity, another common question in the world of progressive rock is: Can there be a Yes without Jon Anderson? The answers to the first two questions may be uncertain, but when it comes to the last one, the album Drama provides a decisive response.

The album showcases a new lineup: Chris Squire, Steve Howe, and Alan White remain, while Geoff Downes takes over keyboards and Trevor Horn steps in as the vocalist. From the outset, the change is palpable. Downes, with his energetic and modern style, adds sonic layers that bring a fresh vibe to the compositions, complementing the band's progressive spirit with touches that foreshadowed the 1980s.

Trevor Horn, on the other hand, had the daunting task of filling the void left by Jon Anderson. While his voice resembles Anderson's at several moments, he doesn’t hit the high notes with the same ease, especially in live performances, and at times, his vocals can sound strained. However, it would be unfair to dismiss his contribution. Taking on the role of lead singer in such an iconic band as Yes required courage, and Horn brought a distinctive attitude that, in many instances, worked in favor of the music.

Drama opens with "Machine Messiah", a track that immediately surprises with the weight of Steve Howe's guitar, backed by the precise rhythm section of Squire and White. The song evolves with significant tempo changes, incorporating ethereal keyboards and excellent vocals from Horn. Geoff Downes' presence is notable, filling the sonic space with precision without ever overshadowing the other elements. The guitar solo before the first acoustic section and the dynamic rhythm section are perfect examples of how this new lineup managed to create something dynamic and captivating.

Despite being short, lasting less than a minute and a half, "White Car" serves as an orchestrated and elegant pause between longer tracks, without losing the album's spirit. Next, "Does It Really Happen?" is a lighthearted pop piece that highlights Squire's pulsating bass and Downes' vibrant keyboards. Bass and drums drive the track with an engaging rhythm, while Horn's vocals sound more confident and pleasing. "Into the Lens" is an intriguing song where Horn's vocals show his versatility, but the repetitive lyrics and chorus can be a bit irritating. However, instrumentally, the track shines with solid guitar and keyboard work, though in a simpler and less progressive structure than fans might expect.

"Run Through the Light" might not be impressive at first glance, but it hides beautiful acoustic and keyboard passages, along with pleasant vocal melodies. Again, Squire's bass stands out, elevating the song to a more interesting level. Finally, "Tempus Fugit" closes the album in style. This track shows that the strongest points of Drama lie in its opening and closing songs. The rhythm section is impeccable, with vibrant guitar work and subtle keyboards that fit perfectly. In terms of complexity, it's the album's peak, always leaving the impression that it could have been expanded into an epic, rather than a track of just over five minutes.

For any open-minded Yes fan, Drama is an essential addition to the collection. Although it doesn't reach the heights of the band's most acclaimed albums, it’s a worthy work that deserves recognition for its individuality and innovation within the band's catalog. It shows that even without Jon Anderson, the essence of Yes could be adapted and explored in new ways, resulting in an album that, though underrated, has its value and a rightful place on the shelf of any progressive rock lover.

NOTA: 6.5/10

Tracks Listing:

1. Machine Messiah (10:27)
2. White Car (1:21)
3. Does It Really Happen? (6:34)
4. Into the Lens (8:31)
5. Run Through the Light (4:39)
6. Tempus Fugit (5:14)

Ouça, "Tempus Fugit"