King Crimson - In the Wake of Poseidon (1970)

 

Lançar um sucessor para In the Court of the Crimson King apenas sete meses e cinco dias depois deve ter sido uma tarefa desafiadora para o King Crimson. Após uma estreia tão impressionante, parecia improvável que uma formação ligeiramente alterada e instável pudesse sustentar a promessa da banda. No entanto, In the Wake of Poseidon se revela um esforço muito bom, mesmo que não atinja o mesmo status icônico de seu predecessor.

Superficialmente, o álbum apresenta elementos familiares, como a sonoridade jazz-rock rápida com incursões de saxofone e um épico marcado pelo uso do mellotron. Embora não seja uma obra-prima do calibre de In the Court of the Crimson King, o disco merece seu lugar em qualquer coleção de rock progressivo.

O álbum é estruturado em torno de três segmentos que chamo de "os três seguimentos da paz". "Peace – A Beginning" abre o disco com um vocal distante de Greg Lake e uma breve adição de guitarra acústica no final. "Peace – A Theme" é uma peça instrumental tocada acusticamente por Robert Fripp, agradável, mas sem grandes destaques. "Peace – An End" fecha o álbum por meio de uma linha acústica minimalista e letras interessantes. Embora curtas, essas faixas servem como interlúdios que conectam os momentos mais marcantes do disco.

"Pictures of a City" inicia o álbum de forma poderosa, com baterias surpreendentes e linhas de guitarra cativantes. Os vocais intensos de Lake conduzem a faixa até um impressionante clímax jazzístico, onde o saxofone se junta à banda, criando uma experiência sonora fascinante. A música evolui para um trecho mais tranquilo, onde a bateria e o baixo assumem o protagonismo, com a guitarra de Fripp oferecendo pinceladas sutis até o retorno dos vocais.

"Cadence and Cascade" é uma das joias do álbum, com seu violão delicado e vocais suaves que se encaixam perfeitamente na atmosfera da música. A bateria é expressiva e o trabalho de flauta é encantador, demonstrando a sensibilidade musical da banda. A faixa-título, "In the Wake of Poseidon" é deslumbrante, sendo marcada por um Mellotron impressionante e alguns dos melhores vocais de Greg Lake. A guitarra de Fripp é magistral, enquanto a bateria, especialmente a caixa, confere um peso adequado à música A flauta contribui para criar uma atmosfera rica, mas é o Mellotron que se destaca, oferecendo acordes elevados e belos que transformam a faixa em uma obra de arte. "Cat Food" é o ponto alto das influências jazzísticas do álbum. O piano é desafiador e frenético, enquanto Greg canta com energia e intensidade. Peter Gilles produz algumas excelentes linhas de baixo e a guitarra de Fripp é tocada de forma precisa. O final da música enfatiza ainda mais o piano, complementado por batidas de prato e acordes de guitarra.

Ao escolher a melhor faixa do álbum, "The Devil's Triangle" surge como a escolha óbvia. Caótica e assombrosa, posso afirmar inclusive que é indiscutivelmente a música mais impressionante do disco. Começando de forma quase silenciosa, ela cresce com acordes de Mellotron e uma bateria hipnótica, criando uma atmosfera fantasmagórica e caótica. O piano dissonante e os sons de vento e relógio adicionam uma sensação de terror à faixa e que culmina em uma cacofonia de instrumentos que desafia a compreensão. Quando os breves acordes de guitarra acústica anunciam o fim, é como se o ouvinte fosse resgatado de uma experiência perturbadora, mas profundamente gratificante.

Embora o King Crimson tenha discos mais sofisticados e complexos, como In the Court of the Crimson King ou Larks' Tongues in Aspic, só a presença de "The Devil's Triangle" em In the Wake of Poseido o engrandece muito, afinal, não se trata do apenas o ápice do álbum, mas também uma das composições mais arrebatadoras entre todo o catálogo da banda. 

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Releasing a successor to In the Court of the Crimson King just seven months and five days later must have been a challenging task for King Crimson. After such an impressive debut, it seemed unlikely that a slightly altered and unstable lineup could sustain the band's promise. However, In the Wake of Poseidon proves to be a very good effort, even if it does not achieve the same iconic status as its predecessor.

On the surface, the album presents familiar elements, such as the fast jazz-rock sound with saxophone incursions and an epic marked by the use of the Mellotron. Although it is not a masterpiece on the level of In the Court of the Crimson King, the record deserves its place in any progressive rock collection.

The album is structured around three segments that I call "the three segments of peace." "Peace – A Beginning" opens the album with a distant vocal from Greg Lake and a brief addition of acoustic guitar at the end. "Peace – A Theme" is an instrumental piece played acoustically by Robert Fripp, pleasant but without major highlights. "Peace – An End" closes the album with a minimalist acoustic line and interesting lyrics. Although short, these tracks serve as interludes that connect the album's most striking moments.

"Pictures of a City" starts the album powerfully, with surprising drums and captivating guitar lines. Lake's intense vocals lead the track to an impressive jazzy climax, where the saxophone joins the band, creating a fascinating sonic experience. The music evolves into a quieter section, where the drums and bass take the lead, with Fripp's guitar offering subtle touches until the vocals return.

"Cadence and Cascade" is one of the album's gems, with its delicate guitar and soft vocals that perfectly fit the music's atmosphere. The drums are expressive, and the flute work is enchanting, demonstrating the band's musical sensitivity. The title track, "In the Wake of Poseidon," is stunning, marked by an impressive Mellotron and some of Greg Lake's best vocals. Fripp's guitar is masterful, while the drums, especially the snare, add the right weight to the music. The flute helps create a rich atmosphere, but it is the Mellotron that stands out, offering elevated and beautiful chords that transform the track into a work of art. "Cat Food" is the pinnacle of the album's jazz influences. The piano is challenging and frenetic, while Greg sings with energy and intensity. Peter Giles produces some excellent bass lines, and Fripp's guitar is played with precision. The song's ending further emphasizes the piano, complemented by cymbal hits and guitar chords.

When choosing the best track on the album, "The Devil's Triangle" emerges as the obvious choice. Chaotic and haunting, I can even say it is undeniably the most impressive song on the record. Starting almost silently, it grows with Mellotron chords and hypnotic drums, creating a ghostly and chaotic atmosphere. The dissonant piano and the sounds of wind and clock add a sense of terror to the track, culminating in a cacophony of instruments that defies comprehension. When the brief acoustic guitar chords signal the end, it feels as if the listener has been rescued from a disturbing but deeply rewarding experience.

Although King Crimson has more sophisticated and complex albums, such as In the Court of the Crimson King or Larks' Tongues in Aspic, the presence of "The Devil's Triangle" alone elevates In the Wake of Poseidon. After all, it is not only the album's pinnacle but also one of the most overwhelming compositions in the band's entire catalog.

NOTA: 8/10

Tracks Listing

1. Peace - A Beginning (0:49)
2. Pictures of a City (incl. 42nd at Treadmill) (8:03)
3. Cadence and Cascade (4:27)
4. In the Wake of Poseidon (incl. Libra's Theme) (7:56)
5. Peace - A Theme (1:15)
6. Cat Food (4:54)
7. The Devil's Triangle (11:39)
8. Peace - An End (1:53)

Ouça, "The Devil's Triangle"

King Crimson - In The Court Of The Crimson King (1969)

 

Dentro do vasto universo do rock progressivo, há inúmeras obras que podem ser consideradas essenciais. É um gênero rico, impossível de ser reduzido a apenas dois ou três álbuns que definam seu ápice. No entanto, quando se trata de identificar qual álbum deu o pontapé inicial nesse movimento, a questão se torna mais interessante. Embora muitos possam apontar para álbuns como Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band dos Beatles, The Piper at the Gates of Dawn do Pink Floyd ou Days of Future Passed do The Moody Blues, todos lançados em 1967, esses trabalhos ainda estão no limiar daquilo que se tornaria o rock progressivo. Mas se a questão é sobre qual foi o primeiro álbum genuíno, que trouxe todos os elementos que viriam a definir o gênero, In the Court of the Crimson King, do King Crimson, se destaca como a escolha inquestionável.

Com uma produção rica, complexidade instrumental e uma narrativa quase mítica, ele transcende as experiências psicodélicas de seus predecessores para mergulhar em terrenos mais sombrios, inovadores e ambiciosos. Há quem diga que o álbum é conceitual, abordando temas como imperialismo e materialismo, ou que suas faixas exploram a oposição entre as funções psicológicas do pensamento e do sentimento, conforme definido por Jung. No entanto, tais interpretações permanecem em grande parte especulativas, já que não há declarações oficiais da banda que confirmem esses conceitos. O que é indiscutível, porém, é que o disco abriu portas para uma nova forma de expressão musical.

O álbum abre com a explosiva “21st Century Schizoid Man”, uma faixa que captura o ouvinte em meio a um caos sonoro perfeitamente orquestrado. A intensidade frenética da música não só demonstra o virtuosismo da banda, mas também transmite uma sensação palpável de frustração e raiva. A combinação de mudanças bruscas de andamento, instrumentação complexa e um som inovador define tudo o que se espera de um rock progressivo clássico. A guitarra cortante de Robert Fripp, o saxofone rasgado de Ian McDonald e a bateria implacável de Michael Giles criam uma experiência auditiva única, onde cada elemento parece destinado a desafiar os limites do gênero.

Em seguida, “Talk to the Wind” oferece um contraste marcante, servindo como o contraponto lírico à agressividade da faixa de abertura. A música começa com uma flauta suave, logo acompanhada pela voz serena e envolvente de Greg Lake. À primeira audição, pode parecer uma balada simples e delicada, mas há muito mais por trás de sua aparente simplicidade. A forma como os instrumentos se entrelaçam evoca a elegância e o virtuosismo do jazz, algo impressionante para a época e uma clara demonstração do talento dos músicos envolvidos.

A terceira faixa, “Epitaph”, mergulha o ouvinte em um arranjo sombrio e introspectivo. Com letras pessimistas e uma melodia melancólica, a música se destaca como uma das mais queridas da banda até os dias de hoje. A voz de Lake se funde perfeitamente com a guitarra de Fripp e o Mellotron atmosférico, criando um clima que mais tarde seria explorado por bandas como Genesis na era Peter Gabriel. Esta não é apenas uma balada triste; é uma peça musical complexa, que combina diferentes ritmos e tempos, mostrando o quão inovador o King Crimson foi ao estabelecer as bases do rock progressivo. Vale ainda destacar o trabalho brilhante de bateria, que adiciona camadas de profundidade à composição.

Embora todo o álbum tenha fortes influências do jazz, é em “Moonchild” que essa orientação se torna mais evidente. A faixa começa de forma calma e suave, com um ritmo bem definido que sugere uma continuação do clima de “Talk to the Wind”. No entanto, por volta dos três minutos, a música se transforma em uma fusão suave, quase uma jam session, onde a banda explora improvisações sem perder a coesão. É um momento que, ao mesmo tempo, desafia e recompensa o ouvinte, revelando a habilidade do King Crimson em transcender as convenções musicais.

O álbum se encerra com a faixa-título, “In the Court of the Crimson King”, uma obra-prima indiscutível. As letras são incrivelmente descritivas, criando uma atmosfera medieval que se entrelaça perfeitamente com a grandiosidade da música. Esta faixa encapsula tudo: beleza, ritmo, complexidade e uma imaginação rica. É uma peça que transcende as palavras, uma experiência auditiva que só pode ser descrita como perfeita.

Como afirmei anteriormente, In the Court of the Crimson King foi o marco onde o rock progressivo realmente começou a tomar forma, definindo o estilo de maneira definitiva. Embora este álbum monumental possa, por um triz, não alcançar a estatura de algumas obras-primas lançadas posteriormente por outras gigantes do gênero - pelo menos na minha opinião -, ele permanece como uma das criações mais inovadoras e inventivas na história do rock progressivo. É impossível subestimar o impacto que esse disco teve, não apenas como o pioneiro de um novo som, mas como uma declaração audaciosa daquilo que a música poderia se tornar.

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Within the vast universe of progressive rock, there are countless works that could be considered essential. It’s a rich genre, impossible to reduce to just two or three albums that define its pinnacle. However, when it comes to identifying which album kick-started this movement, the question becomes more interesting. While many may point to albums like Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band by The Beatles, The Piper at the Gates of Dawn by Pink Floyd, or Days of Future Passed by The Moody Blues, all released in 1967, these works still sit on the threshold of what would become progressive rock. But if the question is about which album was the first genuine one, bringing all the elements that would define the genre, In the Court of the Crimson King by King Crimson stands out as the unquestionable choice.

With rich production, instrumental complexity, and a near-mythical narrative, it transcends the psychedelic experiences of its predecessors to dive into darker, more innovative, and ambitious territories. Some argue that the album is conceptual, addressing themes like imperialism and materialism, or that its tracks explore the opposition between the psychological functions of thinking and feeling, as defined by Jung. However, such interpretations remain largely speculative, as there are no official statements from the band confirming these concepts. What is indisputable, though, is that the record opened the door to a new form of musical expression.

The album opens with the explosive "21st Century Schizoid Man", a track that captures the listener amidst a perfectly orchestrated sonic chaos. The frantic intensity of the music not only demonstrates the band’s virtuosity but also conveys a palpable sense of frustration and anger. The combination of abrupt tempo changes, complex instrumentation, and an innovative sound defines everything expected of a classic progressive rock track. Robert Fripp's sharp guitar, Ian McDonald’s biting saxophone, and Michael Giles’ relentless drumming create a unique auditory experience, where every element seems destined to push the genre's boundaries.

Next, "Talk to the Wind" offers a striking contrast, serving as the lyrical counterpoint to the aggression of the opening track. The song begins with a soft flute, soon accompanied by Greg Lake's serene and enveloping voice. At first listen, it may seem like a simple and delicate ballad, but there’s much more behind its apparent simplicity. The way the instruments intertwine evokes the elegance and virtuosity of jazz, something impressive for the time and a clear demonstration of the musicians' talent.

The third track, "Epitaph", immerses the listener in a dark and introspective arrangement. With pessimistic lyrics and a melancholic melody, the song stands out as one of the band’s most beloved to this day. Lake’s voice blends perfectly with Fripp’s guitar and the atmospheric Mellotron, creating a mood that would later be explored by bands like Genesis during the Peter Gabriel era. This isn’t just a sad ballad; it’s a complex musical piece that combines different rhythms and tempos, showing how innovative King Crimson was in establishing the foundations of progressive rock. It’s also worth highlighting the brilliant drumming, which adds layers of depth to the composition.

Although the entire album has strong jazz influences, it’s in "Moonchild" that this orientation becomes most evident. The track starts calmly and softly, with a well-defined rhythm that suggests a continuation of the mood in "Talk to the Wind". However, around the three-minute mark, the song transforms into a soft fusion, almost like a jam session, where the band explores improvisations without losing cohesion. It’s a moment that both challenges and rewards the listener, revealing King Crimson's ability to transcend musical conventions.

The album closes with the title track, "In the Court of the Crimson King", an undeniable masterpiece. The lyrics are incredibly descriptive, creating a medieval atmosphere that intertwines perfectly with the grandeur of the music. This track encapsulates everything: beauty, rhythm, complexity, and rich imagination. It’s a piece that transcends words, an auditory experience that can only be described as perfect.

As I previously stated, In the Court of the Crimson King was the milestone where progressive rock truly began to take shape, defining the style in a definitive way. Although this monumental album may, by a hair, not reach the stature of some masterpieces released later by other genre giants — at least in my opinion — it remains one of the most innovative and inventive creations in the history of progressive rock. It’s impossible to underestimate the impact this record had, not only as the pioneer of a new sound but as a bold declaration of what music could become.

NOTA: 10/10

Tracks Listing:

1. 21st Century Schizoid Man (7:20)
2. I Talk to the Wind (6:05)
3. Epitaph (8:47)
4. Moonchild (12:11)
5. The Court of the Crimson King (9:22)

Ouça, "King Crimson  In the Court of the Crimson King" 

King Crimson - Islands (1971)

Islands é um disco que exige paciência e talvez por isso, alguns fãs do King Crimson torçam o nariz para ele. No entanto, para mim, foi surpreendentemente fácil me deixar levar por suas nuances musicais. Diferente de outros álbuns da banda, onde o lado suave sempre contrasta com momentos de explosão sonora, aqui, a suavidade domina quase por completo. É um álbum onde o desenvolvimento das peças é lento e sereno, e embora existam breves incursões em territórios mais ásperos, o foco está claramente nas passagens mais delicadas. Admito que este não é um disco para quem está começando a explorar o universo musical do King Crimson.

A abertura com "Formentera Lady" nos transporta imediatamente para uma atmosfera clássica, conduzida pelo contrabaixo. A introdução é acompanhada por uma flauta e um piano que, juntos, criam uma moldura suave para as primeiras frases vocais. Nos três minutos iniciais, a música mantém um ritmo calmo, mas logo começa a ganhar vida, com tambores jazzísticos que, inicialmente tímidos, crescem em intensidade. Um dos momentos mais belos da faixa é a improvisação ao piano, que adiciona uma camada de sofisticação à peça. Mais adiante, Robert Fripp surge com uma guitarra acústica, demonstrando seu talento habitual, e a música se encerra com brilhantes passagens de improvisação.

"Sailor's Tale" traz uma energia diferente, iniciando com tambores funky e um baixo marcante. A guitarra e o saxofone entram em seguida, conduzindo a música a um clímax excepcional. O solo de guitarra de Fripp se destaca, levando a peça a uma explosão sonora onde cada nota parece encaixar-se perfeitamente no motivo rítmico. O solo de saxofone que segue é incrível, e quando a música desacelera, a banda nos oferece um momento mais descontraído, com Fripp "brincando" na guitarra de forma magistral. A peça então ganha velocidade novamente, agora apoiada por um arranjo orquestral e improvisações dinâmicas na bateria.

"The Letters" é uma faixa que começa com uma voz emocional e um trabalho acústico de guitarra. Esta introdução é cheia de sentimento, com a guitarra desenhando melodias que se alternam continuamente. De repente, a música explode em uma parede sonora, algo que o King Crimson faz com maestria, para logo em seguida retornar à suavidade. Todos os membros da banda brilham aqui, demonstrando a complexidade, virtuosismo e profundidade emocional que definem o verdadeiro rock progressivo. "The Ladies of the Road" é minha faixa favorita do disco, embora tenha uma certa repetitividade. O baixo e a bateria criam uma base divertida, enquanto o saxofone se destaca desde o início. O vocal também faz um excelente trabalho, carregando as emoções de maneira convincente. O refrão é suave e encantador, com guitarras em alta e harmonias vocais bem construídas. O solo de saxofone no final da faixa é mais uma vez um belo destaque, consolidando a maestria de Mel Collins.

"Prelude: Song Of The Gulls" serve como uma transição para a faixa-título, oferecendo uma bela peça clássica que prepara o ouvinte para o grand finale. A simplicidade desta música é sua maior força, com melodias que ecoam a introdução de "Islands", criando uma ligação coesa entre as duas peças. A faixa "Islands", que encerra o álbum, é outro ponto alto do disco, mostrando um equilíbrio perfeito entre letra e música, fruto da parceria entre Robert Fripp e Peter Sinfield. A melodia de piano e flauta é simplesmente deslumbrante, e o momento em que o saxofone solitário entra na peça cria uma atmosfera de vazio e tristeza que é palpável. A repetição da parte vocal/piano, agora acompanhada por um violino em vez invés da flauta, adiciona uma nova dimensão à música. Esta faixa se desenvolve de maneira impecável, proporcionando uma experiência onírica e evocando uma miríade de sensações no ouvinte.

Embora o King Crimson dos anos 70 seja amplamente reconhecido por sua genialidade, nem todas as suas produções da época são de fácil assimilação. Islands é um exemplo perfeito de um álbum que pode não cativar o ouvinte à primeira audição, mas que, com o tempo, revela sua profundidade e beleza. Se derem a ele mais de uma chance, é provável que qualquer impressão inicial negativa se transforme em admiração e apreço.

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Islands is an album that demands patience, which may be why some King Crimson fans aren't particularly fond of it. However, for me, it was surprisingly easy to get carried away by its musical nuances. Unlike other albums by the band, where the softer side always contrasts with moments of explosive sound, here, the softness almost completely dominates. It’s an album where the development of the pieces is slow and serene, and although there are brief excursions into harsher territories, the focus is clearly on the more delicate passages. I admit this isn’t an album for those just beginning to explore the musical universe of King Crimson.

The opening track, "Formentera Lady" immediately transports us into a classical atmosphere, driven by the double bass. The introduction is accompanied by a flute and piano, which together create a soft frame for the initial vocal phrases. In the first three minutes, the music maintains a calm rhythm but soon starts to gain life with jazzy drums that, initially timid, grow in intensity. One of the most beautiful moments of the track is the piano improvisation, which adds a layer of sophistication to the piece. Later on, Robert Fripp enters with an acoustic guitar, showcasing his usual talent, and the song concludes with brilliant improvisational passages.

"Sailor’s Tale" brings a different energy, beginning with funky drums and a prominent bass. The guitar and saxophone follow, leading the music to an exceptional climax. Fripp's guitar solo stands out, driving the piece to a sonic explosion where every note seems to fit perfectly into the rhythmic motif. The following saxophone solo is incredible, and when the song slows down, the band offers us a more relaxed moment, with Fripp "playing" on the guitar masterfully. The piece then picks up speed again, now supported by an orchestral arrangement and dynamic drum improvisations.

"The Letters" is a track that begins with an emotional vocal and an acoustic guitar work. This introduction is full of feeling, with the guitar drawing melodies that continually alternate. Suddenly, the music bursts into a wall of sound, something King Crimson does masterfully, only to return to softness shortly after. All the band members shine here, showcasing the complexity, virtuosity, and emotional depth that define true progressive rock. "The Ladies of the Road" is my favorite track on the album, though it has a certain repetitiveness. The bass and drums create a fun foundation, while the saxophone stands out from the start. The vocals also do an excellent job, conveying emotions convincingly. The chorus is smooth and charming, with high-pitched guitars and well-constructed vocal harmonies. The saxophone solo at the end of the track is once again a beautiful highlight, solidifying Mel Collins' mastery.

"Prelude: Song Of The Gulls" serves as a transition to the title track, offering a beautiful classical piece that prepares the listener for the grand finale. The simplicity of this song is its greatest strength, with melodies echoing the introduction of "Islands" creating a cohesive link between the two pieces. The track "Islands" which closes the album, is another high point, showcasing a perfect balance between lyrics and music, the result of the partnership between Robert Fripp and Peter Sinfield. The piano and flute melody is simply stunning, and the moment when the solitary saxophone enters the piece creates an atmosphere of palpable emptiness and sadness. The repetition of the vocal/piano part, now accompanied by a violin instead of the flute, adds a new dimension to the music. This track develops flawlessly, providing a dreamlike experience and evoking a myriad of sensations in the listener.

Although King Crimson of the '70s is widely recognized for its genius, not all of their productions from that era are easily assimilated. Islands is a perfect example of an album that may not captivate the listener on the first listen but reveals its depth and beauty over time. If given more than one chance, any initial negative impression is likely to transform into admiration and appreciation.

NOTA: 7.5/10

Tracks Listing:

1. Formentera Lady (10:18)
2. Sailor's Tale (7:29)
3. The Letters (4:28)
4. Ladies of the Road (5:31)
5. Prelude: Song of the Gulls (4:14)
6. Islands (9:15)

Ouça, "Sailor's Tale"