The Soft Machine - Bundles (1975)

 

Soft Machine sempre teve uma habilidade rara de manter seus ouvintes imersos, quase como se algo novo estivesse prestes a acontecer a cada segundo. Após o lançamento do sólido Seven, a banda retornou dois anos depois com uma novidade empolgante: a adição de Allan Holdsworth, um guitarrista que mais tarde construiria uma carreira solo brilhante. Embora a guitarra não seja o primeiro instrumento que se associa ao som clássico da Soft Machine, a presença de Holdsworth aqui muda tudo. Ele não apenas brilha; é o centro das atenções, levando a banda a uma nova direção.

Bundles é essencialmente, um álbum guiado pelas guitarras, onde Holdsworth domina e os outros instrumentos servem quase como pano de fundo para suas linhas criativas. A abertura, “Hazard Profile Part 1,” é um exemplo claro dessa revolução sonora. O riff de guitarra repetitivo e agressivo anuncia uma nova fase da banda. Quando Holdsworth inicia seu solo, somos imediatamente transportados para um universo onde o jazz rock flerta com o progressivo por meio de uma técnica e sensibilidade extraordinárias. O resto da banda acompanha de forma primorosa, criando um cenário luxuoso no qual a guitarra desliza com liberdade.

Já em “Hazard Profile Part 2”, a atmosfera muda. O piano assume o protagonismo com uma melodia delicada e introspectiva, que se entrelaça com o violão de forma sublime. A música flui com uma suavidade que contrasta perfeitamente com a energia da primeira parte. “Hazard Profile Part 3” tem apenas 33 segundos, mas é o suficiente para deixar uma impressão forte, preparando o terreno para a explosão seguinte. “Hazard Profile Part 4” traz uma pegada mais próxima do blues rock, com um riff poderoso e repetitivo. “Hazard Profile Part 5”  continua com energia renovada, onde a bateria e o baixo formam uma base sólida, enquanto o sintetizador adiciona um toque original e dinâmico. E mais uma vez, Holdsworth reina, conduzindo a faixa com maestria.

“Gone Sailing” é um breve interlúdio de menos de um minuto, no qual Holdsworth opta por um solo de violão simples, mas cheio de harmonia e beleza. Essa simplicidade serena funciona como uma ponte para “Bundles”, uma faixa que antecipa o futuro estilo do guitarrista. A música traz uma melodia forte, linhas de baixo vigorosas e um trabalho de guitarra que praticamente solta faíscas, proporcionando ao ouvinte aquela sensação de improviso controlado. “Land Of The Bag Snake” se destaca pelo trabalho de guitarra incendiário sobre uma base rítmica intensa. Aqui, Holdsworth nos presenteia com solos melódicos que são verdadeiros deleites auditivos. O baterista John Marshall brilha criando momentos que remetem ao lado mais jazzístico do King Crimson, especialmente à fase com Bill Bruford. “The Man Who Waved At Trains” desacelera o ritmo com uma faixa suave, onde a bateria e os teclados são intricados e o saxofone e oboé criam uma atmosfera relaxante. A transição para “Peff” é natural, e essa faixa serve como um ponto de equilíbrio no álbum, destacando-se pela técnica e pelo crescimento gradual do saxofone, que atinge momentos de distorção impactante.

“Four Gongs Two Drums” é um solo de bateria de John Marshall. Ele consegue manter a faixa concisa e envolvente, evitando que se torne cansativa. Para fechar o disco, “The Floating World” é uma faixa atmosférica, onde a banda cria uma sensação de leveza, quase como se estivéssemos flutuando. É um encerramento inesperado, mas que revela a intenção de Karl Jenkins de deixar sua marca como líder da banda. A flauta de Ray Warleigh contribui para essa textura etérea, criando um final contemplativo, embora um pouco longo para um álbum tão enérgico.

No fim, Bundles é um álbum poderoso e com uma produção orgânica que casa perfeitamente com a música. Embora não tenha o mesmo impacto inovador ou icônico dos primeiros discos da Soft Machine, ele se destaca como um excelente trabalho de jazz rock que está repleto de momentos empolgantes. É um disco mais indicado para fãs de fusion do que para os puristas da cena Canterbury, mas ainda assim, um marco interessante na carreira da banda.

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Soft Machine has always had a rare ability to keep its listeners immersed, almost as if something new is about to happen at any given second. After releasing the solid Seven, the band returned two years later with an exciting new addition: Allan Holdsworth, a guitarist who would later build a brilliant solo career. Although the guitar is not the first instrument that comes to mind when thinking of Soft Machine's classic sound, Holdsworth’s presence here changes everything. He doesn’t just shine; he takes center stage, leading the band in a new direction.

Bundles is essentially a guitar-driven album, where Holdsworth dominates, and the other instruments almost act as a backdrop for his creative lines. The opening track, “Hazard Profile Part 1,” is a clear example of this sonic revolution. The aggressive, repetitive guitar riff announces a new phase for the band. As soon as Holdsworth begins his solo, we are instantly transported to a universe where jazz rock flirts with progressive through extraordinary technique and sensitivity. The rest of the band accompanies him flawlessly, creating a luxurious backdrop in which the guitar glides freely.

In “Hazard Profile Part 2,” the atmosphere changes. The piano takes the lead with a delicate and introspective melody, beautifully intertwined with the acoustic guitar. The music flows smoothly, perfectly contrasting the energy of the first part. “Hazard Profile Part 3” is only 33 seconds long, but it’s enough to leave a strong impression, setting the stage for the next explosion. “Hazard Profile Part 4” brings a blues rock feel, with a powerful and repetitive riff. “Hazard Profile Part 5” continues with renewed energy, where the drums and bass form a solid foundation, while the synthesizer adds an original and dynamic touch. Once again, Holdsworth reigns, guiding the track with mastery.

“Gone Sailing” is a brief interlude of less than a minute, where Holdsworth opts for a simple acoustic guitar solo, full of harmony and beauty. This serene simplicity works as a bridge to “Bundles,” a track that anticipates the guitarist's future style. The song delivers a strong melody, vigorous bass lines, and guitar work that practically sparks, providing the listener with that sense of controlled improvisation. “Land of the Bag Snake” stands out for its fiery guitar work over an intense rhythmic foundation. Here, Holdsworth delights us with melodic solos that are true auditory treats. Drummer John Marshall shines, creating moments reminiscent of King Crimson's jazzier side, especially the Bill Bruford era. “The Man Who Waved At Trains” slows the pace with a gentle track, where the drums and keyboards are intricate, and the saxophone and oboe create a relaxing atmosphere. The transition to “Peff” feels natural, and this track serves as a balance point in the album, highlighted by the technique and gradual buildup of the saxophone, which reaches moments of striking distortion.

“Four Gongs Two Drums” is a drum solo by John Marshall. He manages to keep the track concise and engaging, avoiding any sense of fatigue. To close the album, “The Floating World” is an atmospheric piece, where the band creates a sense of lightness, almost as if we’re floating. It’s an unexpected ending but reveals Karl Jenkins’ intention to leave his mark as the band’s leader. Ray Warleigh’s flute contributes to this ethereal texture, crafting a contemplative conclusion, though perhaps a bit long for such an energetic album.

In the end, Bundles is a powerful album with an organic production that perfectly matches the music. While it may not have the same innovative or iconic impact as Soft Machine’s earlier records, it stands out as an excellent jazz rock work full of exciting moments. It's an album more suited for fusion fans than Canterbury scene purists, but nonetheless, an interesting milestone in the band’s career.

NOTA: 9/10

Tracks Listing

1. Hazard Profile, Part 1 (9:18)
2. Hazard Profile, Part 2 (2:21)
3. Hazard Profile, Part 3 (1:05)
4. Hazard Profile, Part 4 (0:46)
5. Hazard Profile, Part 5 (5:29)
6. Gone Sailing (0:59)
7. Bundles (3:14)
8. Land of the Bag Snake (3:35)
9. The Man Who Waved at Trains (1:50)
10. Peff (1:57)
11. Four Gongs Two Drums (4:09)
12. The Floating World (7:12)

Ouça, "Hazard Profile, Part 1"

Mike Oldfield - Ommadawn (1975)

 

Ommadawn é um disco extremamente especial, que sintetiza e supera tudo o que Mike Oldfield aprendeu em seus dois trabalhos anteriores. Elaborado com uma precisão dramática, comovente e perfeitamente executado, o álbum é uma verdadeira obra-prima. Eu me lembro de sentir uma certa vergonha por em algum momento da minha vida, ter me referido a Oldfield apenas como "o cara da música do Exorcista," como se sua obra se resumisse apenas a isso. Quanta inocência da minha parte, ou seria uma blasfêmia? Não sei. O que sei é que com o passar dos anos, não apenas passei a ouvir sua música, mas também a estudá-la profundamente.

É quase difícil acreditar que Ommadawn foi gravado em 1975. A produção é incrivelmente limpa e a ideia por trás do álbum é revolucionária na maneira como mistura música pop, clássica, progressiva e étnica, utilizando uma infinidade de instrumentos que resultam em uma música soberba. Quando uso o termo "revolucionário," pode parecer um exagero para alguns, mas não há como negar que se trata, no mínimo, de uma obra corajosa. Embora a ideia de uma única faixa ocupando cada lado do disco não fosse inédita, Oldfield nunca foi tão preciso e impactante como aqui.

“Ommadawn Part 1” começa com um tom hipnótico, misterioso e relaxante, onde baixo, guitarra, koto e órgão grave se entrelaçam suavemente com um coro contido. A atmosfera criada é perfeita para uma meditação. A música progride com uma perfeição absoluta em termos de ritmo, estrutura e musicalidade, até que com o som maciço de um gongo, a melodia enigmática ganha vida. A influência da música barroca (Bach e Vivaldi) é evidente, e embora Oldfield já tenha mostrado que não precisa de outros músicos para criar grandes discos, aqui a inclusão de mais integrantes deu uma nova e melhorada roupagem às suas composições. Por volta da metade da música, ela parece "reiniciar" com uma nova corrente suave, evocando uma sensação de serenidade e vibrando com uma nova reviravolta que muda o tema principal. A guitarra que entra nesse momento é estupenda, transbordando energia e trazendo uma sensação edificante ao ouvinte. As percussões africanas lideram a música em direção a um final repleto de incertezas, apenas para sermos novamente abraçados pelo tema inicial com batidas de baixo, coros desesperados, guitarra e sinos tubulares. Uma música sensacional que sozinha já valeria o álbum, mas ainda há mais.

“Ommadawn Part 2” não fica atrás em genialidade, embora muitos a considerem um pouco abaixo da primeira parte. O início é maravilhoso, com guitarras elétricas que vibram em uníssono, criando uma sensação de peso insondável. A música é suavemente cortada por flautas, que a fazem desaparecer lentamente, até que violões começam a vagar livremente. Um dos mais belos trabalhos de gaita de foles que já ouvi fortalece a música com longas e preguiçosas notas antes de direcioná-la para um caminho mais melancólico, onde o violão acústico e a flauta estabelecem um clima mais introspectivo. Novamente, uma bateria africana enérgica dá ritmo à música, servindo de base para um excelente solo de guitarra. Após alguns segundos de silêncio, surge uma melodia encantadora de violão acompanhada pela voz frágil de Oldfield cantando os primeiros versos de “On Horseback” (faixa incluída no final de "Ommadawn Part 2"), onde ele relata sobre coisas simples do cotidiano que gosta de fazer, como beber cerveja, comer queijo, sentir o cheiro de uma brisa ou andar a cavalo. Essa parte possui um sentimento quase infantil, especialmente pelo coro de crianças que lidera o último refrão. Embora o final seja menos impactante do que o restante do álbum, a paixão com que Oldfield conduz os instrumentos continua impressionante.

Ommadawn é um disco profundo e poderoso. Se você está em busca de música progressiva sinfônica, melódica, com uma atmosfera pacífica e emocional, não há outro álbum que eu recomendaria antes deste. Ommadawn vai além de ser apenas uma obra-prima na prateleira; com o tempo, ele pode se tornar um verdadeiro membro da família, tamanha é a interação e conexão que ele exerce na alma do ouvinte. É o ápice da genialidade de Mike Oldfield.

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Ommadawn is an extremely special album that synthesizes and surpasses everything Mike Oldfield learned in his two previous works. Crafted with dramatic precision, deeply moving, and perfectly executed, the album is a true masterpiece. I remember feeling a certain embarrassment for once referring to Oldfield merely as "the guy from the Exorcist music," as if his work was limited to that. How naive of me—or perhaps it was blasphemy? I'm not sure. What I do know is that over the years, I not only began to listen to his music but also studied it deeply.

It’s almost hard to believe that Ommadawn was recorded in 1975. The production is incredibly clean, and the concept behind the album is revolutionary in the way it blends pop, classical, progressive, and ethnic music, utilizing a multitude of instruments that result in superb music. When I use the term "revolutionary," it may seem like an exaggeration to some, but there’s no denying that it is, at the very least, a brave work. Although the idea of a single track occupying each side of the record wasn't unprecedented, Oldfield has never been as precise and impactful as he is here.

“Ommadawn Part 1” begins with a hypnotic, mysterious, and relaxing tone, where bass, guitar, koto, and deep organ intertwine softly with a restrained choir. The atmosphere created is perfect for meditation. The music progresses with absolute perfection in terms of rhythm, structure, and musicianship until, with the massive sound of a gong, the enigmatic melody comes to life. The influence of Baroque music (Bach and Vivaldi) is evident, and while Oldfield has already shown that he doesn’t need other musicians to create great albums, the inclusion of more members here gave his compositions a new and improved texture. Around the middle of the track, it seems to "restart" with a new gentle current, evoking a sense of serenity and vibrating with a new twist that changes the main theme. The guitar that enters at this moment is stunning, brimming with energy and bringing an uplifting sensation to the listener. African percussion leads the music toward an ending full of uncertainties, only for us to be embraced once more by the initial theme with bass beats, desperate choirs, guitar, and tubular bells. An incredible track that alone would justify the album, but there’s still more.

“Ommadawn Part 2” is no less brilliant, though many consider it slightly inferior to the first part. The beginning is wonderful, with electric guitars vibrating in unison, creating a feeling of unfathomable weight. The music is gently cut by flutes, which make it slowly fade away until acoustic guitars begin to wander freely. One of the most beautiful bagpipe performances I've ever heard strengthens the track with long, lazy notes before steering it into a more melancholic path, where acoustic guitar and flute establish a more introspective atmosphere. Once again, energetic African drums give rhythm to the music, serving as the foundation for an excellent guitar solo. After a few seconds of silence, a charming guitar melody emerges, accompanied by Oldfield’s fragile voice singing the first verses of “On Horseback” (a track included at the end of "Ommadawn Part 2"), where he talks about simple everyday things he enjoys doing, like drinking beer, eating cheese, feeling the breeze, or riding a horse. This part has an almost childlike sentiment, especially due to the children's choir leading the final chorus. Although the ending is less impactful than the rest of the album, the passion with which Oldfield handles the instruments remains impressive.

Ommadawn is a deep and powerful album. If you’re looking for symphonic, melodic progressive music with a peaceful and emotional atmosphere, there’s no other album I’d recommend before this one. Ommadawn goes beyond being just a masterpiece on the shelf; over time, it may become a true member of the family, such is the interaction and connection it exerts on the listener's soul. It is the pinnacle of Mike Oldfield's genius.

NOTA: 10/10

Tracks Listing

1. Ommadawn Part 1 (19:14)
2. Ommadawn Part 2 (incl. "On Horseback") (17:07)

Ouça, "Ommadawn Part 1"

Hatfield and the North - The Rotters' Club (1975)

 

Hatfield and the North foi uma banda que apesar de sua curta existência e de ter lançado apenas dois álbuns, deixou um legado excelente no cenário do rock progressivo. The Rotters' Club, segundo disco da banda, não é apenas uma exibição de talentos, mas uma obra cuidadosamente trabalhada e equilibrada, que oferece uma fusão única de sonoridades. Ele combina a ferocidade do fusion, reminiscentes da Soft Machine, com o humor leve e as linhas suaves características do Caravan, tudo permeado pela assinatura musical inconfundível do banda.

O álbum abre com “Share It,” uma faixa agradável e executada com maestria. O destaque aqui é o trabalho de teclado de Dave Stewart que com um solo inspirado evoca de imediato o espírito da cena de Canterbury. Em seguida, “Lounging There Trying” se destaca pela guitarra de Phil Miller. Embora não seja deslumbrante, a guitarra é um elemento essencial na paleta sonora da música, complementada pelos obbligatos de Stewart, que elevam a composição a um novo patamar.As faixas “(Big) John Wayne Socks Psychology On The Jaw” e “Chaos At The Greasy Spoon” atuam como interlúdios intrigantes. A primeira é uma peça agradável, marcada por um trabalho de teclados robusto e bateria intensa. Já a segunda apresenta uma bateria mais técnica, acompanhada por trompa e guitarra fuzz, criando uma atmosfera única.

“The Yes / No Interlude” é uma peça complexa e cativante, onde a guitarra brilha especialmente nos dois primeiros minutos. A faixa apresenta também uma explosão de trompete e uma bateria em blast beat, criando uma sonoridade densa e por vezes desafiadora. Após os cinco minutos, a música assume uma direção jazzística claramente com a influência de Dave Stewart. Este é sem dúvida um dos pontos altos do disco. “Fitter Stoke Has A Bath” traz uma sonoridade suave e bela, com vocais descontraídos e um refrão melódico que cativa instantaneamente. O trabalho de flauta é um verdadeiro deleite, e após uma seção liderada por belas vocalizações, surge um solo de guitarra que acrescenta uma dose de intensidade à música, sem perder sua doçura essencial. A melodia final transporta o ouvinte para um cenário mais sombrio, encerrando a faixa com maestria.

Curiosamente, apesar de ser fã de Jethro Tull, foi “Didn't Matter Anyway” que despertou em mim o desejo de tocar flauta. Embora as letras da banda nunca tenham sido seu ponto mais forte, aqui elas se destacam, com Richard Sinclair entregando uma performance emotiva em uma despedida tocante e que torna a faixa muito especial. “Underdub” é uma peça instrumental envolvente, servindo como um prelúdio perfeito para o épico que fecha o disco. O trabalho uníssono entre flauta e órgão é sublime.

O álbum culmina com “Mumps,” um épico de mais de vinte minutos que exibe a qualidade musical mais alta alcançada pela banda. A faixa começa com belas vocalizações femininas das Northettes, acompanhadas por notas sutis de guitarra e MiniMoog. Aos dois minutos, uma mudança súbita e intensa traz à tona uma guitarra distorcida, piano elétrico, uma linha de baixo vigorosa e uma bateria sólida. Cada elemento desta música é impecável, desde os riffs impactantes até as harmonias complexas que exigem múltiplas audições para serem plenamente compreendidas. As letras, conhecidas como “Alphabet Song,” podem parecer enigmáticas, mas sua integração na melodia é feita de forma harmoniosa, conferindo à faixa um corpo sonoro bem delineado. As Northettes marcam transições cruciais, criando momentos de transformação musical ao longo da peça. Além de solos de guitarra e teclado excepcionais, há um solo de saxofone por volta dos treze minutos e quarenta, que é acompanhado por uma guitarra ao fundo magistral. Um dos pontos altos da faixa é o riff que surge nos minutos finais. Mumps é um épico monumental, quase inteiramente instrumental e que merece estar entre os grandes épicos da história do rock progressivo.

Assim como em seu álbum de estreia, em The Rotters' Club o Hatfield and the North produziu uma obra que talvez não conquiste imediatamente, mas que sem dúvida, se revela como um dos melhores discos que a cena progressiva de Canterbury tem a oferecer.  

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Hatfield and the North was a band that, despite its short existence and having released only two albums, left an excellent legacy in the progressive rock scene. The Rotters' Club, the band's second album, is not just a showcase of talent but a carefully crafted and balanced work that offers a unique fusion of sounds. It combines the ferocity of fusion, reminiscent of Soft Machine, with the light humor and smooth lines characteristic of Caravan, all permeated by the band's unmistakable musical signature.

The album opens with “Share It,” a pleasant and expertly executed track. The highlight here is Dave Stewart's keyboard work, with an inspired solo that immediately evokes the spirit of the Canterbury scene. Next, “Lounging There Trying” stands out due to Phil Miller's guitar. Though not dazzling, the guitar is an essential element in the music’s sonic palette, complemented by Stewart's obbligatos, which elevate the composition to a new level. The tracks “(Big) John Wayne Socks Psychology On The Jaw” and “Chaos At The Greasy Spoon” serve as intriguing interludes. The former is a pleasant piece, marked by robust keyboard work and intense drumming. The latter features more technical drumming, accompanied by horn and fuzz guitar, creating a unique atmosphere.

“The Yes / No Interlude” is a complex and captivating piece, where the guitar shines especially in the first two minutes. The track also features a burst of trumpet and blast beat drumming, creating a dense and at times challenging sound. After five minutes, the music takes on a jazz direction, clearly influenced by Dave Stewart. This is undoubtedly one of the album's highlights. “Fitter Stoke Has A Bath” brings a smooth and beautiful sound, with laid-back vocals and a melodic chorus that instantly captivates. The flute work is truly delightful, and after a section led by beautiful vocalizations, a guitar solo adds a dose of intensity to the music, without losing its essential sweetness. The final melody transports the listener to a darker scenario, closing the track masterfully.

Curiously, despite being a Jethro Tull fan, it was “Didn't Matter Anyway” that sparked my desire to play the flute. Although the band's lyrics were never their strongest point, here they stand out, with Richard Sinclair delivering an emotional performance in a touching farewell that makes the track very special. “Underdub” is an engaging instrumental piece, serving as the perfect prelude to the epic that closes the album. The unison work between flute and organ is sublime.

The album culminates with “Mumps,” an epic over twenty minutes long that showcases the band's highest musical quality. The track begins with beautiful female vocalizations from the Northettes, accompanied by subtle guitar and MiniMoog notes. At two minutes, a sudden and intense change brings out a distorted guitar, electric piano, vigorous bass line, and solid drumming. Every element of this song is impeccable, from the impactful riffs to the complex harmonies that require multiple listens to fully grasp. The lyrics, known as the “Alphabet Song,” may seem enigmatic, but their integration into the melody is done harmoniously, giving the track a well-defined sonic body. The Northettes mark crucial transitions, creating moments of musical transformation throughout the piece. In addition to exceptional guitar and keyboard solos, there’s a saxophone solo around thirteen minutes and forty seconds, accompanied by a masterful guitar in the background. One of the highlights of the track is the riff that emerges in the final minutes. “Mumps” is a monumental epic, almost entirely instrumental, and deserves to be among the great epics in the history of progressive rock.

Just like in their debut album, with The Rotters' Club, Hatfield and the North produced a work that may not win you over immediately but will undoubtedly reveal itself as one of the best albums the Canterbury progressive scene has to offer.

NOTA: 9/10

Tracks Listing

1. Share It (3:02)
2. Lounging There Trying (3:10)
3. (Big) John Wayne Socks Psychology on the Jaw (0:46)
4. Chaos at the Greasy Spoon (0:30)
5. The Yes No Interlude (7:02)
6. Fitter Stoke has a Bath (7:38)
7. Didn't Matter Anyway (3:03)
8. Underdub (3:55)
9. Mumps (20:06)

 Ouça, "Mumps"

Gentle Giant - Free Hand (1975)

 

Escrever sobre Free Hand do Gentle Giant é uma experiência tanto desafiadora quanto gratificante. Este álbum é mais uma joia na coroa da banda, evidenciando mais uma vez a sua intrincada e fascinante interação musical. Se você é fã de rock progressivo, este disco não pode ser considerado nada menos que essencial e obrigatório em sua coleção. Para quem está começando a explorar o gênero, Free Hand é um dos melhores pontos de partida. Mesmo que você não seja cativado de imediato, insista e ouça novamente. A música do Gentle Giant é única; apesar de ter inspirado inúmeras outras bandas, nenhuma conseguiu replicar seu som singular. A complexidade e por vezes o caráter "assustador" da música podem não atrair o ouvinte à primeira audição, mas com o tempo, as nuances se revelam de maneira fascinante.

Free Hand marca uma mudança no som da banda, apresentando uma atmosfera um pouco mais voltada ao hard rock, algo distinto dos álbuns anteriores, onde a música era mais suave e acústica. Essa direção musical contribuiu para o maior sucesso comercial da banda. Derek Shulman, com sua voz sempre excelente, soa mais como um cantor de rock tradicional neste disco, algo incomum se comparado a trabalhos anteriores. As harmonias vocais, embora menos complexas, continuam sendo um dos grandes atrativos da banda. A instrumentação também é menos aventureira, mas sem sacrificar a complexidade e profundidade características do grupo.

A abertura com "Just the Same" é um exemplo perfeito do virtuosismo da banda. Começa com um solo de piano que evolui para uma introdução de guitarra, até ganhar força em uma linha vocal e instrumental vanguardista. A faixa tem uma sonoridade relativamente discreta que se transforma em um interlúdio espacial e atmosférico adornado por "brincadeiras" de guitarra e harmonias de teclado e saxofone, que conferem uma aura jazzística à música. "On Reflection" é talvez a faixa que mais representa a essência do Gentle Giant. Começa com uma polifonia vocal a capela, inspirada na música renascentista, complementada por percussão e vibrafone. A música varia entre momentos acústicos e elétricos, com vocais que se destacam do coro para criar passagens delicadas e complexas, além de várias influências medievais. A entrada da bateria dinamiza ainda mais a música, que se desenvolve para um final brilhante. É uma composição de primeira grandeza e estruturada de forma magistral.

A faixa-título, "Free Hand," mantém a qualidade elevada do disco, apresentando melodias intrigantes e uma sonoridade divertida. A harmonia entre teclados e guitarra, junto com as criativas linhas de baixo, destaca a habilidade da banda em criar música complexa que é ao mesmo tempo cativante. O interlúdio possui uma sonoridade característica do grupo e apesar da complexidade, todos os instrumentos se harmonizam perfeitamente. "Time To Kill" segue um caminho semelhante, sendo uma faixa agitada com ritmos complexos e uma vibe jazzística. As harmonias de baixo, teclado e bateria se destacam, enquanto a linha vocal mantém a música fluindo de forma envolvente, com transições que às vezes trazem uma sonoridade mais silenciosa.

"His Last Voyage" é uma obra-prima dentro do álbum, começando com um tom vanguardista e lindas linhas de baixo, vibrafone, violão e belíssimos vocais de Kerry Minnear. A música segue em um ritmo lento e fluido, com solos de guitarra e órgão que demonstram o talento subestimado de Gary Green. A faixa retorna ao ritmo original novamente destacando os lindos vocais de Kerry. "Talybont" é uma faixa instrumental curta, mas vibrante, dominada por teclado, clavinete e madeiras, sempre acompanhados por uma percussão e baixo robustos. A música tem uma forte influência da música clássica e é a mais "colorida" do álbum em termos de humor. O álbum termina com "Mobile," uma faixa que já começa de forma criativa com o uso de teclado, violão e violino. Mais uma vez, a banda demonstra sua capacidade de compor música complexa com uma harmonia impecável, onde cada instrumento parece seguir seu próprio caminho, ao mesmo tempo em que se encontram em uma coesão perfeita.

Free Hand é uma obra-prima recomendada sem reservas. Cada faixa se destaca, tornando o álbum um exemplo de perfeição do primeiro ao último acorde. Para novos admiradores de rock progressivo, a complexidade elevada pode parecer um desafio, mas não há motivo para preocupação. Com o tempo, o disco certamente conquistará o coração de quem se permitir por ele. 

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Writing about Free Hand by Gentle Giant is both a challenging and rewarding experience. This album stands as yet another gem in the band's crown, once again showcasing their intricate and captivating musical interplay. If you're a fan of progressive rock, this record is nothing short of essential and a must-have in your collection. For those just beginning to explore the genre, Free Hand is one of the best starting points. Even if it doesn't captivate you immediately, give it another listen. Gentle Giant's music is unique; despite inspiring countless other bands, none have managed to replicate their singular sound. The complexity and, at times, "intimidating" nature of their music may not appeal to every listener at first, but with time, its nuances reveal themselves in a fascinating way.

Free Hand marks a shift in the band's sound, introducing a slightly more hard rock-oriented atmosphere, different from their earlier albums, which leaned more towards acoustic and softer tones. This musical direction contributed to the band's greater commercial success. Derek Shulman, with his always excellent voice, sounds more like a traditional rock singer on this record, a contrast to previous works. The vocal harmonies, though less complex, remain one of the band's major attractions. The instrumentation is also less adventurous but without sacrificing the group's characteristic complexity and depth.

The album opens with "Just the Same," a perfect example of the band's virtuosity. It starts with a piano solo that evolves into a guitar introduction, building up into a powerful vocal and instrumental line. The track has a relatively understated sound that transforms into a spacey, atmospheric interlude, adorned with playful guitar work and keyboard and saxophone harmonies that lend the music a jazzy aura. "On Reflection" is perhaps the track that best represents the essence of Gentle Giant. It begins with an a cappella vocal polyphony inspired by Renaissance music, complemented by percussion and vibraphone. The music shifts between acoustic and electric moments, with vocals standing out from the chorus to create delicate and complex passages, along with various medieval influences. The entrance of the drums further energizes the music, leading it to a brilliant conclusion. It’s a first-rate composition, masterfully structured.

The title track, "Free Hand," maintains the high quality of the album, offering intriguing melodies and a playful sound. The harmony between keyboards and guitar, along with the creative bass lines, highlights the band's ability to create complex music that is also captivating. The interlude has a signature sound of the group, and despite the complexity, all the instruments blend perfectly. "Time To Kill" follows a similar path, being an energetic track with complex rhythms and a jazzy vibe. The bass, keyboard, and drum harmonies stand out, while the vocal line keeps the music flowing engagingly, with transitions that sometimes bring a quieter sound.

"His Last Voyage" is a masterpiece within the album, beginning with an avant-garde tone and beautiful bass, vibraphone, guitar, and stunning vocals by Kerry Minnear. The song flows at a slow pace, with guitar and organ solos that demonstrate Gary Green's underrated talent. The track returns to the original rhythm, once again highlighting Kerry's beautiful vocals. "Talybont" is a short but vibrant instrumental track, dominated by keyboard, clavinet, and woodwinds, always accompanied by robust percussion and bass. The music has a strong classical influence and is the most "colorful" track on the album in terms of mood. The album ends with "Mobile," a track that starts creatively with the use of keyboard, guitar, and violin. Once again, the band demonstrates their ability to compose complex music with impeccable harmony, where each instrument seems to follow its own path while achieving perfect cohesion.

Free Hand is a masterpiece, highly recommended without reservations. Each track stands out, making the album an example of perfection from the first to the last chord. For newcomers to progressive rock, the high complexity may seem daunting, but there's no need for concern. Over time, the album will undoubtedly win the hearts of those who give it a chance.

NOTA:10/10

Tracks Listing

1. Just the Same (5:34)
2. On Reflection (5:41)
3. Free Hand (6:14)
4. Time to Kill (5:08)
5. His Last Voyage (6:27)
6. Talybont (2:43)
7. Mobile (5:05)

Ouça, "Just the Same" 

Maxophone - Maxophone (1975)

 

O cenário do rock progressivo italiano dos anos 70 não é apenas vasto, mas também de um brilho singular. Embora muitas bandas tenham tido a chance de mostrar seu talento em apenas um único disco — as chamadas “one shot bands” — muitas dessas conseguiram aproveitar ao máximo essa oportunidade, criando obras que permanecem atemporais. A Maxophone, com seu álbum homônimo, é um exemplo brilhante desse grupo seleto. Ou melhor, era, pois em 2017 a banda lançou mais um disco, La Fabbrica Delle Nuvole, mas que nem de longe lembra o seu trabalho brilhante de 1975.

Formada em 1972 por seis jovens músicos, Maxophone conseguiu mesclar uma variedade impressionante de estilos de uma forma profundamente única. Sua música é uma explosão de ideias bem executadas, ricas em complexidade e criatividade. Para a composição das letras, a banda contou com a ajuda de amigos, que traduziram em palavras as emoções e conceitos que eles transmitiam através das notas. O resultado é uma mistura cativante de rock sinfônico, música clássica, swing, jazz e música tradicional italiana, tudo isso orquestrado com um banquete instrumental que é um verdadeiro deleite para os fãs do gênero. Entre os instrumentos, destacam-se harpa, trompa, guitarras clássicas, saxofone, flauta, piano, teclados, órgãos, clarinete, trompete, vibrafone, quarteto de cordas, guitarra elétrica, baixo, bateria e percussão.

O álbum começa com "C'È Un Paese Al Mondo", uma faixa que se inicia com suaves e agradáveis linhas de piano, mas que logo se transformam em um ritmo bem cadenciado, sustentado por baixo, bateria e guitarra. A serenidade volta a dominar, preparando o ouvinte para a entrada dos vocais de Alberto Ravasini. As letras evocativas pintam o retrato de um país idealizado, um paraíso de perfeição. O clarinete ganha destaque, seguido pelo trompete, então uma bela guitarra surge antes do retorno dos vocais. Já nessa primeira faixa, a banda revela a complexidade que permeia todo o álbum.

"Fase" é uma peça instrumental onde os membros da banda aproveitam para exibir seus talentos e musicalidade, fundindo de maneira magistral influências do jazz, rock e música clássica. A introdução é mais pesada que a da faixa anterior, com um saxofone vigoroso que se mistura a uma atmosfera sinfônica e progressiva. O vibrafone então emerge de forma delicada e precisa antes que o potente riff de guitarra retorne. Cada instrumento, da trompa à flauta, encontra seu espaço, tudo encaixado com uma precisão impressionantes. "Al Mancato Compleanno Di Una Farfalla" começa com uma introdução lindíssima de guitarra clássica que evoca uma atmosfera romântica. Logo a flauta se junta e os vocais entram de maneira suave. Na segunda parte, a música ganha força com um teclado sinfônico de grande personalidade e que transforma a sonoridade, enquanto os demais instrumentos crescem em intensidade.

"Elzeviro" abre com um órgão e vocais que capturam o desespero de um ataque na rua, uma referência direta aos confrontos políticos que marcaram a Itália dos anos 70. A musicalidade se intensifica, com riffs de guitarra que evocam grandes nomes do rock progressivo. O órgão, por sua vez, se destaca dando corpo à faixa quase inteira. No meio da música o som se torna mais pesado, com um solo excelente de guitarra até suavizar-se novamente com a entrada dos vocais, antes de se elevar mais uma vez, agora com a execução de uma flauta belissimamente.

"Mercanti Di Pazzie" é uma verdadeira joia. A introdução com harpa é retirada da obra "Sonata per arpa", gravada originalmente por Paul Hindemith em 1939. A música evoca uma atmosfera onírica, de paz e serenidade. As letras, embora um tanto enigmáticas, complementam a beleza musical de forma sublime. O álbum se encerra com "Antiche Conclusioni Negre", a faixa mais longa do disco. Ela começa de maneira enérgica, com uma sonoridade alegre que rapidamente se alterna entre momentos serenos e passagens mais pesadas, destacando principalmente o uso dos teclados e do baixo. O solo de saxofone merece um destaque especial, assim como a letra, que presta um tributo à música negra.

Maxophone criou, com este álbum, uma verdadeira obra de arte, e, independentemente do lançamento de 2017, continua a ser considerada uma "one shot band". A música presente neste disco é estruturada de forma poderosa, com uma musicalidade que se equilibra perfeitamente entre os múltiplos instrumentos, onde nenhum se sobressai de forma excessiva. O álbum possui duas versões, sendo uma delas em inglês, mas se você quiser realmente sentir a essência da música, recomendo ouvir a versão italiana.

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The Italian progressive rock scene of the 70s is not only vast but also uniquely brilliant. While many bands only had the chance to showcase their talent in a single album—the so-called "one-shot bands"—many of these managed to make the most of this opportunity, creating works that remain timeless. Maxophone, with their self-titled album, is a shining example of this select group. Or rather, it was, since the band released another album in 2017, La Fabbrica Delle Nuvole, which falls far short of their brilliant 1975 work.

Formed in 1972 by six young musicians, Maxophone managed to blend an impressive variety of styles in a profoundly unique way. Their music is an explosion of well-executed ideas, rich in complexity and creativity. For the composition of the lyrics, the band enlisted the help of friends who translated the emotions and concepts they conveyed through notes into words. The result is a captivating mix of symphonic rock, classical music, swing, jazz, and traditional Italian music, all orchestrated with an instrumental feast that is a true delight for fans of the genre. Among the instruments, the harp, French horn, classical guitars, saxophone, flute, piano, keyboards, organs, clarinet, trumpet, vibraphone, string quartet, electric guitar, bass, drums, and percussion stand out.

The album begins with "C'È Un Paese Al Mondo," a track that starts with soft and pleasant piano lines but soon transforms into a well-paced rhythm, supported by bass, drums, and guitar. Serenity returns, preparing the listener for the entrance of Alberto Ravasini's vocals. The evocative lyrics paint a picture of an idealized country, a paradise of perfection. The clarinet takes the spotlight, followed by the trumpet, then a beautiful guitar emerges before the vocals return. Already in this first track, the band reveals the complexity that permeates the entire album.

"Fase" is an instrumental piece where the band members take the opportunity to showcase their talents and musicianship, masterfully blending influences from jazz, rock, and classical music. The introduction is heavier than the previous track, with a vigorous saxophone mixed with a symphonic and progressive atmosphere. The vibraphone then emerges delicately and precisely before the powerful guitar riff returns. Each instrument, from the French horn to the flute, finds its space, all fitting together with impressive precision. "Al Mancato Compleanno Di Una Farfalla" begins with a beautiful classical guitar introduction that evokes a romantic atmosphere. Soon the flute joins in, and the vocals enter softly. In the second part, the music gains strength with a symphonic keyboard of great character, transforming the sound as the other instruments increase in intensity.

"Elzeviro" opens with an organ and vocals that capture the despair of an attack on the street, a direct reference to the political clashes that marked Italy in the 70s. The musicality intensifies, with guitar riffs that evoke the great names of progressive rock. The organ, in turn, stands out, giving body to almost the entire track. In the middle of the song, the sound becomes heavier, with an excellent guitar solo, then softens again with the entry of the vocals, before rising once more, now with a beautifully executed flute.

"Mercanti Di Pazzie" is a true gem. The harp introduction is taken from Paul Hindemith's work "Sonata per arpa," originally recorded in 1939. The music evokes a dreamlike atmosphere of peace and serenity. The lyrics, though somewhat enigmatic, complement the musical beauty in a sublime way. The album closes with "Antiche Conclusioni Negre," the longest track on the record. It begins energetically, with a joyful sound that quickly alternates between serene moments and heavier passages, particularly highlighting the use of keyboards and bass. The saxophone solo deserves special mention, as does the lyric, which pays tribute to black music.

With this album, Maxophone created a true work of art, and regardless of the 2017 release, they continue to be considered a "one-shot band." The music on this album is powerfully structured, with a musicality that balances perfectly between the multiple instruments, where none of them excessively overshadow the others. The album has two versions, one in English, but if you want to truly feel the essence of the music, I recommend listening to the Italian version.

NOTA: 9/10

Tracks Listings

1. C'è Un Paese Al Mondo (6:39)
2. Fase (7:04)
3. Al Mancato Compleanno Di Una Farfalla (5:52)
4. Elzeviro (6:47)
5. Mercanti Di Pazzie (5:21)
6. Antiche Conclusioni Negre (8:54)

Ouça, "Elzeviro"

Sebastian Hardie - Four Moments (1975)

 

Todo amante de rock progressivo dos anos 70 sabe que a cena australiana era bastante reduzida. Isso é até curioso, considerando os fortes laços comerciais e culturais que a Austrália manteve com a Inglaterra e os Estados Unidos, que a quantidade de bandas progressivas no país fosse tão limitada. No entanto, isso não impediu que músicos talentosos criassem trabalhos de qualidade. Sebastie Hardie é um exemplo notável. Influenciado por Camel, Yes e Focus, seu álbum Four Moments merece muito mais reconhecimento.

Embora a música do álbum não seja tão original ou intrincada quanto a de algumas das bandas que o influenciaram, ela é emocionante e realizada com paixão e dedicação. Os músicos são excelentes instrumentistas, demonstrando uma capacidade de composição admirável. As músicas são bem estruturadas, organizadas e executadas com precisão. Mario Millo, por exemplo, é um guitarrista que não se preocupa em exibir virtuosismo. Em vez disso, ele contribui com solos confortantes, carregados de sentimento e beleza, em um estilo que lembra Jan Akkermann – o que convenhamos, é um enorme elogio.

O álbum, cujo nome sugere um conceito, realmente tem um caráter conceitual, ou pelo menos parte dele. A suíte homônima ao nome do disco, composta pelas quatro primeiras faixas, explora o que é real e o que pode ser compreendido, refletindo sobre o impacto do tempo e das mudanças naturais, mergulhando em sonhos e experiências passageiras, para finalmente reafirmar a realidade das percepções vividas.

“Glories Shall Be Released”, a faixa de abertura, é a mais polida e comercial do álbum, mas não deixa de ser uma peça de qualidade. Inicia-se de maneira sinfônica, com teclados orquestrais acompanhados por uma guitarra melódica. A introdução é extensa, ocupando dois terços da música, sendo dominada por teclados eufônicos bem suportados por uma base rítmica sólida. Embora seja a faixa menos expressiva do álbum, é uma introdução eficaz.“Dawn of Our Sun” é  uma maravilha. Começa com uma paisagem sonora intrigante, composta por flauta sintetizada, uma linha psicodélica de guitarra e címbalos que criam uma atmosfera onírica. Quando os vocais entram o clima de mistério se intensifica. A melancolia da letra é acentuada pela guitarra e principalmente pelo uso edificante do Mellotron.

“Journey Through Our Dreams” abre com um vocal suave e guitarra acústica. À medida que outros instrumentos entram, a música ganha corpo, destacando-se o mellotron que proporciona uma sensação sinfônica. Um solo de guitarra notável surge na metade, faixa, sendo seguido por sintetizadores que assumem o controle. A seção final, com mellotron e vocal emocionantes é um destaque. “Everything Is Real” é a faixa mais curta, simples e direta, sendo dominada por sintetizadores que culminam em um final sereno com Mellotron repetindo a linha já estabelecida.

“Rosanna” é uma exibição primorosa de guitarra melódica e trabalho emocionante de sintetizadores. Desenvolve-se com requinte e elegância, oferecendo uma sensação de paz ao ouvinte. “Openings” encerra muito bem  o álbum , com treze minutos de paisagens sonoras edificantes. As influências de Camel são evidentes, especialmente na guitarra. A melodia é relaxante, com sintetizadores e orquestrações suaves. O órgão brilha, particularmente em seus solos mais efervescentes. A musicalidade onírica, principalmente as texturas espaciais do Mellotron. O riff de guitarra mais pesado no final adiciona uma nova dimensão à música, mantendo a melodia e acelerando o ritmo.

Embora Four Moments não se destaque pela originalidade ou virtuosismo, sua simplicidade é compensada por uma beleza intrínseca. Não pode ser comparado com as obras mais significativas do rock progressivo da época, mas é indiscutivelmente o disco australiano de rock progressivo mais significativo dos anos 1970.

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Any fan of 1970s progressive rock knows that the Australian scene was quite limited. It’s curious, considering the strong commercial and cultural ties Australia had with England and the United States, that the number of progressive bands in the country was so small. Nevertheless, this did not stop talented musicians from creating quality work. Sebastian Hardie is a notable example. Influenced by Camel, Yes, and Focus, his album Four Moments deserves much more recognition.

While the music on this album may not be as original or intricate as some of the bands that influenced it, it is nonetheless heartfelt and executed with passion and dedication. The musicians are excellent instrumentalists, demonstrating admirable compositional skills. The songs are well-structured, organized, and performed with precision. Mario Millo, for instance, is a guitarist who does not seek to showcase virtuosity. Instead, he contributes comforting solos, rich in emotion and beauty, in a style reminiscent of Jan Akkerman – which is indeed a high compliment.

The album’s name suggests a conceptual theme, and indeed, it does possess a conceptual character, at least in part. The title suite, comprising the first four tracks, explores the nature of reality and understanding, reflecting on the impact of time and natural changes, delving into dreams and fleeting experiences, and ultimately reaffirming the reality of lived perceptions.

“Glories Shall Be Released,” the opening track, is the most polished and commercial on the album, but it is still a quality piece. It begins symphonically, with orchestral keyboards accompanied by a melodic guitar. The introduction is extensive, taking up two-thirds of the song, and is dominated by euphoric keyboards well-supported by a solid rhythmic foundation. While it is the least expressive track on the album, it serves as an effective introduction. “Dawn of Our Sun” is a marvel. It starts with an intriguing soundscape, composed of synthesized flute, a psychedelic guitar line, and cymbals that create a dreamlike atmosphere. As the vocals enter, the sense of mystery intensifies. The melancholy of the lyrics is accentuated by the guitar and, notably, by the uplifting use of Mellotron.

“Journey Through Our Dreams” opens with soft vocals and acoustic guitar. As other instruments join in, the music gains depth, with the Mellotron providing a symphonic feel. A notable guitar solo emerges midway through the track, followed by synthesizers taking over. The final section, with its emotive Mellotron and vocals, is a highlight. “Everything Is Real” is the shortest track, straightforward and direct, dominated by synthesizers, culminating in a serene ending with the Mellotron repeating the established line.

“Rosanna” is a masterful display of melodic guitar and emotive synthesizer work. It unfolds with refinement and elegance, offering a sense of peace to the listener. “Openings” concludes the album beautifully, with thirteen minutes of uplifting soundscapes. The Camel influences are evident, especially in the guitar work. The melody is soothing, with gentle synthesizers and orchestrations. The organ shines, particularly in its more effervescent solos. The dreamy musicality, primarily the spatial textures of the Mellotron, adds to the album’s charm. The heavier guitar riff at the end introduces a new dimension to the music, maintaining the melody while speeding up the rhythm.

Although Four Moments does not stand out for its originality or virtuosity, its simplicity is compensated by an intrinsic beauty. It cannot be compared with the most significant works of progressive rock from that era, but it is undeniably the most significant Australian progressive rock album of the 1970s.

NOTA: 7/10

- Four Moments:
1. Glories Shall Be Released (6:40)
2. Dawn of Our Sun (5:06)
3. Journey Through Our Dreams (6:43)
4. Everything Is Real (2:09)
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5. Rosanna (5:59)
6. Openings (13:01)

Ouça, "Glories Shall Be Released"

Yezda Urfa - Boris (1975)

 

Embora a música do Yezda Urfa seja frequentemente descrita como uma mistura entre Yes e Gentle Giant, o álbum Boris vai além dessas influências óbvias, onde de certa forma, também constrói uma linha musical que apresenta frescor É inegável que a banda incorpora a complexidade rítmica e os riffs elaborados do Yes, assim como a diversidade eclética do Gentle Giant. No entanto, às vezes banda também revela uma identidade sua, mostrando uma grande interação entre os músicos em uma jornada progressiva frenética e vertiginosa.

O álbum começa com "Boris And His 3 Verses, including Flow Guides Aren't My Bag", uma faixa que abre com uma sonoridade que remete à cena psicodélica de São Francisco da segunda metade dos anos 60, evocando bandas como Jefferson Airplane e The Mamas and the Papas. À medida que a música avança, ela ganha energia com uma bateria poderosa e teclados vibrantes, lembrando a dinâmica entre Carl Palmer e Keith Emerson. A faixa também oferece momentos de violão que são belíssimos, resultando em uma peça musical impressionante e emocional.

A segunda faixa, "Texas Armadillo", traz uma inesperada incursão no bluegrass, com uma bateria e um baixo que ancoram a música muito bem, adicionando uma nova dimensão ao álbum e mostrando a versatilidade da banda. "3, Almost 4, 6 Yea" é uma composição que mistura elementos de Emerson, Lake & Palmer e Yes, criando uma canção rica e multifacetada. A faixa é adornada por flautas perfeitamente encaixadas e, em certos momentos, adota uma sonoridade mais clássica ao estilo do Focus. Com uma estrutura complexa e muitas nuances, a música é um exemplo de como os membros da banda dominam sua arte, construindo uma peça de beleza e sofisticação.

"Tuta In The Moya & Tyreczimmage" é, para muitos, o destaque do álbum. A música combina um lindo bandolim, guitarras elétricas marcantes, linhas de baixo fenomenais, bateria empolgante, sintetizadores que criam uma atmosfera deslumbrante e um interlúdio com flauta e harmonias vocais sublimes. Tudo isso é executado em um ritmo virtuoso, com cada membro da banda demonstrando habilidades técnicas impressionantes. A melodia é agradável e bem controlada, tornando essa faixa um verdadeiro brilho dentro do álbum.

"Three Tons Of Fresh Thyroid Glands" é uma celebração do rock progressivo em sua forma mais pura, com virtuosismo, tempos incomuns, instrumentos em uníssono e mudanças de andamento que mantêm o ouvinte sempre alerta. A faixa também se destaca pelas harmonias vocais complexas e ótimos momentos acústicos, tornando-a uma canção edificante. "The Basis of Dubenglazy (While Dirk Does the Dance)" é uma faixa bônus, lançada no relançamento do álbum em 2004. Esta canção tem um som familiar para os fãs do Yes, especialmente do The Yes Album. A guitarra, o baixo e até mesmo os vocais são reminiscentes da banda inglesa, com momentos vocais que evocam também o Gentle Giant. Embora esta faixa tenha menos personalidade própria em comparação com as demais, ela ainda é uma boa adição ao álbum.

No final, Boris é um bom álbum de rock progressivo, com um ótimo desempenho de todos os envolvidos. Embora não seja uma obra-prima, devido às influências claras e às vezes imitativas, o álbum brilha nos momentos de suas contribuições únicas e originalidade, o que o torna um disco especial. 

NOTA: 7/10

Tracks Listing:

1. Boris and His 3 Verses (including Flow Guides Aren't My Bag) (11:00)
2. Texas Armadillo (1:48)
3. 3, Almost 4, 6 Yea (8:46)
4. Tuta in the Moya & Tyreczimmage (10:50)
5. Three Tons of Fresh Thyroid Glands (10:20)
6. The Basis of Dubenglazy (While Dirk Does the Dance) (9:51)

Ouça, "Boris and His 3 Verses (including Flow Guides Aren't My Bag)"

Harmonium - Si On Avait Besoin D'Une Cinquième Saison (1975)

A cena progressiva de Quebec, no Canadá, nos presenteou com alguns dos álbuns mais notáveis do gênero, ainda que muitas das bandas dessa região tenham tido carreiras curtas. A Harmonium, em particular, destacou-se como um dos expoentes dessa cena ao lado de grupos como Pollen e Maneige. Infelizmente, a banda durou apenas cinco anos, mas nesse breve período lançou três álbuns, com o ápice criativo alcançado em 1975 por meio do seu Si On Avait Besoin D'Une Cinquième Saison. Este disco é amplamente considerado como uma joia rara do rock progressivo franco-canadense.

Embora seja reconhecida principalmente como uma banda de folk, a sonoridade da banda vai além, incorporando elementos sinfônicos e progressivos e que tornam sua música uma experiência rica e multifacetada. Si On Avait Besoin D'Une Cinquième Saison é um álbum ideal para quem deseja explorar o universo do rock progressivo de Quebec. Com uma sonoridade suave e sublime, o álbum é adornado por instrumentos clássicos e apresenta um conceito fascinante: as quatro primeiras faixas representam as estações do ano, enquanto a quinta faixa, um épico enigmático, sugere uma quinta estação ou talvez algo mais abstrato e simbólico.

O álbum começa com "Vert", que representa a primavera. A música é introduzida por uma melodia encantadora de flauta, estabelecendo um tom que, embora ainda não revele a maturidade total que a banda atingiria neste segundo álbum, já demonstra um avanço significativo em relação ao seu trabalho anterior. As harmonias vocais são deslumbrantes, e a complexidade instrumental, embora acessível, resulta em uma experiência mágica.

"Dixie", a faixa dedicada ao verão, possui uma vibração otimista e alegre, mesclando elementos de folk e jazz de maneira que convida o ouvinte a participar, quase instigando palmas e batidas de pé. O piano, particularmente brilha aqui, com um riff principal que é ao mesmo tempo cativante e tecnicamente impressionante.

Em seguida, o outono é representado por "Depuis l'automne", uma música mais sombria e introspectiva. Após os primeiros versos, surge uma breve, mas impactante passagem de Mellotron, que se destaca pela sua beleza etérea. A canção progride com uma ruptura instrumental onde o Mellotron brilha novamente, criando paisagens sonoras comparáveis às das maiores bandas de rock progressivo. O baixo, simples mas eficaz, e a instrumentação envolvente fazem desta uma faixa viciante e inesquecível.

O inverno chega com "En Pleine Face", uma canção curta e melancólica, executada principalmente de forma acústica. Nos últimos dois minutos, a faixa atinge seu auge, com harmonias vocais, violão e acordeão se unindo para criar uma atmosfera de beleza tranquila e tocante.

O álbum culmina com o épico "Histoires Sans Paroles". Desde o início, a música ergue-se com uma das melodias de flauta mais belas que já ouvi. À medida que a faixa avança, somos conduzidos por uma parede de Mellotron, que junto ao piano elétrico e guitarras, cria um tema que varia em nuances, tornando-se cada vez mais cativante. Em um momento de pausa bizarra e atmosférica, o Mellotron retorna, agora solitário, antes que a música ressurja com vocalizações etéreas e instrumentação rica que remete ao Tales of Topographic Oceans do Yes. A adição do saxofone suave leva a música a um clímax edificante, encerrando o álbum brilhantemente. 

É difícil não se perguntar sobre o significado por trás de "Histoires Sans Paroles". Seria uma referência a uma quinta estação? Uma metáfora para o céu ou uma utopia? Independentemente da interpretação, o impacto emocional é profundo, com a música levando o ouvinte a um estado quase transcendental.

A Harmonium lançou três álbuns em três anos, e com Si On Avait Besoin D'Une Cinquième Saison, atingiu um nível de qualidade que rivaliza com os melhores trabalhos do rock progressivo europeu. Este álbum é uma pérola que apesar de relativamente escondida e subestimada, brilha intensamente como uma das obras mais sublimes e inspiradoras do gênero. Uma verdadeira obra-prima que merece ser descoberta e apreciada por todos que tenha o rock progressivo circulando em suas veias. 

NOTA: 9.5/10

Tracks Listing:

1. Vert (5:35)
2. Dixie (3:26)
3. Depuis l'automne (10:28)
4. En pleine face (4:51)
5. Histoires Sans Paroles (17:12)

Ouça, ""Histoires Sans Paroles"

Mahavishnu Orchestra - Visions Of The Emerald Beyond (1975)

Muitos descrevem a formação original da Mahavishnu Orchestra como algo próximo à perfeição, enquanto outros acreditam que, após a saída de Jerry Goodman, Billy Cobham e Jan Hammer, a banda jamais voltaria a brilhar da mesma forma. Embora eu respeite essas opiniões, discordo respeitosamente delas. Visions of the Emerald Beyond pode ser diferente, mas é um disco de música de qualidade elevadíssima e que se destaca em seu próprio mérito.

Não há dúvidas de que Jerry Goodman é um violinista brilhante, mas a adição de Jean-Luc Ponty trouxe algo essencial para a banda. Com sua formação clássica e estilo melódico, Ponty preencheu uma lacuna que a Mahavishnu Orchestra precisava preencher. A banda deixou de ser meramente uma formação de jazz que incorporava outros gêneros, para se tornar uma verdadeira banda de rock progressivo, que mistura jazz, rock e até música clássica de maneira delicada e menos frenética do que em trabalhos anteriores. Ainda assim, o som manteve sua coerência característica.

É verdade que a banda "sacrificou" um pouco do espírito jazzístico, mas o preço pago foi justo, pois o resultado foi uma banda mais estruturada, sólida e melódica. A nova sonoridade é mais acessível, especialmente para aqueles que admiram o fusion, mas não são aficionados pelo gênero. A música flui de forma mais prazerosa e compreensível. E se nos primeiros registros as habilidades técnicas dos músicos eram o que mais impressionava, aqui é a música em si que captura a atenção. A beleza mística criada pela fusão entre jazz, rock e clássico soa mais próxima do sinfônico.

 "Eternity's Breath Part I and II" abre o disco com uma fusão poderosa entre a guitarra de John McLaughlin e o violino de Ponty, cada músico tocando em seu próprio estilo, mas encontrando um ponto de convergência que resulta em uma cadência sutil e estruturada. O resultado é simplesmente fantástico, com a adição de vocais misteriosos que aumentam a intensidade. "Can't Stand Your Funk" é uma canção deliciosa, onde o elemento funk introduz um território até então inexplorado pela banda. Apesar dessa novidade, eles não abandonam suas raízes. A participação brilhante de Michael Walden pode até fazer os fãs mais antigos sentirem saudade de Cobham, mas de forma alguma deixa uma lacuna na qualidade.

"Pastoral" confirma que estamos diante de uma banda diferente. Ponty executa um solo de tirar o fôlego, onde os elementos do clássico e do jazz se combinam como se sempre estivessem destinados a se fundir em algum momento. A musicalidade e a forte melodia se tornaram a marca registrada dessa fase da banda. "Faith" é uma daquelas faixas curtas que nos fazem desejar que tivessem sido estendidas a um épico. Mesmo quando a banda adiciona tudo o que tem em seu repertório, a música permanece completamente estruturada e coerente, sem excessos. "Earth Ship" traz uma melodia incrivelmente bela, com Ponty adicionando seu violino experimental e cânticos que lembram o estilo místico do Magma, contribuindo para a atmosfera transcendente do álbum.

Embora dessa vez eu tenha destacado apenas algumas faixas, não se engane: todas as músicas possuem seus méritos. Visions of the Emerald Beyond é uma obra de muito valor. Um disco onde o conjunto de sentimentos misturados com a improvisação é surpreendente e edificante.

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Many describe the original lineup of the Mahavishnu Orchestra as close to perfection, while others believe that after the departure of Jerry Goodman, Billy Cobham, and Jan Hammer, the band could never shine the same way again. While I respect these opinions, I respectfully disagree. Visions of the Emerald Beyond may be different, but it is a high-quality album that stands out on its own merit.

There is no doubt that Jerry Goodman is a brilliant violinist, but the addition of Jean-Luc Ponty brought something essential to the band. With his classical training and melodic style, Ponty filled a gap that the Mahavishnu Orchestra needed to address. The band evolved from being merely a jazz outfit incorporating other genres to becoming a true progressive rock band, blending jazz, rock, and even classical music in a more delicate and less frenetic manner than in previous works. Nevertheless, the sound retained its characteristic coherence.

It is true that the band "sacrificed" some of its jazz spirit, but the price paid was fair, as the result was a more structured, solid, and melodic band. The new sound is more accessible, especially for those who appreciate fusion but are not aficionados of the genre. The music flows more pleasantly and understandably. While the technical skills of the musicians were what impressed the most in the early recordings, here it is the music itself that captures the attention. The mystical beauty created by the fusion of jazz, rock, and classical elements sounds closer to the symphonic.

"Eternity's Breath Part I and II" opens the album with a powerful fusion of John McLaughlin's guitar and Ponty's violin, each musician playing in their own style but finding a point of convergence that results in a subtle and structured cadence. The result is simply fantastic, with the addition of mysterious vocals that increase the intensity. "Can't Stand Your Funk" is a delightful track where the funk element introduces a previously unexplored territory for the band. Despite this novelty, they do not abandon their roots. Michael Walden's brilliant performance might even make long-time fans miss Cobham, but it does not leave a gap in quality.

"Pastoral" confirms that we are facing a different band. Ponty delivers a breathtaking solo where classical and jazz elements combine as if they were always destined to merge at some point. The musicianship and strong melody have become the hallmark of this phase of the band. "Faith" is one of those short tracks that makes us wish it had been extended into an epic. Even when the band adds everything in its repertoire, the music remains completely structured and coherent, without excess. "Earth Ship" brings an incredibly beautiful melody, with Ponty adding his experimental violin and chants reminiscent of Magma’s mystical style, contributing to the album’s transcendent atmosphere.

Although I have highlighted only a few tracks this time, don’t be mistaken: all the songs have their merits. Visions of the Emerald Beyond is a work of great value. An album where the blend of emotions mixed with improvisation is both surprising and uplifting.

NOTA: 8/10

Tracks Listing:

1. Eternity's Breath Part 1 (3:10)
2. Eternity's Breath Part 2 (4:48)
3. Lila's Dance (5:34)
4. Can't Stand Your Funk (2:09)
5. Pastoral (3:41)
6. Faith (2:00)
7. Cosmic Strut (3:28)
8. If I Could See (1:18)
9. Be Happy (3:31)
10. Earth Ship (3:42)
11. Pegasus (1:48)
12. Opus 1 (0:15)
13. On the Way Home to Earth (4:34)

Ouça, "Eternity's Breath Part 2"

Renaissance - Scheherazade And Other Stories (1975)

O rock progressivo sinfônico é frequentemente associado a nomes icônicos como Yes e Genesis, mas poucos conseguem capturar a essência sinfônica do gênero com a mesma coesão que o Renaissance. A voz operística de Annie Haslam é um dos pilares dessa expressão musical, e atinge sua plenitude em Scheherazade & Other Stories. 

Renaissance, conhecida por seu foco em piano e vocais elaborados, traz uma abordagem mais suave em comparação com outras bandas de progressivo dos anos 70. Se Genesis, Yes ou Emerson, Lake & Palmer são como pesos pesados que podem dominar a cena com um único acorde, Renaissance é como um médio que, com estilo e elegância, conquista seus ouvintes.

Scheherazade & Other Stories é um álbum conceitual inspirado nos contos das Mil e Uma Noites, com a base musical ancorada na suíte sinfônica "Scheherazade" do compositor russo Nikolai Rimsky-Korsakov. Pra quem não conhece o contexto, a história do álbum gira em torno de Scheherazade, uma jovem condenada a se tornar mais uma esposa do sultão, que, temendo traição, decapita suas esposas após a noite de núpcias. Para evitar seu destino, Scheherazade conta ao sultão uma história inacabada a cada noite, mantendo-o curioso e poupando sua vida. Após mil e uma noites, o sultão se rende e a faz sua rainha. 

"Trip to the Fair" inicia o álbum com uma introdução impressionante de piano, coro e percussão, antes de revelar a magnífica voz de Annie Haslam. Apesar de começar com uma força impressionante, a música transita para uma melodia suave, criando uma atmosfera onírica com toques de jazz que evocam uma sensação de viagem. Embora alguns possam considerá-la uma faixa regular, é um começo promissor para o álbum.

"The Vultures Fly High" oferece um contraste com uma abordagem mais enérgica e rockeira. A faixa começa e termina com força, apresentando uma linha mais direta e rápida. Os membros da banda mostram sua capacidade de criar canções curtas e impactantes, com um saldo muito positivo. "Ocean Gypsy" é uma faixa mais suave, onde os vocais de Annie novamente se destacam. A música, embora um pouco previsível, é bem estruturada e evidencia que a Renaissance é uma banda completa, não apenas um grupo de piano e voz.

O álbum culmina com "Song of Scheherazade", uma peça monumental que representa o auge do trabalho da banda. Este épico de 24 minutos é uma verdadeira obra-prima, repleta de piano exímio, uma orquestra sólida, coro e um desempenho brilhante de toda a banda. A atmosfera árabe é evocado com perfeição, e os vocais de Annie Haslam são nada menos que sublimes. A música apresenta mudanças espetaculares e explosões súbitas e intensas, criando uma beleza fora do comum. Cada frase musical é extremamente bem encaixada em uma orquestração que eleva o espírito de quem a escuta.

Scheherazade & Other Stories é um exemplo perfeito do rock progressivo sinfônico em sua essência mais pura. É uma sonoridade verdadeiramente mágica e original, em que o Renaissance se destaca por evitar a virtuosidade excessiva, fluindo de forma encantadora e surreal.

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Symphonic progressive rock is often associated with iconic names like Yes and Genesis, but few can capture the symphonic essence of the genre as cohesively as Renaissance. Annie Haslam's operatic voice is one of the cornerstones of this musical expression, reaching its full potential in Scheherazade & Other Stories.

Renaissance, known for its focus on piano and intricate vocals, offers a softer approach compared to other progressive bands of the 70s. If Genesis, Yes, or Emerson, Lake & Palmer are like heavyweights capable of dominating the scene with a single chord, Renaissance is more like a middleweight, winning over listeners with style and elegance.

Scheherazade & Other Stories is a concept album inspired by the tales of One Thousand and One Nights, with its musical foundation anchored in the symphonic suite "Scheherazade" by Russian composer Nikolai Rimsky-Korsakov. For those unfamiliar with the context, the album’s story revolves around Scheherazade, a young woman condemned to become yet another wife of the sultan, who, fearing betrayal, beheads his wives after their wedding night. To avoid her fate, Scheherazade tells the sultan an unfinished story each night, keeping him curious and sparing her life. After a thousand and one nights, the sultan surrenders and makes her his queen.

"Trip to the Fair" opens the album with an impressive introduction of piano, choir, and percussion before revealing Annie Haslam’s magnificent voice. Although it begins with striking power, the music transitions into a gentle melody, creating a dreamy atmosphere with jazz undertones that evoke a sense of journey. While some may consider it a standard track, it serves as a promising start to the album.

"The Vultures Fly High" offers a contrast with a more energetic, rock-driven approach. The track starts and ends with force, presenting a more direct and fast-paced line. The band members demonstrate their ability to create short and impactful songs, leaving a very positive impression. "Ocean Gypsy" is a softer track where Annie's vocals shine once again. Though the song is somewhat predictable, it is well-structured and highlights Renaissance as a complete band, not just a group centered on piano and voice.

The album culminates with "Song of Scheherazade", a monumental piece representing the pinnacle of the band’s work. This 24-minute epic is a true masterpiece, filled with exquisite piano, a solid orchestra, choir, and brilliant performances from the entire band. The Arabian atmosphere is perfectly evoked, and Annie Haslam’s vocals are nothing short of sublime. The music features spectacular changes and sudden, intense bursts, creating an extraordinary beauty. Every musical phrase is expertly woven into an orchestration that elevates the listener's spirit.

Scheherazade & Other Stories is a perfect example of symphonic progressive rock in its purest form. It’s a truly magical and original sound, where Renaissance stands out by avoiding excessive virtuosity, instead flowing in an enchanting and surreal manner.

NOTA: 10/10

Tracks Listing:

1. Trip to the Fair (10:48)
2. The Vultures Fly High (3:07)
3. Ocean Gypsy (7:05)
4. Song of Scheherazade (24:52)

Ouça, "Song of Scheherazade"