Marsbéli Krónikák é um álbum que merece atenção especial dentro do rock progressivo dos anos 80. Apesar da década ser frequentemente vista pelos puristas como menos produtiva para o gênero, Solaris desafia essa visão com um trabalho incrivelmente sólido e criativo. A banda, formada em Budapeste, Hungria, no início dos anos 80, escolheu seu nome inspirado pelo romance de ficção científica Solaris, de Stanisław Lem, uma escolha que reflete o espírito explorador e experimental do grupo.
Um dos aspectos mais marcantes da música do Solaris é sua versatilidade. Enquanto muitas bandas tendem a seguir uma fórmula previsível, o grupo húngaro flui entre diversos estilos musicais com uma coerência impressionante. Eles se mantêm ancorados no rock progressivo sinfônico, mas integram elementos de folk, música eletrônica e espacial, além de toques psicodélicos, criando uma fusão sonora única.
Seu álbum de estreia, Marsbéli Krónikák (ou Crônicas Marcianas), é uma peça conceitual baseada no livro homônimo de Ray Bradbury. Assim como o livro, o álbum explora a chegada do homem a Marte e a subsequente colonização do planeta, temas que a banda traduz em uma jornada musical profunda. O álbum deve ser apreciado como um todo, pois sua continuidade e atmosfera imersiva se perdem se ouvido de maneira fragmentada.
Os músicos desempenham papéis cruciais na construção dessa experiência sonora. Attila Kollár, com sua maestria na flauta e nos sintetizadores, e Róbert Erdész, nos teclados e piano, formam o coração criativo do grupo. Suas contribuições são complementadas pelas guitarras impressionantes de István Cziglán, que adicionam uma profundidade roqueira ao som etéreo e atmosférico da banda.
Embora o álbum tenha suas raízes no rock progressivo sinfônico, ele não se limita a isso. O discoé um exemplo de como a música progressiva pode transcender os limites de gênero, criando algo que é ao mesmo tempo inovador e acessível. Solaris é uma banda que consegue manter uma coesão impressionante em meio à variedade de estilos, o que torna o álbum ainda mais notável.
Ouvir Marsbéli Krónikáké uma experiência enriquecedora, e a banda nos lembra que a criatividade no rock progressivo continuou a prosperar mesmo em uma época em que muitos acreditavam que o gênero havia perdido seu brilho. Oferecendo um álbum cheio de sutilezas e complexidade, a banda cativa tanto os fãs de música sinfônica quanto aqueles que buscam uma viagem sonora única.
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Marsbéli Krónikákis an album that deserves special attention within 1980s progressive rock. Despite the decade often being seen by purists as less productive for the genre, Solaris challenges this view with an incredibly solid and creative work. The band, formed in Budapest, Hungary, in the early '80s, chose its name inspired by the science fiction novel Solaris by Stanisław Lem, a choice that reflects the group's exploratory and experimental spirit.
One of the most striking aspects of Solaris' music is its versatility. While many bands tend to follow a predictable formula, the Hungarian group flows between various musical styles with impressive coherence. They remain rooted in symphonic progressive rock but integrate elements of folk, electronic, and space music, along with psychedelic touches, creating a unique sonic fusion.
Their debut album, Marsbéli Krónikák (or The Martian Chronicles), is a concept piece based on the homonymous book by Ray Bradbury. Like the book, the album explores humanity’s arrival on Mars and the subsequent colonization of the planet, themes that the band translates into a profound musical journey. The album should be appreciated as a whole, as its continuity and immersive atmosphere are lost if listened to in fragments.
The musicians play crucial roles in building this sonic experience. Attila Kollár, with his mastery of the flute and synthesizers, and Róbert Erdész, on keyboards and piano, form the creative heart of the group. Their contributions are complemented by István Cziglán’s impressive guitars, which add a rock depth to the band’s ethereal and atmospheric sound.
Though the album has its roots in symphonic progressive rock, it is not limited to that. The record is an example of how progressive music can transcend genre boundaries, creating something that is both innovative and accessible. Solaris is a band that manages to maintain impressive cohesion amid a variety of styles, which makes the album even more remarkable.
Listening to Marsbéli Krónikákis an enriching experience, and the band reminds us that creativity in progressive rock continued to thrive even in a time when many believed the genre had lost its shine. Offering an album full of subtleties and complexity, the band captivates both fans of symphonic music and those seeking a unique sonic journey.
NOTA: 9/10
Songs / Tracks Listing
1. Marsbéli krónikák I. (The Martian Chronicles I.) (3:34)
2. Marsbéli krónikák II.-III. (The Martian Chronicles II.-III.) (6:32)
3. Marsbéli krónikák IV.-VI. (The Martian Chronicles IV.-VI.) (13:15)
4. M'ars poetica (6:39)
5. Ha felszáll a köd (If the Fog Ascends) (3:58)
6. Apokalipszis (Apocalypse) (3:44)
7. E-moll elõjáték (Prelude in E Minor) (0:29)
8. Legyõzhetetlen (Undefeatable) (2:46)
9. Solaris (4:53)
Soft Machine sempre teve uma habilidade rara de manter seus ouvintes imersos, quase como se algo novo estivesse prestes a acontecer a cada segundo. Após o lançamento do sólido Seven, a banda retornou dois anos depois com uma novidade empolgante: a adição de Allan Holdsworth, um guitarrista que mais tarde construiria uma carreira solo brilhante. Embora a guitarra não seja o primeiro instrumento que se associa ao som clássico da Soft Machine, a presença de Holdsworth aqui muda tudo. Ele não apenas brilha; é o centro das atenções, levando a banda a uma nova direção.
Bundles é essencialmente, um álbum guiado pelas guitarras, onde Holdsworth domina e os outros instrumentos servem quase como pano de fundo para suas linhas criativas. A abertura, “Hazard Profile Part 1,” é um exemplo claro dessa revolução sonora. O riff de guitarra repetitivo e agressivo anuncia uma nova fase da banda. Quando Holdsworth inicia seu solo, somos imediatamente transportados para um universo onde o jazz rock flerta com o progressivo por meio de uma técnica e sensibilidade extraordinárias. O resto da banda acompanha de forma primorosa, criando um cenário luxuoso no qual a guitarra desliza com liberdade.
Já em “Hazard Profile Part 2”, a atmosfera muda. O piano assume o protagonismo com uma melodia delicada e introspectiva, que se entrelaça com o violão de forma sublime. A música flui com uma suavidade que contrasta perfeitamente com a energia da primeira parte. “Hazard Profile Part 3” tem apenas 33 segundos, mas é o suficiente para deixar uma impressão forte, preparando o terreno para a explosão seguinte. “Hazard Profile Part 4” traz uma pegada mais próxima do blues rock, com um riff poderoso e repetitivo. “Hazard Profile Part 5” continua com energia renovada, onde a bateria e o baixo formam uma base sólida, enquanto o sintetizador adiciona um toque original e dinâmico. E mais uma vez, Holdsworth reina, conduzindo a faixa com maestria.
“Gone Sailing” é um breve interlúdio de menos de um minuto, no qual Holdsworth opta por um solo de violão simples, mas cheio de harmonia e beleza. Essa simplicidade serena funciona como uma ponte para “Bundles”, uma faixa que antecipa o futuro estilo do guitarrista. A música traz uma melodia forte, linhas de baixo vigorosas e um trabalho de guitarra que praticamente solta faíscas, proporcionando ao ouvinte aquela sensação de improviso controlado.“Land Of The Bag Snake” se destaca pelo trabalho de guitarra incendiário sobre uma base rítmica intensa. Aqui, Holdsworth nos presenteia com solos melódicos que são verdadeiros deleites auditivos. O baterista John Marshall brilha criando momentos que remetem ao lado mais jazzístico do King Crimson, especialmente à fase com Bill Bruford. “The Man Who Waved At Trains” desacelera o ritmo com uma faixa suave, onde a bateria e os teclados são intricados e o saxofone e oboé criam uma atmosfera relaxante. A transição para “Peff” é natural, e essa faixa serve como um ponto de equilíbrio no álbum, destacando-se pela técnica e pelo crescimento gradual do saxofone, que atinge momentos de distorção impactante.
“Four Gongs Two Drums” é um solo de bateria de John Marshall. Ele consegue manter a faixa concisa e envolvente, evitando que se torne cansativa. Para fechar o disco, “The Floating World” é uma faixa atmosférica, onde a banda cria uma sensação de leveza, quase como se estivéssemos flutuando. É um encerramento inesperado, mas que revela a intenção de Karl Jenkins de deixar sua marca como líder da banda. A flauta de Ray Warleigh contribui para essa textura etérea, criando um final contemplativo, embora um pouco longo para um álbum tão enérgico.
No fim, Bundles é um álbum poderoso e com uma produção orgânica que casa perfeitamente com a música. Embora não tenha o mesmo impacto inovador ou icônico dos primeiros discos da Soft Machine, ele se destaca como um excelente trabalho de jazz rock que está repleto de momentos empolgantes. É um disco mais indicado para fãs de fusion do que para os puristas da cena Canterbury, mas ainda assim, um marco interessante na carreira da banda.
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Soft Machine has always had a rare ability to keep its listeners immersed, almost as if something new is about to happen at any given second. After releasing the solid Seven, the band returned two years later with an exciting new addition: Allan Holdsworth, a guitarist who would later build a brilliant solo career. Although the guitar is not the first instrument that comes to mind when thinking of Soft Machine's classic sound, Holdsworth’s presence here changes everything. He doesn’t just shine; he takes center stage, leading the band in a new direction.
Bundles is essentially a guitar-driven album, where Holdsworth dominates, and the other instruments almost act as a backdrop for his creative lines. The opening track, “Hazard Profile Part 1,” is a clear example of this sonic revolution. The aggressive, repetitive guitar riff announces a new phase for the band. As soon as Holdsworth begins his solo, we are instantly transported to a universe where jazz rock flirts with progressive through extraordinary technique and sensitivity. The rest of the band accompanies him flawlessly, creating a luxurious backdrop in which the guitar glides freely.
In “Hazard Profile Part 2,” the atmosphere changes. The piano takes the lead with a delicate and introspective melody, beautifully intertwined with the acoustic guitar. The music flows smoothly, perfectly contrasting the energy of the first part. “Hazard Profile Part 3” is only 33 seconds long, but it’s enough to leave a strong impression, setting the stage for the next explosion. “Hazard Profile Part 4” brings a blues rock feel, with a powerful and repetitive riff. “Hazard Profile Part 5” continues with renewed energy, where the drums and bass form a solid foundation, while the synthesizer adds an original and dynamic touch. Once again, Holdsworth reigns, guiding the track with mastery.
“Gone Sailing” is a brief interlude of less than a minute, where Holdsworth opts for a simple acoustic guitar solo, full of harmony and beauty. This serene simplicity works as a bridge to “Bundles,” a track that anticipates the guitarist's future style. The song delivers a strong melody, vigorous bass lines, and guitar work that practically sparks, providing the listener with that sense of controlled improvisation. “Land of the Bag Snake” stands out for its fiery guitar work over an intense rhythmic foundation. Here, Holdsworth delights us with melodic solos that are true auditory treats. Drummer John Marshall shines, creating moments reminiscent of King Crimson's jazzier side, especially the Bill Bruford era. “The Man Who Waved At Trains” slows the pace with a gentle track, where the drums and keyboards are intricate, and the saxophone and oboe create a relaxing atmosphere. The transition to “Peff” feels natural, and this track serves as a balance point in the album, highlighted by the technique and gradual buildup of the saxophone, which reaches moments of striking distortion.
“Four Gongs Two Drums” is a drum solo by John Marshall. He manages to keep the track concise and engaging, avoiding any sense of fatigue. To close the album, “The Floating World”is an atmospheric piece, where the band creates a sense of lightness, almost as if we’re floating. It’s an unexpected ending but reveals Karl Jenkins’ intention to leave his mark as the band’s leader. Ray Warleigh’s flute contributes to this ethereal texture, crafting a contemplative conclusion, though perhaps a bit long for such an energetic album.
In the end, Bundles is a powerful album with an organic production that perfectly matches the music. While it may not have the same innovative or iconic impact as Soft Machine’s earlier records, it stands out as an excellent jazz rock work full of exciting moments. It's an album more suited for fusion fans than Canterbury scene purists, but nonetheless, an interesting milestone in the band’s career.
NOTA: 9/10
Tracks Listing
1. Hazard Profile, Part 1 (9:18)
2. Hazard Profile, Part 2 (2:21)
3. Hazard Profile, Part 3 (1:05)
4. Hazard Profile, Part 4 (0:46)
5. Hazard Profile, Part 5 (5:29)
6. Gone Sailing (0:59)
7. Bundles (3:14)
8. Land of the Bag Snake (3:35)
9. The Man Who Waved at Trains (1:50)
10. Peff (1:57)
11. Four Gongs Two Drums (4:09)
12. The Floating World (7:12)
A primeira vez que ouvi The Masquerade Overture, não consegui conter a empolgação. Com guitarras de qualidade e teclados sinfônicos, o Pendragon mostra um domínio absoluto de sua música. O equilíbrio entre complexidade e beleza é nítido; aqui, nada é excessivo ou exibicionista, tudo flui com uma naturalidade que revela o talento de músicos maduros e conscientes de sua direção.
A faixa-título, “The Masquerade Overture”, abre o álbum de maneira majestosa, criando uma atmosfera sinfônica com a ajuda de Clive Nolan e seus teclados emocionantes. O coral cantado em italiano, ao fundo, nos transporta diretamente para um ambiente renascentista, como se estivéssemos em uma catedral ouvindo um cântico antigo. É uma excelente introdução que já define o tom emocional do disco. “As Good As Gold” começa de forma suave, com piano e vocais em perfeita harmonia. Mas logo explode em energia, com uma bateria forte, sintetizadores criativos e um solo de guitarra eletrizante. A influência de Genesis é notável, especialmente na forma como a música cresce e se desenvolve. O refrão é emocionante, tornando esta uma das faixas mais memoráveis do álbum.
“Paintbox” continua essa jornada emocional começando com uma atmosfera introspectiva e solene, lembrando “Entangled” do Genesis. A narrativa implícita de um jovem em busca de um futuro melhor é embalada por guitarras e teclados que complementam perfeitamente o clima. A banda cria uma experiência sonora envolvente, com uma base rítmica sólida que intensifica ainda mais a música. “The Pursuit Of Excellence” traz uma mudança de tom com sua curta duração e sensação folk, remetendo ao lado mais celta do progressivo. A história de um imigrante cheio de esperança em busca de oportunidades nos EUA é tocante, e a música, com seu tom melancólico, acrescenta uma pausa reflexiva ao álbum.
“Guardian of my Soul” é uma peça que começa com uma bateria tribal que logo se transforma em uma paisagem sonora de rock sinfônico. A banda exibe sua habilidade em transições dinâmicas e complexas, enquanto os teclados de Nolan constroem a base para o desfile dos demais instrumentos. Com uma guitarra belíssima e toques de Pink Floyd, essa música evolui de uma maneira impressionante, carregando o mito de Ícaro em sua narrativa e movendo-se de um começo sombrio para um desenvolvimento mais otimista. “The Shadow” é um exemplo perfeito de como o Pendragon combina emoção com técnica. O piano inicial, as cordas de Nolan e o violão que entra em seguida criam uma balada rica em detalhes e cheia de transições suaves. Os solos de guitarra, acompanhados pelos vocais harmoniosos e pelo coral de Tracy Hitchings, trazem uma emoção palpável, especialmente no final da faixa, com uma conclusão exuberante e arrebatadora.
O álbum encerra com “Masters Of Illusion”, que começa de maneira um tanto simples, com um refrão que lembra o pop dos anos 80. No entanto, a música logo se transforma, e conforme avança, revela uma experiência inesquecível. O solo de guitarra final, é sem dúvida, um dos mais belos já produzidos por uma banda de neo-progressivo, com uma clara influência de Pink Floyd, mas também carregando a assinatura única do Pendragon. O coral que se junta à melodia torna o final épico.
The Masquerade Overture pode não ser uma obra-prima universal, mas sem dúvida é um dos discos mais representativos e belos da carreira do Pendragon. Com sua simplicidade e emoção, o álbum continua a crescer com o tempo, mostrando que mesmo sem pretensões gigantescas, a banda criou algo que se mantém atemporal e emocionante para os fãs de rock progressivo.
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The first time I heard The Masquerade Overture, I couldn't contain my excitement. With high-quality guitars and symphonic keyboards, Pendragon demonstrates absolute mastery of their music. The balance between complexity and beauty is clear; nothing here is excessive or showy, everything flows with a naturalness that reveals the talent of mature musicians, fully aware of their direction.
The title track, "The Masquerade Overture," opens the album in a majestic way, creating a symphonic atmosphere with the help of Clive Nolan's emotional keyboards. The choir, sung in Italian in the background, transports us directly to a Renaissance setting, as if we were in a cathedral listening to an ancient chant. It’s an excellent introduction that already sets the emotional tone of the album. "As Good As Gold" starts softly, with piano and vocals in perfect harmony. But it soon bursts with energy, featuring strong drums, creative synthesizers, and an electrifying guitar solo. The influence of Genesis is noticeable, especially in how the song grows and develops. The chorus is moving, making this one of the most memorable tracks on the album.
"Paintbox" continues this emotional journey, beginning with an introspective and solemn atmosphere, reminiscent of Genesis's "Entangled." The implicit narrative of a young person searching for a better future is enveloped by guitars and keyboards that perfectly complement the mood. The band creates an immersive sound experience, with a solid rhythmic foundation that further intensifies the music. "The Pursuit of Excellence" brings a tonal shift with its short duration and folk-like feel, evoking the Celtic side of progressive rock. The story of an immigrant filled with hope in search of opportunities in the U.S. is touching, and the song’s melancholic tone adds a reflective pause to the album.
"Guardian of My Soul" is a piece that starts with tribal drums, soon transforming into a symphonic rock soundscape. The band showcases their skill in dynamic, complex transitions, while Nolan's keyboards lay the foundation for the rest of the instruments to shine. With a beautiful guitar and touches of Pink Floyd, this song evolves impressively, carrying the myth of Icarus in its narrative and moving from a dark beginning to a more optimistic development. "The Shadow" is a perfect example of how Pendragon combines emotion with technique. The initial piano, Nolan's strings, and the acoustic guitar that follows create a ballad rich in detail and full of smooth transitions. The guitar solos, accompanied by harmonious vocals and Tracy Hitchings' choir, bring palpable emotion, especially at the track's end, with an exuberant and breathtaking conclusion.
The album closes with "Masters of Illusion," which begins somewhat simply, with a chorus reminiscent of '80s pop. However, the song quickly transforms, and as it progresses, it reveals an unforgettable experience. The final guitar solo is undoubtedly one of the most beautiful ever produced by a neo-progressive band, with a clear Pink Floyd influence, but also carrying Pendragon's unique signature. The choir that joins the melody makes for an epic finale.
The Masquerade Overture may not be a universal masterpiece, but it is undoubtedly one of the most representative and beautiful albums of Pendragon's career. With its simplicity and emotion, the album continues to grow over time, showing that even without grand pretensions, the band created something that remains timeless and moving for progressive rock fans.
NOTA: 9/10
Tracks Listing
1. The Masquerade Overture (3:03)
2. As Good As Gold (7:15)
3. Paintbox (8:39)
4. The Pursuit Of Excellence (2:37)
5. Guardian Of My Soul (12:41)
6. The Shadow (9:55)
7. Masters Of Illusion (12:51)
Merecidamente reconhecido como um verdadeiro mestre da melodia, David Gilmour pode ser facilmente considerado uma espécie de paradoxo de si mesmo, sendo um virtuoso que navega perfeitamente entre o sutil e o grandioso. O guitarrista é amplamente aclamado por meio de um estilo que o torna um verdadeiro arquiteto das mais belas catedrais sônicas, além de existir dentro de uma dualidade onde o simples se torna grandioso e o grandioso se desmancha em simplicidade.
Aos 78 anos, David Gilmour continua provando que sua genialidade não está necessariamente ligada à virtuosidade técnica, mas sim, à sua habilidade em criar composições que tocam profundamente a alma de quem as ouve, onde cada nota e acorde são cuidadosamente escolhidos para criar uma experiência intensa e envolvente, com cada detalhe, por menor que seja, contribuindo para criar uma atmosfera imersiva, capaz de transportar quem se deixar levar por sua música, para um lugar de introspecção e conexão emocional.
Luck and Strange, 5º disco de estúdio do músico, dentro de uma musicalidade delicada e característica, oferece um trabalho lírico que ajuda refletir sobre o que constitui uma experiência genuína em um mundo saturado de superficialidade, sobre a durabilidade das conexões interpessoais, sobre encontrar significado diante da mortalidade inevitável e da incerteza que permeia a existência humana entre outros, sempre dentro de uma exploração poética e multifacetada desses temas, oferecendo momentos de reflexão profunda e introspectiva. Novamente, quase todo as letras foram escritas por Polly Samson, esposa de Gilmour.
"Black Cat", uma faixa instrumental de cerca de um minuto e meio, abre o álbum estabelecendo de imediato o clima característico da música de David. Com sua atmosfera introspectiva e arranjos sutis, a peça oferece uma pequena amostra do estilo sofisticado e inconfundível do guitarrista. "Luck and Strange", o blues nunca foi um gosto oculto de David Gilmour, e faixas como essa evidenciam isso. Com apoio das teclas de Richard Wright, é muito bem construída por meio de várias “brincadeiras” de guitarra, enquanto entrega algumas reflexões sobre o tempo.
"The Piper's Call" é uma composição que Gilmour criou originalmente em um ukulele, dando à peça uma origem curiosa. Começa de forma acústica e suave, com acordes delicados que estabelecem uma sensação íntima, mas logo se transforma, crescendo de maneira gradual até culminar em um solo carregado de intensidade emocional. Novamente, é possível sentir uma atmosfera de blues. Uma música que atenta aos perigos que é o de cair nas promessas vazias de soluções rápidas
"A Single Spark" apresenta uma atmosfera mais melancólica em comparação com as faixas anteriores, mas essa tonalidade sombria encaixa-se perfeitamente com a temática lírica, que reflete sobre a fragilidade e a efemeridade da vida. Mais uma vez, um solo de guitarra brilhantemente executado se destaca, adicionando camadas de profundidade e realçando extremamente bem com o seu tom reflexivo.
"Vita Brevis" é um breve interlúdio atmosférico que funciona como uma ponte delicada para a faixa seguinte. "Between Two Points" traz uma colaboração familiar, com Romany Gilmour nos vocais e harpa, enquanto Gabriel Gilmour, seu irmão, contribui com o vocal de apoio. A voz suave e etérea de Romany, combinada com a atmosfera celestial da música, preserva a aura contemplativa da versão original dos The Montgolfier Brothers. No entanto, a inclusão da guitarra melódica e inconfundível de Gilmour adiciona uma nova camada emocional, enriquecendo a interpretação com sua marca clássica.
"Dark and Velvet Nights" apresenta uma letra adaptada de um poema que Polly Samson escreveu para Gilmour em um de seus aniversários de casamento. Liricamente, a canção explora a busca por um refúgio seguro na intimidade compartilhada, refletindo sobre como símbolos externos, como uma simples aliança, são frágeis e incapazes de capturar plenamente a profundidade de uma conexão verdadeira. Musicalmente, a faixa se destaca por sua sonoridade mais robusta e densa, contrastando com a delicadeza da mensagem, mas reforçando o peso emocional do tema.
"Signs" conduz o álbum de volta a uma sonoridade suave e serena, proporcionando um momento de tranquilidade após uma faixa muito mais intensa. A música é construída com arranjos delicados e envolventes, criando uma atmosfera de paz e contemplação que permeia toda a composição, enquanto é feita uma bonita reflexão sobre o amor, a perda e a luta para manter algo tão genuíno em um mundo cada vez mais caótico.
"Scattered" é a faixa do álbum que mais se assemelha ao som do Pink Floyd. Com belos arranjos de piano e orquestrações cuidadosas, a canção é enriquecida por um Gilmour em plena forma, tanto no violão quanto na guitarra. Na parte final, ele entrega um solo intenso, pesado e cheio de fervor. Liricamente, simbolismos abordam a luta humana contra a passagem inevitável do tempo, refletindo sobre a impotência diante desse processo cabal e incontrolável.
"Yes, I Have Ghosts", lançada originalmente em 2020, entrou no disco como uma das duas faixas bônus. Tem a participação de Romany na harpa e vocais de apoio que casam perfeitamente com a voz de David. É marcada por um violão de timbre sofisticado e que adiciona um sutil toque folk, além de acentuar a profundidade emocional da música que fala sobre como o peso das experiências e relacionamentos passados pode persistir, moldando e assombrando nossas vidas atuais de maneira persistente.
"Lucky and Strange (Original Barn Jam)", a outra faixa bônus do álbum, tem uma duração de quatorze minutos, e como o título sugere, é uma jam improvisada da faixa título do disco. Gravada originalmente em 2007, a faixa conta com a participação de Richard Wright, trazendo novamente um toque nostálgico ao som. Embora a influência do blues seja evidente, a execução da faixa possui uma sonoridade que se inclina mais para um jazz moderno cheio de leveza. Enquanto é mostrado toda a habilidade dos músicos em criar um ambiente sonoro sofisticado e envolvente.
Em Luck and Strange, David Gilmour demonstra um equilíbrio sutil e sofisticado, que serve como um reflexo profundo de sua habilidade musical refinada e sua vasta experiência como artista. Cada faixa é uma prova da profunda destreza de Gilmour em combinar texturas sonoras complexas com uma sensibilidade melódica única. Do começo ao fim, o álbum revela uma maturidade musical impressionante, com arranjos muito bem elaborados e uma execução impecável.
Quando David afirmou que Luck and Strange é o seu melhor trabalho desde Dark Side of the Moon, é provável que ele estivesse considerando fatores além dos puramente musicais, incluindo aspectos pessoais e contextuais que influenciam sua visão artística. No entanto, se a questão for exclusivamente na dimensão musical, minha avaliação diverge dessa declaração. Porém, Luck and Strange destaca-se por seu brilho e profundidade, mas não apenas por isso, ele possui uma qualidade especial que ressoa com a sofisticação e o talento de Gilmour. Isso faz com que a partir de agora, eu o enxergue como seu melhor disco solo.
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Deservedly recognized as a true master of melody, David Gilmour can easily be considered a kind of paradox unto himself, being a virtuoso who navigates perfectly between the subtle and the grand. The guitarist is widely acclaimed for a style that makes him a true architect of the most beautiful sonic cathedrals, existing within a duality where the simple becomes grand, and the grand dissolves into simplicity.
At 78, David Gilmour continues to prove that his genius is not necessarily tied to technical virtuosity but rather to his ability to create compositions that deeply touch the soul of those who listen to them. Every note and chord are carefully chosen to create an intense and immersive experience, with every detail, no matter how small, contributing to an atmosphere capable of transporting the listener to a place of introspection and emotional connection.
Luck and Strange, Gilmour's fifth studio album, within a delicate and characteristic musicality, offers lyrical work that reflects on what constitutes a genuine experience in a world saturated with superficiality, on the durability of interpersonal connections, on finding meaning in the face of inevitable mortality and the uncertainty that permeates human existence, among other themes. These are always explored poetically and multifacetedly, offering moments of deep and introspective reflection. Once again, nearly all the lyrics were written by Polly Samson, Gilmour's wife.
"Black Cat," a brief instrumental track of about a minute and a half, opens the album, immediately establishing the characteristic mood of Gilmour's music. With its introspective atmosphere and subtle arrangements, the piece offers a small taste of the guitarist's sophisticated and unmistakable style. "Luck and Strange," blues has never been a hidden taste of David Gilmour, and tracks like this make that clear. With Richard Wright's keys providing support, the song is masterfully built through various guitar “playfulness,” while delivering some reflections on time.
"The Piper's Call" is a composition Gilmour originally created on a ukulele, giving the piece a curious origin. It begins acoustically and gently, with delicate chords establishing an intimate feel, but soon transforms, gradually growing until culminating in a solo full of emotional intensity. Once again, a blues atmosphere is felt, warning against the dangers of falling for empty promises of quick solutions.
"A Single Spark" presents a more melancholic atmosphere compared to the previous tracks, but this darker tone fits perfectly with the lyrical theme, reflecting on the fragility and ephemerality of life. Once again, a brilliantly executed guitar solo stands out, adding layers of depth and enhancing the song's reflective tone beautifully.
"Vita Brevis" is a brief atmospheric interlude that serves as a delicate bridge to the next track. "Between Two Points" features a familiar collaboration, with Romany Gilmour on vocals and harp, while her brother Gabriel Gilmour contributes backing vocals. Romany's soft, ethereal voice, combined with the celestial atmosphere of the music, preserves the contemplative aura of the original version by The Montgolfier Brothers. However, the inclusion of Gilmour's melodic and unmistakable guitar adds a new emotional layer, enriching the interpretation with his classic touch.
"Dark and Velvet Nights" features lyrics adapted from a poem Polly Samson wrote for Gilmour on one of their wedding anniversaries. Lyrically, the song explores the search for a safe refuge in shared intimacy, reflecting on how external symbols, like a simple wedding ring, are fragile and incapable of fully capturing the depth of a true connection. Musically, the track stands out for its more robust and dense sound, contrasting with the delicacy of the message while reinforcing the emotional weight of the theme.
"Signs" brings the album back to a soft, serene sound, providing a moment of tranquility after a much more intense track. The song is built with delicate and enveloping arrangements, creating an atmosphere of peace and contemplation that permeates the entire composition, while offering a beautiful reflection on love, loss, and the struggle to maintain something so genuine in an increasingly chaotic world.
"Scattered" is the track on the album that most resembles the sound of Pink Floyd. With beautiful piano arrangements and careful orchestrations, the song is enriched by a Gilmour in top form, both on acoustic guitar and electric. In the final part, he delivers an intense, heavy, and fervent solo. Lyrically, symbols address the human struggle against the inevitable passage of time, reflecting on the powerlessness in the face of this inevitable and uncontrollable process.
"Yes, I Have Ghosts," originally released in 2020, made its way into the album as one of the two bonus tracks. It features Romany on harp and backing vocals that perfectly complement David's voice. It's marked by a sophisticated guitar tone, adding a subtle folk touch and accentuating the emotional depth of the song, which speaks about how the weight of past experiences and relationships can persist, shaping and haunting our current lives in a lasting way.
"Lucky and Strange (Original Barn Jam)," the other bonus track, runs for fourteen minutes, and as the title suggests, it's an improvised jam of the album's title track. Originally recorded in 2007, the track features Richard Wright, bringing once again a nostalgic touch to the sound. Although the influence of blues is evident, the execution of the track leans more toward a modern jazz filled with lightness, showcasing the musicians' ability to create a sophisticated and engaging sonic environment.
In Luck and Strange, David Gilmour demonstrates a subtle and sophisticated balance that serves as a profound reflection of his refined musical ability and vast experience as an artist. Each track is a testament to Gilmour's profound skill in combining complex sonic textures with a unique melodic sensibility. From start to finish, the album reveals impressive musical maturity, with meticulously crafted arrangements and flawless execution.
When David claimed that Luck and Strange is his best work since Dark Side of the Moon, he was likely considering factors beyond purely musical ones, including personal and contextual aspects that influence his artistic vision. However, if we are talking solely on the musical dimension, my evaluation diverges from that statement. Nevertheless, Luck and Strangestands out for its brilliance and depth, but not just for that—it possesses a special quality that resonates with Gilmour's sophistication and talent. This leads me to now see it as his best solo album.
NOTA: 9/10
Tracks Linting
1. Black Cat (1:32)
2. Luck and Strange (6:57)
3. The Piper's Call (5:15)
4. A Single Spark (6:04)
5. Vita Brevis (0:46)
6. Between Two Points (5:47)
7. Dark and Velvet Nights (4:45)
8. Sings (5:14)
9. Scattered (7:34)
10. Yes, I Have Ghosts (3:50)
11. Luck and Strange (original barn jam) (14:00)
A banda O Terço, ao longo de seus dois primeiros álbuns, explorou um rock mais direto, com algumas influências progressivas que se destacaram, especialmente em O Terço II. No entanto, foi com Criaturas da Noite que o grupo deu um salto notável, criando aquele que é considerado não apenas um dos álbuns mais importantes do rock progressivo sinfônico do Brasil mas de toda a América do Sul. A entrada de Flávio Venturini como tecladista fixo parece ter sido o catalisador para esse refinamento musical, elevando o som da banda a um novo patamar. Venturini não só colaborou na composição de três faixas, incluindo a faixa-título, como também criou sozinho a icônica "1974", que viria a se tornar um dos maiores clássicos do grupo.
O disco abre com "Hey Amigo", uma faixa que se inicia com um baixo marcante que é logo complementado por bateria e órgão, até culminar em um excelente trabalho de guitarra. Este é um rock and roll enérgico e dançante, coroado com um ótimo solo de guitarra no final, estabelecendo um início direto e impactante."Queimada" revela o lado mais folk da banda pela primeira vez. As harmonias vocais são deslumbrantes, uma complementando a outra com perfeição. A simplicidade instrumental, focada em violas e violão é enriquecida por uma percussão suave na parte final, mostrando a beleza e a maestria dos músicos.
"Pano de Fundo" começa com uma atmosfera que remete ao som mais sombrio do Black Sabbath, mas os vocais trazem um toque de leveza, transformando a música em algo mais alegre. O solo final de guitarra, claramente influenciado por Santana, é uma maravilha à parte, repleta de ritmo e energia."Ponto Final" é uma composição belíssima e que se inicia com uma delicada estrutura de piano, acompanhada por um coral sutil. Os sintetizadores adicionam uma camada perfeita, enquanto baixo e bateria fornecem uma base sólida e confortável. A guitarra distorcida acrescenta um brilho extra à música, e o piano, com sua emotividade, lembra a sofisticação da escola progressiva italiana.
"Volte na Próxima Semana" é a faixa mais pesada do disco, um rock and roll puro, com riffs de guitarra poderosos, solos marcantes, linhas de baixo intensas, bateria avassaladora e um órgão impactante. Os vocais, cheios de vigor, completam essa faixa feita para ser ouvida no volume máximo. "Criaturas da Noite" destaca-se por seu vocal ao piano, interpretado por Venturini e enriquecido pela orquestração magistral de Rogério Duprat. Esta é uma canção simples, mas profundamente bela, daquelas que tocam o coração pela sua carga emocional intensa. "Jogo das Pedras" é outra faixa prazerosa de se ouvir, com uma melodia inicial cativante que inspira a vontade de tocá-la ao violão. Os vocais, novamente bem estruturados, refletem sobre as incertezas da vida, enquanto Sérgio Hinds entrega mais um solo de guitarra excepcional, um dos melhores de sua carreira.
Finalmente, "1974" se destaca como a faixa mais progressiva do álbum. Começando com um piano delicado e emocional, a música se estende por mais de doze minutos de puro rock progressivo sinfônico instrumental, apenas com algumas vocalizações. Cada passagem, seja mais serena ou mais intensa, é executada com uma delicadeza impressionante. Bateria e baixo constroem uma base sólida, enquanto guitarra e teclado pintam o som com cores vibrantes, resultando em uma verdadeira obra-prima atemporal. É difícil mensurar a popularidade dessa faixa fora do Brasil, mas qualquer amante do rock progressivo clássico deve ouvir esta peça pelo menos uma vez.
Ao final, Criaturas da Noite deixa no ouvinte uma mescla de alegria e melancolia. Embora o álbum não esteja completamente isento de falhas, estas são insignificantes diante do marco que ele representa na história do rock progressivo brasileiro.
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The band O Terço, throughout their first two albums, explored a more straightforward rock sound with some progressive influences that particularly stood out in O Terço II. However, it was with Criaturas da Noite that the group made a remarkable leap, creating what is considered not only one of the most important albums in Brazilian symphonic progressive rock but in all of South America. The addition of Flávio Venturini as a permanent keyboardist seems to have been the catalyst for this musical refinement, elevating the band's sound to a new level. Venturini not only contributed to the composition of three tracks, including the title track, but also created the iconic "1974" on his own, which would become one of the group's greatest classics.
The album opens with "Hey Amigo," a track that begins with a prominent bass line that is soon complemented by drums and organ, eventually culminating in excellent guitar work. This is an energetic and danceable rock and roll track, crowned with a great guitar solo at the end, establishing a direct and impactful start. "Queimada" reveals the band's more folk side for the first time. The vocal harmonies are stunning, perfectly complementing each other. The instrumental simplicity, focused on acoustic guitars, is enriched by a soft percussion in the final part, showcasing the musicians' beauty and mastery.
"Pano de Fundo" begins with an atmosphere reminiscent of Black Sabbath's darker sound, but the vocals bring a touch of lightness, transforming the song into something more joyful. The final guitar solo, clearly influenced by Santana, is a marvel in itself, full of rhythm and energy. "Ponto Final" is a beautiful composition that begins with a delicate piano structure, accompanied by subtle choral vocals. The synthesizers add a perfect layer, while bass and drums provide a solid and comfortable foundation. The distorted guitar adds an extra sparkle to the song, and the piano, with its emotionality, recalls the sophistication of the Italian progressive school.
"Volte na Próxima Semana" is the heaviest track on the album, a pure rock and roll, with powerful guitar riffs, striking solos, intense bass lines, overwhelming drums, and a commanding organ. The vocals, full of vigor, complete this track, which is made to be heard at maximum volume. "Criaturas da Noite" stands out for its piano-driven vocal, performed by Venturini and enriched by Rogério Duprat's masterful orchestration. This is a simple yet profoundly beautiful song, one that touches the heart with its intense emotional weight. "Jogo das Pedras" is another enjoyable track, with a captivating initial melody that inspires the desire to play it on the guitar. The well-structured vocals reflect on life's uncertainties, while Sérgio Hinds delivers yet another exceptional guitar solo, one of the best of his career.
Finally, "1974" stands out as the most progressive track on the album. Beginning with a delicate and emotional piano, the song extends over twelve minutes of pure instrumental symphonic progressive rock, with only a few vocalizations. Every passage, whether serene or intense, is executed with impressive delicacy. Drums and bass build a solid foundation, while guitar and keyboard paint the sound with vibrant colors, resulting in a true timeless masterpiece. It is difficult to gauge the popularity of this track outside Brazil, but any lover of classic progressive rock should listen to this piece at least once.
In the end,Criaturas da Noite leaves the listener with a mix of joy and melancholy. Although the album is not entirely free of flaws, these are insignificant in light of the milestone it represents in the history of Brazilian progressive rock.
NOTA: 9/10
Tracks Linting
1. Hey amigo (3:22) 2. Queimada (3:04) 3. Pano de fundo (3:44) 4. Ponto final (4:38) 5. Volte na proxima semana (2:51) 6. Criaturas da noite (3:41) 7. Jogo das pedras (3:25) 8. 1974 (12:27)
Rick Miller é um nome que apesar de sua longevidade e consistência na cena do rock progressivo, pode não ser imediatamente reconhecido entre os gigantes dos anos 70, como Yes,Genesis, e King Crimson. No entanto, seu trabalho fortemente influenciado por esses mestres reflete uma dedicação profunda às raízes do gênero, ao mesmo tempo em que explora territórios sonoros próprios. O estilo de Miller é marcado por uma atenção aos detalhes e pelo uso de uma ampla gama de texturas musicais. Ele é particularmente conhecido por sua habilidade nos teclados e na guitarra, criando camadas sonoras atmosféricas que combinadas com solos de guitarra carregados de emoção e que resultam em composições expansivas e ricas.
Iniciando sua carreira discográfica em 1984, Miller chegou ao seu 18º álbum com One of the Many, uma obra que se destaca como uma das mais ambiciosas de sua carreira. Nesse álbum, Miller oferece uma musicalidade refinada e apaixonada, mantendo suas influências claras, especialmente de Pink Floyd e Moody Blues, enquanto explora novas direções e mantém um compromisso firme com a integridade artística. O álbum convida o ouvinte a uma jornada por paisagens sonoras complexas e texturizadas. Com certeza, um bom par de fones de ouvido é essencial para apreciar toda a riqueza que One of the Many tem a oferecer.
O álbum começa com "Atrophy," uma faixa que desliza suavemente em um mundo onde tempo e emoções se entrelaçam em uma dança mágica. Não é apenas uma composição; é uma jornada transcendental que combina melodia e narrativa de maneira magistral, enquanto Miller explora a perspectiva de alguém lutando com a perda de memória, criando uma atmosfera que é ao mesmo tempo evocativa e introspectiva."Time Goes On" segue com uma aura de serenidade e introspecção e que é estabelecida desde as primeiras notas de piano. A música se desenvolve com delicadeza, abordando temas de morte e medo com uma fluidez que se reflete na perfeita harmonia entre guitarra e violão, culminando em uma peça grandiosa apesar de sua curta duração.
"The Lost Years" é uma das faixas mais dinâmicas e emocionais do álbum, explorando nostalgia e arrependimento através de uma montanha-russa sonora. As linhas de guitarra,transmitem uma emoção crua que ressoa profundamente, especialmente no final onírico da música, que deixa uma sensação de despedida de algo precioso e irrepetível. Em "She of the Darkness," uma incrível peça instrumental, a flauta lidera com acordes etéreos que evocam serenidade e contemplação. Essa melodia é enriquecida por densas orquestrações, violão, piano, e um breve, mas impactante, ataque de guitarra, criando uma faixa que é ao mesmo tempo grandiosa e majestosa.
A faixa-título "One of the Many" começa evocando o som do Pink Floyd, mas rapidamente se transforma em uma névoa sonora única, com efeitos vocais etéreos e uma temática que aborda os desafios da era digital, ressaltando a importância do discernimento crítico na era da informação. "Perchance to Dream," com seus mais de 13 minutos, é o épico do álbum. É uma odisseia emocional que aborda elementos oníricos e reais, questionando a essência da vida e a percepção da realidade, com paisagens sonoras majestosas que transportam o ouvinte para um tempo de simplicidade e sorrisos fáceis.
"Wonderlust" é uma composição que transborda emoção, misturando beleza e tristeza em uma reflexão sobre a jornada da vida. Cada elemento da música, desde a guitarra incisiva até o coro celestial, tudo trabalha em perfeita harmonia para criar uma experiência auditiva profunda e introspectiva. O álbum encerra com "Another Time," uma faixa acústica que é acompanhada por floreios de violoncelo, oferecendo um desfecho lindamente melancólico, convidando à reflexão pessoal e introspecção sobre a complexidade da vida humana.
Em suma, One of the Manyé um álbum que exemplifica a capacidade de Rick Miller em criar música progressiva rica em detalhes e nuances, recompensando tanto os ouvintes exigentes quanto aqueles que são novos no gênero. As intricadas camadas de instrumentação e os arranjos sofisticados proporcionam uma experiência auditiva envolvente, enquanto as melodias acessíveis e os ganchos memoráveis fazem do álbum uma excelente porta de entrada para o universo sonoro de Miller.
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Rick Miller is a name that, despite his longevity and consistency in the progressive rock scene, might not be immediately recognized among the giants of the 70s, like Yes, Genesis, and King Crimson. However, his work, heavily influenced by these masters, reflects a deep dedication to the genre's roots while also exploring his own sonic territories. Miller’s style is marked by an attention to detail and the use of a wide range of musical textures. He is particularly known for his skill on keyboards and guitar, creating atmospheric soundscapes that, combined with emotionally charged guitar solos, result in expansive and rich compositions.
Starting his recording career in 1984, Miller has reached his 18th album with One of the Many, a work that stands out as one of the most ambitious of his career. In this album, Miller offers refined and passionate musicianship, maintaining clear influences, especially from Pink Floyd and Moody Blues, while exploring new directions and holding a firm commitment to artistic integrity. The album invites the listener on a journey through complex and textured soundscapes. Certainly, a good pair of headphones is essential to appreciate all the richness that One of the Many has to offer.
The album begins with "Atrophy," a track that smoothly glides into a world where time and emotions intertwine in a magical dance. It’s not just a composition; it’s a transcendental journey that masterfully combines melody and narrative as Miller explores the perspective of someone struggling with memory loss, creating an atmosphere that is both evocative and introspective. "Time Goes On" follows with an aura of serenity and introspection established from the first piano notes. The music develops delicately, addressing themes of death and fear with a fluidity reflected in the perfect harmony between guitar and acoustic guitar, culminating in a grand piece despite its short duration.
"The Lost Years" is one of the most dynamic and emotional tracks on the album, exploring nostalgia and regret through a sonic rollercoaster. The guitar lines convey a raw emotion that resonates deeply, especially in the song's dreamy ending, which leaves a sense of farewell to something precious and unrepeatable. In "She of the Darkness," an incredible instrumental piece, the flute leads with ethereal chords that evoke serenity and contemplation. This melody is enriched by dense orchestrations, acoustic guitar, piano, and a brief but impactful guitar burst, creating a track that is both grand and majestic.
The title track, "One of the Many," begins by evoking the sound of Pink Floyd but quickly transforms into a unique sonic mist, with ethereal vocal effects and a theme that addresses the challenges of the digital age, emphasizing the importance of critical discernment in the information era. "Perchance to Dream," with its over 13 minutes, is the epic of the album. It’s an emotional odyssey that addresses dreamlike and real elements, questioning the essence of life and the perception of reality, with majestic soundscapes that transport the listener to a time of simplicity and easy smiles.
"Wonderlust" is a composition overflowing with emotion, mixing beauty and sadness in a reflection on the journey of life. Every element of the song, from the incisive guitar to the celestial choir, works in perfect harmony to create a deep and introspective listening experience. The album closes with "Another Time," an acoustic track accompanied by cello flourishes, offering a beautifully melancholic ending, inviting personal reflection and introspection on the complexity of human life.
In summary, One of the Many is an album that exemplifies Rick Miller’s ability to create progressive rock music rich in details and nuances, rewarding both discerning listeners and those new to the genre. The intricate layers of instrumentation and sophisticated arrangements provide an immersive listening experience, while the accessible melodies and memorable hooks make the album an excellent gateway into Miller’s sonic universe.
NOTA: 9/10
Tracks Listing
1. Atrophy (8:21)
2. Time Goes On (3:52)
3. The Lost Years (8:29)
4. She of the Darkness (3:57)
5. One of the Many (4:54)
6. Perchance to Dream (13:10)
7. Wonderlust (6:15)
8. Another Time (4:36)
Hatfield and the North foi uma banda que apesar de sua curta existência e de ter lançado apenas dois álbuns, deixou um legado excelente no cenário do rock progressivo. The Rotters' Club, segundo disco da banda, não é apenas uma exibição de talentos, mas uma obra cuidadosamente trabalhada e equilibrada, que oferece uma fusão única de sonoridades. Ele combina a ferocidade do fusion, reminiscentes da Soft Machine, com o humor leve e as linhas suaves características do Caravan, tudo permeado pela assinatura musical inconfundível do banda.
O álbum abre com “Share It,” uma faixa agradável e executada com maestria. O destaque aqui é o trabalho de teclado de Dave Stewart que com um solo inspirado evoca de imediato o espírito da cena de Canterbury. Em seguida, “Lounging There Trying” se destaca pela guitarra de Phil Miller. Embora não seja deslumbrante, a guitarra é um elemento essencial na paleta sonora da música, complementada pelos obbligatos de Stewart, que elevam a composição a um novo patamar.As faixas “(Big) John Wayne Socks Psychology On The Jaw” e “Chaos At The Greasy Spoon” atuam como interlúdios intrigantes. A primeira é uma peça agradável, marcada por um trabalho de teclados robusto e bateria intensa. Já a segunda apresenta uma bateria mais técnica, acompanhada por trompa e guitarra fuzz, criando uma atmosfera única.
“The Yes / No Interlude” é uma peça complexa e cativante, onde a guitarra brilha especialmente nos dois primeiros minutos. A faixa apresenta também uma explosão de trompete e uma bateria em blast beat, criando uma sonoridade densa e por vezes desafiadora. Após os cinco minutos, a música assume uma direção jazzística claramente com a influência de Dave Stewart. Este é sem dúvida um dos pontos altos do disco. “Fitter Stoke Has A Bath” traz uma sonoridade suave e bela, com vocais descontraídos e um refrão melódico que cativa instantaneamente. O trabalho de flauta é um verdadeiro deleite, e após uma seção liderada por belas vocalizações, surge um solo de guitarra que acrescenta uma dose de intensidade à música, sem perder sua doçura essencial. A melodia final transporta o ouvinte para um cenário mais sombrio, encerrando a faixa com maestria.
Curiosamente, apesar de ser fã de Jethro Tull, foi “Didn't Matter Anyway” que despertou em mim o desejo de tocar flauta. Embora as letras da banda nunca tenham sido seu ponto mais forte, aqui elas se destacam, com Richard Sinclair entregando uma performance emotiva em uma despedida tocante e que torna a faixa muito especial. “Underdub” é uma peça instrumental envolvente, servindo como um prelúdio perfeito para o épico que fecha o disco. O trabalho uníssono entre flauta e órgão é sublime.
O álbum culmina com “Mumps,” um épico de mais de vinte minutos que exibe a qualidade musical mais alta alcançada pela banda. A faixa começa com belas vocalizações femininas das Northettes, acompanhadas por notas sutis de guitarra e MiniMoog. Aos dois minutos, uma mudança súbita e intensa traz à tona uma guitarra distorcida, piano elétrico, uma linha de baixo vigorosa e uma bateria sólida. Cada elemento desta música é impecável, desde os riffs impactantes até as harmonias complexas que exigem múltiplas audições para serem plenamente compreendidas. As letras, conhecidas como “Alphabet Song,” podem parecer enigmáticas, mas sua integração na melodia é feita de forma harmoniosa, conferindo à faixa um corpo sonoro bem delineado. As Northettes marcam transições cruciais, criando momentos de transformação musical ao longo da peça. Além de solos de guitarra e teclado excepcionais, há um solo de saxofone por volta dos treze minutos e quarenta, que é acompanhado por uma guitarra ao fundo magistral. Um dos pontos altos da faixa é o riff que surge nos minutos finais. Mumpsé um épico monumental, quase inteiramente instrumental e que merece estar entre os grandes épicos da história do rock progressivo.
Assim como em seu álbum de estreia, em The Rotters' Club o Hatfield and the North produziu uma obra que talvez não conquiste imediatamente, mas que sem dúvida, se revela como um dos melhores discos que a cena progressiva de Canterbury tem a oferecer.
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Hatfield and the North was a band that, despite its short existence and having released only two albums, left an excellent legacy in the progressive rock scene. The Rotters' Club, the band's second album, is not just a showcase of talent but a carefully crafted and balanced work that offers a unique fusion of sounds. It combines the ferocity of fusion, reminiscent of Soft Machine, with the light humor and smooth lines characteristic of Caravan, all permeated by the band's unmistakable musical signature.
The album opens with “Share It,” a pleasant and expertly executed track. The highlight here is Dave Stewart's keyboard work, with an inspired solo that immediately evokes the spirit of the Canterbury scene. Next, “Lounging There Trying” stands out due to Phil Miller's guitar. Though not dazzling, the guitar is an essential element in the music’s sonic palette, complemented by Stewart's obbligatos, which elevate the composition to a new level. The tracks “(Big) John Wayne Socks Psychology On The Jaw” and “Chaos At The Greasy Spoon” serve as intriguing interludes. The former is a pleasant piece, marked by robust keyboard work and intense drumming. The latter features more technical drumming, accompanied by horn and fuzz guitar, creating a unique atmosphere.
“The Yes / No Interlude” is a complex and captivating piece, where the guitar shines especially in the first two minutes. The track also features a burst of trumpet and blast beat drumming, creating a dense and at times challenging sound. After five minutes, the music takes on a jazz direction, clearly influenced by Dave Stewart. This is undoubtedly one of the album's highlights. “Fitter Stoke Has A Bath” brings a smooth and beautiful sound, with laid-back vocals and a melodic chorus that instantly captivates. The flute work is truly delightful, and after a section led by beautiful vocalizations, a guitar solo adds a dose of intensity to the music, without losing its essential sweetness. The final melody transports the listener to a darker scenario, closing the track masterfully.
Curiously, despite being a Jethro Tull fan, it was “Didn't Matter Anyway” that sparked my desire to play the flute. Although the band's lyrics were never their strongest point, here they stand out, with Richard Sinclair delivering an emotional performance in a touching farewell that makes the track very special. “Underdub” is an engaging instrumental piece, serving as the perfect prelude to the epic that closes the album. The unison work between flute and organ is sublime.
The album culminates with “Mumps,” an epic over twenty minutes long that showcases the band's highest musical quality. The track begins with beautiful female vocalizations from the Northettes, accompanied by subtle guitar and MiniMoog notes. At two minutes, a sudden and intense change brings out a distorted guitar, electric piano, vigorous bass line, and solid drumming. Every element of this song is impeccable, from the impactful riffs to the complex harmonies that require multiple listens to fully grasp. The lyrics, known as the “Alphabet Song,” may seem enigmatic, but their integration into the melody is done harmoniously, giving the track a well-defined sonic body. The Northettes mark crucial transitions, creating moments of musical transformation throughout the piece. In addition to exceptional guitar and keyboard solos, there’s a saxophone solo around thirteen minutes and forty seconds, accompanied by a masterful guitar in the background. One of the highlights of the track is the riff that emerges in the final minutes. “Mumps” is a monumental epic, almost entirely instrumental, and deserves to be among the great epics in the history of progressive rock.
Just like in their debut album, with The Rotters' Club, Hatfield and the North produced a work that may not win you over immediately but will undoubtedly reveal itself as one of the best albums the Canterbury progressive scene has to offer.
NOTA: 9/10
Tracks Listing
1. Share It (3:02)
2. Lounging There Trying (3:10)
3. (Big) John Wayne Socks Psychology on the Jaw (0:46)
4. Chaos at the Greasy Spoon (0:30)
5. The Yes No Interlude (7:02)
6. Fitter Stoke has a Bath (7:38)
7. Didn't Matter Anyway (3:03)
8. Underdub (3:55)
9. Mumps (20:06)
O cenário do rock progressivo italiano dos anos 70 não é apenas vasto, mas também de um brilho singular. Embora muitas bandas tenham tido a chance de mostrar seu talento em apenas um único disco — as chamadas “one shot bands” — muitas dessas conseguiram aproveitar ao máximo essa oportunidade, criando obras que permanecem atemporais. A Maxophone, com seu álbum homônimo, é um exemplo brilhante desse grupo seleto. Ou melhor, era, pois em 2017 a banda lançou mais um disco, La Fabbrica Delle Nuvole, mas que nem de longe lembra o seu trabalho brilhante de 1975.
Formada em 1972 por seis jovens músicos, Maxophone conseguiu mesclar uma variedade impressionante de estilos de uma forma profundamente única. Sua música é uma explosão de ideias bem executadas, ricas em complexidade e criatividade. Para a composição das letras, a banda contou com a ajuda de amigos, que traduziram em palavras as emoções e conceitos que eles transmitiam através das notas. O resultado é uma mistura cativante de rock sinfônico, música clássica, swing, jazz e música tradicional italiana, tudo isso orquestrado com um banquete instrumental que é um verdadeiro deleite para os fãs do gênero. Entre os instrumentos, destacam-se harpa, trompa, guitarras clássicas, saxofone, flauta, piano, teclados, órgãos, clarinete, trompete, vibrafone, quarteto de cordas, guitarra elétrica, baixo, bateria e percussão.
O álbum começa com "C'È Un Paese Al Mondo", uma faixa que se inicia com suaves e agradáveis linhas de piano, mas que logo se transformam em um ritmo bem cadenciado, sustentado por baixo, bateria e guitarra. A serenidade volta a dominar, preparando o ouvinte para a entrada dos vocais de Alberto Ravasini. As letras evocativas pintam o retrato de um país idealizado, um paraíso de perfeição. O clarinete ganha destaque, seguido pelo trompete, então uma bela guitarra surge antes do retorno dos vocais. Já nessa primeira faixa, a banda revela a complexidade que permeia todo o álbum.
"Fase" é uma peça instrumental onde os membros da banda aproveitam para exibir seus talentos e musicalidade, fundindo de maneira magistral influências do jazz, rock e música clássica. A introdução é mais pesada que a da faixa anterior, com um saxofone vigoroso que se mistura a uma atmosfera sinfônica e progressiva. O vibrafone então emerge de forma delicada e precisa antes que o potente riff de guitarra retorne. Cada instrumento, da trompa à flauta, encontra seu espaço, tudo encaixado com uma precisão impressionantes. "Al Mancato Compleanno Di Una Farfalla" começa com uma introdução lindíssima de guitarra clássica que evoca uma atmosfera romântica. Logo a flauta se junta e os vocais entram de maneira suave. Na segunda parte, a música ganha força com um teclado sinfônico de grande personalidade e que transforma a sonoridade, enquanto os demais instrumentos crescem em intensidade.
"Elzeviro" abre com um órgão e vocais que capturam o desespero de um ataque na rua, uma referência direta aos confrontos políticos que marcaram a Itália dos anos 70. A musicalidade se intensifica, com riffs de guitarra que evocam grandes nomes do rock progressivo. O órgão, por sua vez, se destaca dando corpo à faixa quase inteira. No meio da música o som se torna mais pesado, com um solo excelente de guitarra até suavizar-se novamente com a entrada dos vocais, antes de se elevar mais uma vez, agora com a execução de uma flauta belissimamente.
"Mercanti Di Pazzie" é uma verdadeira joia. A introdução com harpa é retirada da obra "Sonata per arpa", gravada originalmente por Paul Hindemith em 1939. A música evoca uma atmosfera onírica, de paz e serenidade. As letras, embora um tanto enigmáticas, complementam a beleza musical de forma sublime. O álbum se encerra com "Antiche Conclusioni Negre", a faixa mais longa do disco. Ela começa de maneira enérgica, com uma sonoridade alegre que rapidamente se alterna entre momentos serenos e passagens mais pesadas, destacando principalmente o uso dos teclados e do baixo. O solo de saxofone merece um destaque especial, assim como a letra, que presta um tributo à música negra.
Maxophone criou, com este álbum, uma verdadeira obra de arte, e, independentemente do lançamento de 2017, continua a ser considerada uma "one shot band". A música presente neste disco é estruturada de forma poderosa, com uma musicalidade que se equilibra perfeitamente entre os múltiplos instrumentos, onde nenhum se sobressai de forma excessiva. O álbum possui duas versões, sendo uma delas em inglês, mas se você quiser realmente sentir a essência da música, recomendo ouvir a versão italiana.
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The Italian progressive rock scene of the 70s is not only vast but also uniquely brilliant. While many bands only had the chance to showcase their talent in a single album—the so-called "one-shot bands"—many of these managed to make the most of this opportunity, creating works that remain timeless. Maxophone, with their self-titled album, is a shining example of this select group. Or rather, it was, since the band released another album in 2017, La Fabbrica Delle Nuvole, which falls far short of their brilliant 1975 work.
Formed in 1972 by six young musicians, Maxophone managed to blend an impressive variety of styles in a profoundly unique way. Their music is an explosion of well-executed ideas, rich in complexity and creativity. For the composition of the lyrics, the band enlisted the help of friends who translated the emotions and concepts they conveyed through notes into words. The result is a captivating mix of symphonic rock, classical music, swing, jazz, and traditional Italian music, all orchestrated with an instrumental feast that is a true delight for fans of the genre. Among the instruments, the harp, French horn, classical guitars, saxophone, flute, piano, keyboards, organs, clarinet, trumpet, vibraphone, string quartet, electric guitar, bass, drums, and percussion stand out.
The album begins with "C'È Un Paese Al Mondo," a track that starts with soft and pleasant piano lines but soon transforms into a well-paced rhythm, supported by bass, drums, and guitar. Serenity returns, preparing the listener for the entrance of Alberto Ravasini's vocals. The evocative lyrics paint a picture of an idealized country, a paradise of perfection. The clarinet takes the spotlight, followed by the trumpet, then a beautiful guitar emerges before the vocals return. Already in this first track, the band reveals the complexity that permeates the entire album.
"Fase" is an instrumental piece where the band members take the opportunity to showcase their talents and musicianship, masterfully blending influences from jazz, rock, and classical music. The introduction is heavier than the previous track, with a vigorous saxophone mixed with a symphonic and progressive atmosphere. The vibraphone then emerges delicately and precisely before the powerful guitar riff returns. Each instrument, from the French horn to the flute, finds its space, all fitting together with impressive precision. "Al Mancato Compleanno Di Una Farfalla" begins with a beautiful classical guitar introduction that evokes a romantic atmosphere. Soon the flute joins in, and the vocals enter softly. In the second part, the music gains strength with a symphonic keyboard of great character, transforming the sound as the other instruments increase in intensity.
"Elzeviro" opens with an organ and vocals that capture the despair of an attack on the street, a direct reference to the political clashes that marked Italy in the 70s. The musicality intensifies, with guitar riffs that evoke the great names of progressive rock. The organ, in turn, stands out, giving body to almost the entire track. In the middle of the song, the sound becomes heavier, with an excellent guitar solo, then softens again with the entry of the vocals, before rising once more, now with a beautifully executed flute.
"Mercanti Di Pazzie" is a true gem. The harp introduction is taken from Paul Hindemith's work "Sonata per arpa," originally recorded in 1939. The music evokes a dreamlike atmosphere of peace and serenity. The lyrics, though somewhat enigmatic, complement the musical beauty in a sublime way. The album closes with "Antiche Conclusioni Negre," the longest track on the record. It begins energetically, with a joyful sound that quickly alternates between serene moments and heavier passages, particularly highlighting the use of keyboards and bass. The saxophone solo deserves special mention, as does the lyric, which pays tribute to black music.
With this album, Maxophone created a true work of art, and regardless of the 2017 release, they continue to be considered a "one-shot band." The music on this album is powerfully structured, with a musicality that balances perfectly between the multiple instruments, where none of them excessively overshadow the others. The album has two versions, one in English, but if you want to truly feel the essence of the music, I recommend listening to the Italian version.
NOTA: 9/10
Tracks Listings
1. C'è Un Paese Al Mondo (6:39)
2. Fase (7:04)
3. Al Mancato Compleanno Di Una Farfalla (5:52)
4. Elzeviro (6:47)
5. Mercanti Di Pazzie (5:21)
6. Antiche Conclusioni Negre (8:54)
Quando se trata de álbuns instrumentais, sei que muitos ouvintes tendem a não se sentir atraídos, pelo menos é o que percebo ao tentar recomendar esse tipo de trabalho. Confesso que às vezes consigo entender essa resistência, pois um álbum composto exclusivamente por faixas instrumentais pode facilmente soar repetitivo e enfadonho — especialmente para quem não está habituado ao gênero. Nesse caso, o disco pode parecer desprovido de coesão, como se fosse apenas uma coleção de músicas superficiais, sem direção clara, dando a impressão de que os músicos estão vagando sem saber de onde vieram ou para onde vão. No entanto, com There Are No Ordinary Moments, esse não é o caso. Apesar de sua natureza instrumental, oferece uma audição envolvente, mesmo para aqueles menos familiarizados com a música progressiva.
Este é o quinto álbum da Ovrfwrd, que permanece sólida em sua formação, trazendo novamente os mesmos integrantes dos quatro trabalhos anteriores: Mark Ilaug (guitarra), Chris Malmgren (teclado), Kyle Lund (baixo) e Richard Davenport (bateria). Desde o álbum de estreia, percebe-se que a banda tem se tornado cada vez mais entrosada, tocando com uma naturalidade que reflete o impacto instrumental e a sofisticação composicional que já se tornaram características do grupo. Há uma evidente democracia na forma como cada membro contribui com o som, resultando em um disco coeso e bem equilibrado.
Uma das marcas registradas da Ovrfwrd, presente também neste álbum, é a habilidade de transformar desenvolvimentos simples, como os encontrados no blues rock, em peças intricadas que rivalizam com as melhores jam bands. Ao longo de seus quase 70 minutos e que são distribuídos em 10 faixas, a banda explora uma rica tapeçaria de sons e texturas que vão do progressivo clássico ao jazz fusion, passando pela música psicodélica. Cada peça é robusta, mantendo o ouvinte engajado do início ao fim.
A faixa de abertura, “Red Blanket,” começa com uma forte marcação da seção rítmica e uma flauta delicadamente pontuada — executada no teclado. O que surpreende é a linha de trompete que surge logo em seguida, um toque inesperado e brilhante, embora não haja ninguém creditado no instrumento. Talvez seja mais uma intervenção do teclado, mas, de qualquer forma, a ideia ficou muito boa. A faixa tem uma forte tendência jazzística — especificamente jazz rock — com uma seção rítmica rica e cheia de nuances, além de guitarras que alternam entre o peso e a suavidade e teclados que criam uma melodia exuberante ao fundo.
“Eagle Plains” começa de forma etérea, criando uma atmosfera onírica que cativa pela sofisticação. O piano quase clássico, acompanhado por notas espaçadas de baixo e toques sutis de guitarra, prepara o terreno para que a bateria entre em cena e eleve a música a um novo patamar, tornando-a mais vigorosa. Linhas de guitarra bem elaboradas, solos incandescentes de sintetizadores e teclados sinfônicos, sustentados por uma seção rítmica sólida, fazem desta faixa um dos destaques do disco. “The Virtue of...” inicia de maneira sombria, com uma mistura de space rock atmosférico e post rock ambiental. A guitarra inflama a música ao longo de sua extensão, alternando com rajadas de órgão que remetem ao Jon Lord. Baixo e bateria novamente criam uma base pulsante, mantendo a tensão e o interesse do ouvinte.
“Flatlander” é a faixa mais pesada do álbum, flertando com o heavy metal. Aqui a banda entrega um instrumental mais direto, onde todos os instrumentos se unem para criar um ambiente distorcido e agressivo. A música não possui muita variação, então foi acertada a decisão de mantê-la curta, evitando que se prolongasse desnecessariamente. “Tramp Hollow” é outra música com pouca variação, o que pode causar uma leve frustração, já que a banda parece estar preparando o ouvinte para uma mudança de ritmo que nunca chega. No entanto, ainda assim, a faixa tem seus atrativos, com solos de guitarra vibrantes, linhas de baixo pulsantes, bateria sólida e teclados que preenchem bem todos os espaços, culminando em um solo de piano interessante no final.
“Notes of the Concubine” inicia com um violão que poderia muito bem ter saído de um disco de Steve Hackett devido à sua aura clássica. A música assume um tom psicodélico até que algumas notas mais enérgicas de piano anunciam uma mudança de direção, que se concretiza com a entrada dos demais instrumentos. Para aqueles familiarizados com o King Crimson, essa faixa ressoará como as composições mais abstratas e dissonantes da banda. Sombria e angustiante, a música também oferece momentos influenciados pelo jazz de vanguarda.
“Eyota,” com seus quase 13 minutos, é a peça mais longa do álbum. O título homenageia uma cidade de Minnesota, cujo nome deriva de um termo Sioux que significa “o maior.” Nada mais justo, afinal, trata-se do ápice do álbum em termos de composição. O piano abre a faixa, seguido por uma explosão da bateria que introduz elementos de zeuhl nos primeiros três minutos e meio, até que o piano solitário volta a guiar a música para uma direção mais acessível e menos experimental. No geral, é uma faixa que oscila entre momentos agressivos e serenos, mas sempre dentro de uma atmosfera sinistra, onde as teclas se destacam como o grande trunfo da peça.
“Chateau La Barre” é na minha opinião um ponto fraco do álbum, mas dura pouco mais de dois minutos. Um teclado eletrônico lidera a faixa que parece mais um interlúdio ligando a faixa anterior à próxima. No entanto, esse “gancho” não combina bem com nenhuma das duas, ficando deslocado tanto em relação as duas faixas quanto ao álbum como um todo. “Serpentine” começa com uma vibe que remete ao White Stripes, misturada com uma explosão sonora quase metálica. A faixa varia entre momentos pesados e outros mais suaves, com uma veia jazzística evidente, especialmente nos ataques de Hammond. “The Way” é a faixa final, excelente tanto para encerrar o álbum, quanto para finalizar os shows da banda. É uma ilustração perfeita de quatro músicos que trabalham quase como metrônomos humanos. Linhas de baixo que talvez sejam as melhores do álbum, solos fervorosos de guitarra e teclados atmosféricos, além de uma bateria exuberante, confeccionam um final de álbum que não poderia ser melhor. que verdadeiramente
Ao chegar ao final deste álbum de quase 70 minutos, percebi que apenas os pouco mais de dois minutos de “Chateau La Barre” que verdadeiramente não me agradaram. Isso me deu a certeza de que estava diante de uma grande banda que produziu mais um feito notável e que merece uma repercussão muito maior do que tem atualmente. There Are No Ordinary Moments é um disco com um nível incrível de musicalidade e cheio de variações, que mesmo explorando inúmeros caminhos e direções diferentes, consegue se manter coerente e cativante.
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When it comes to instrumental albums, I know that many listeners tend not to be drawn in—at least, that's what I've noticed when trying to recommend this type of work. I admit that I can sometimes understand this resistance because an album composed exclusively of instrumental tracks can easily sound repetitive and tedious, especially for those unfamiliar with the genre. In this case, the album may seem devoid of cohesion, as if it were just a collection of superficial songs with no clear direction, giving the impression that the musicians are wandering without knowing where they came from or where they are going. However, with There Are No Ordinary Moments, that's not the case. Despite its instrumental nature, it offers an engaging listening experience, even for those less familiar with progressive music.
This is the fifth album by Ovrfwrd, who remain solid in their lineup, once again bringing the same members from the previous four works: Mark Ilaug (guitar), Chris Malmgren (keyboards), Kyle Lund (bass), and Richard Davenport (drums). Since the debut album, it's clear that the band has become increasingly cohesive, playing with a naturalness that reflects the instrumental impact and compositional sophistication that have already become the group's trademarks. There's an evident democracy in the way each member contributes to the sound, resulting in a cohesive and well-balanced album.
One of Ovrfwrd's trademarks, also present in this album, is the ability to turn simple developments, such as those found in blues rock, into intricate pieces that rival the best jam bands. Over its nearly 70 minutes, spread across 10 tracks, the band explores a rich tapestry of sounds and textures that range from classic progressive rock to jazz fusion, passing through psychedelic music. Each piece is robust, keeping the listener engaged from start to finish.
The opening track, "Red Blanket," begins with a strong rhythmic section and a delicately punctuated flute—played on the keyboard. What surprises is the trumpet line that emerges shortly afterward, an unexpected and brilliant touch, although no one is credited with the instrument. Perhaps it's another keyboard intervention, but either way, the idea turned out very well. The track has a strong jazzy tendency—specifically jazz rock—with a rich, nuanced rhythm section, guitars alternating between heaviness and softness, and keyboards creating an exuberant melody in the background.
"Eagle Plains" begins ethereally, creating a dreamy atmosphere that captivates with its sophistication. The almost classical piano, accompanied by spaced-out bass notes and subtle guitar touches, sets the stage for the drums to come in and elevate the music to a new level, making it more vigorous. Well-crafted guitar lines, incandescent synthesizer solos, and symphonic keyboards, supported by a solid rhythm section, make this track one of the album's highlights. "The Virtue of..." starts darkly, with a mix of atmospheric space rock and ambient post-rock. The guitar ignites the music throughout its duration, alternating with organ bursts reminiscent of Jon Lord. Bass and drums once again create a pulsating foundation, maintaining the tension and the listener's interest.
"Flatlander" is the heaviest track on the album, flirting with heavy metal. Here, the band delivers a more straightforward instrumental, where all instruments come together to create a distorted and aggressive atmosphere. The track doesn't have much variation, so it was a wise decision to keep it short, avoiding unnecessary prolongation. "Tramp Hollow" is another track with little variation, which might cause slight frustration, as the band seems to be setting the listener up for a rhythm change that never arrives. However, the track still has its charms, with vibrant guitar solos, pulsating bass lines, solid drumming, and keyboards that fill all the spaces well, culminating in an interesting piano solo at the end.
"Notes of the Concubine" begins with an acoustic guitar that could easily have come from a Steve Hackett album due to its classical aura. The music takes on a psychedelic tone until some more energetic piano notes announce a change in direction, which materializes with the entry of the other instruments. For those familiar with King Crimson, this track will resonate with the band's more abstract and dissonant compositions. Dark and anguished, the music also offers moments influenced by avant-garde jazz.
"Eyota," at nearly 13 minutes long, is the album's longest piece. The title honors a city in Minnesota, whose name derives from a Sioux term meaning "the greatest." Quite fitting, after all, it is the pinnacle of the album in terms of composition. The piano opens the track, followed by an explosion of drums that introduces elements of zeuhl in the first three and a half minutes, until the solitary piano returns to guide the music in a more accessible and less experimental direction. Overall, it's a track that oscillates between aggressive and serene moments, but always within a sinister atmosphere, where the keys stand out as the piece's great asset.
"Chateau La Barre" is, in my opinion, a weak point of the album, but it lasts just over two minutes. An electronic keyboard leads the track, which seems more like an interlude linking the previous track to the next. However, this "hook" doesn't mesh well with either, feeling out of place both in relation to the two tracks and the album as a whole. "Serpentine" starts with a vibe reminiscent of White Stripes, mixed with an almost metallic sonic explosion. The track alternates between heavy and softer moments, with a clear jazzy vein, especially in the Hammond attacks. "The Way" is the final track, excellent for both closing the album and ending the band's shows. It's a perfect illustration of four musicians working almost like human metronomes. Bass lines that are perhaps the best on the album, fiery guitar solos, atmospheric keyboards, and exuberant drumming craft an album finale that couldn't be better.
By the end of this nearly 70-minute album, I realized that only the two minutes and a bit of "Chateau La Barre" didn't truly please me. This gave me the certainty that I was in the presence of a great band that produced yet another remarkable achievement and deserves much more recognition than it currently has. There Are No Ordinary Moments is an album with an incredible level of musicianship and full of variations, that, even while exploring numerous paths and different directions, manages to remain coherent and captivating.
NOTA: 9/10
Tracks Listing
1. Red Blanket (8:13)
2. Eagle Plains (7:58)
3. The Virtue of... (5:52)
4. Flatlander (3:14)
5. Tramp Hollow (5:28)
6. Notes of the Concubine (8:20)
7. Eyota (12:39)
8. Chateau La Barre (2:12)
9. Serpentine (6:54)
10. The Way (7:30)
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