David Gilmour - Luck and Strange (2024)

Merecidamente reconhecido como um verdadeiro mestre da melodia, David Gilmour pode ser facilmente considerado uma espécie de paradoxo de si mesmo, sendo um virtuoso que navega perfeitamente entre o sutil e o grandioso. O guitarrista é amplamente aclamado por meio de um estilo que o torna um verdadeiro arquiteto das mais belas catedrais sônicas, além de existir dentro de uma dualidade onde o simples se torna grandioso e o grandioso se desmancha em simplicidade.

Aos 78 anos, David Gilmour continua provando que sua genialidade não está necessariamente ligada à virtuosidade técnica, mas sim, à sua habilidade em criar composições que tocam profundamente a alma de quem as ouve, onde cada nota e acorde são cuidadosamente escolhidos para criar uma experiência intensa e envolvente, com cada detalhe, por menor que seja, contribuindo para criar uma atmosfera imersiva, capaz de transportar quem se deixar levar por sua música, para um lugar de introspecção e conexão emocional.

Luck and Strange, 5º disco de estúdio do músico, dentro de uma musicalidade delicada e característica, oferece um trabalho lírico que ajuda refletir sobre o que constitui uma experiência genuína em um mundo saturado de superficialidade, sobre a durabilidade das conexões interpessoais, sobre encontrar significado diante da mortalidade inevitável e da incerteza que permeia a existência humana entre outros, sempre dentro de uma exploração poética e multifacetada desses temas, oferecendo momentos de reflexão profunda e introspectiva. Novamente, quase todo as letras foram escritas por Polly Samson, esposa de Gilmour.

"Black Cat", uma faixa instrumental de cerca de um minuto e meio, abre o álbum estabelecendo de imediato o clima característico da música de David. Com sua atmosfera introspectiva e arranjos sutis, a peça oferece uma pequena amostra do estilo sofisticado e inconfundível do guitarrista. "Luck and Strange", o blues nunca foi um gosto oculto de David Gilmour, e faixas como essa evidenciam isso. Com apoio das teclas de Richard Wright, é muito bem construída por meio de várias “brincadeiras” de guitarra, enquanto entrega algumas reflexões sobre o tempo.

"The Piper's Call" é uma composição que Gilmour criou originalmente em um ukulele, dando à peça uma origem curiosa. Começa de forma acústica e suave, com acordes delicados que estabelecem uma sensação íntima, mas logo se transforma, crescendo de maneira gradual até culminar em um solo carregado de intensidade emocional. Novamente, é possível sentir uma atmosfera de blues. Uma música que atenta aos perigos que é o de cair nas promessas vazias de soluções rápidas

"A Single Spark" apresenta uma atmosfera mais melancólica em comparação com as faixas anteriores, mas essa tonalidade sombria encaixa-se perfeitamente com a temática lírica, que reflete sobre a fragilidade e a efemeridade da vida. Mais uma vez, um solo de guitarra brilhantemente executado se destaca, adicionando camadas de profundidade e realçando extremamente bem com o seu tom reflexivo.

"Vita Brevis" é um breve interlúdio atmosférico que funciona como uma ponte delicada para a faixa seguinte. "Between Two Points" traz uma colaboração familiar, com Romany Gilmour nos vocais e harpa, enquanto Gabriel Gilmour, seu irmão, contribui com o vocal de apoio. A voz suave e etérea de Romany, combinada com a atmosfera celestial da música, preserva a aura contemplativa da versão original dos The Montgolfier Brothers. No entanto, a inclusão da guitarra melódica e inconfundível de Gilmour adiciona uma nova camada emocional, enriquecendo a interpretação com sua marca clássica.

"Dark and Velvet Nights" apresenta uma letra adaptada de um poema que Polly Samson escreveu para Gilmour em um de seus aniversários de casamento. Liricamente, a canção explora a busca por um refúgio seguro na intimidade compartilhada, refletindo sobre como símbolos externos, como uma simples aliança, são frágeis e incapazes de capturar plenamente a profundidade de uma conexão verdadeira. Musicalmente, a faixa se destaca por sua sonoridade mais robusta e densa, contrastando com a delicadeza da mensagem, mas reforçando o peso emocional do tema.

"Signs" conduz o álbum de volta a uma sonoridade suave e serena, proporcionando um momento de tranquilidade após uma faixa muito mais intensa. A música é construída com arranjos delicados e envolventes, criando uma atmosfera de paz e contemplação que permeia toda a composição, enquanto é feita uma bonita reflexão sobre o amor, a perda e a luta para manter algo tão genuíno em um mundo cada vez mais caótico.

"Scattered" é a faixa do álbum que mais se assemelha ao som do Pink Floyd. Com belos arranjos de piano e orquestrações cuidadosas, a canção é enriquecida por um Gilmour em plena forma, tanto no violão quanto na guitarra. Na parte final, ele entrega um solo intenso, pesado e cheio de fervor. Liricamente, simbolismos abordam a luta humana contra a passagem inevitável do tempo, refletindo sobre a impotência diante desse processo cabal e incontrolável.

"Yes, I Have Ghosts", lançada originalmente em 2020, entrou no disco como uma das duas faixas bônus. Tem a participação de Romany na harpa e vocais de apoio que casam perfeitamente com a voz de David. É marcada por um violão de timbre sofisticado e que adiciona um sutil toque folk, além de acentuar a profundidade emocional da música que fala sobre como o peso das experiências e relacionamentos passados pode persistir, moldando e assombrando nossas vidas atuais de maneira persistente.

"Lucky and Strange (Original Barn Jam)", a outra faixa bônus do álbum, tem uma duração de quatorze minutos, e como o título sugere, é uma jam improvisada da faixa título do disco. Gravada originalmente em 2007, a faixa conta com a participação de Richard Wright, trazendo novamente um toque nostálgico ao som. Embora a influência do blues seja evidente, a execução da faixa possui uma sonoridade que se inclina mais para um jazz moderno cheio de leveza. Enquanto é mostrado toda a habilidade dos músicos em criar um ambiente sonoro sofisticado e envolvente.

Em Luck and Strange, David Gilmour demonstra um equilíbrio sutil e sofisticado, que serve como um reflexo profundo de sua habilidade musical refinada e sua vasta experiência como artista. Cada faixa é uma prova da profunda destreza de Gilmour em combinar texturas sonoras complexas com uma sensibilidade melódica única. Do começo ao fim, o álbum revela uma maturidade musical impressionante, com arranjos muito bem elaborados e uma execução impecável.

Quando David afirmou que Luck and Strange é o seu melhor trabalho desde Dark Side of the Moon, é provável que ele estivesse considerando fatores além dos puramente musicais, incluindo aspectos pessoais e contextuais que influenciam sua visão artística. No entanto, se a questão for exclusivamente na dimensão musical, minha avaliação diverge dessa declaração. Porém, Luck and Strange destaca-se por seu brilho e profundidade, mas não apenas por isso, ele possui uma qualidade especial que ressoa com a sofisticação e o talento de Gilmour. Isso faz com que a partir de agora, eu o enxergue como seu melhor disco solo.

========

========

========

========

Deservedly recognized as a true master of melody, David Gilmour can easily be considered a kind of paradox unto himself, being a virtuoso who navigates perfectly between the subtle and the grand. The guitarist is widely acclaimed for a style that makes him a true architect of the most beautiful sonic cathedrals, existing within a duality where the simple becomes grand, and the grand dissolves into simplicity. 

At 78, David Gilmour continues to prove that his genius is not necessarily tied to technical virtuosity but rather to his ability to create compositions that deeply touch the soul of those who listen to them. Every note and chord are carefully chosen to create an intense and immersive experience, with every detail, no matter how small, contributing to an atmosphere capable of transporting the listener to a place of introspection and emotional connection.

Luck and Strange, Gilmour's fifth studio album, within a delicate and characteristic musicality, offers lyrical work that reflects on what constitutes a genuine experience in a world saturated with superficiality, on the durability of interpersonal connections, on finding meaning in the face of inevitable mortality and the uncertainty that permeates human existence, among other themes. These are always explored poetically and multifacetedly, offering moments of deep and introspective reflection. Once again, nearly all the lyrics were written by Polly Samson, Gilmour's wife.

"Black Cat," a brief instrumental track of about a minute and a half, opens the album, immediately establishing the characteristic mood of Gilmour's music. With its introspective atmosphere and subtle arrangements, the piece offers a small taste of the guitarist's sophisticated and unmistakable style. "Luck and Strange," blues has never been a hidden taste of David Gilmour, and tracks like this make that clear. With Richard Wright's keys providing support, the song is masterfully built through various guitar “playfulness,” while delivering some reflections on time.

"The Piper's Call" is a composition Gilmour originally created on a ukulele, giving the piece a curious origin. It begins acoustically and gently, with delicate chords establishing an intimate feel, but soon transforms, gradually growing until culminating in a solo full of emotional intensity. Once again, a blues atmosphere is felt, warning against the dangers of falling for empty promises of quick solutions.

"A Single Spark" presents a more melancholic atmosphere compared to the previous tracks, but this darker tone fits perfectly with the lyrical theme, reflecting on the fragility and ephemerality of life. Once again, a brilliantly executed guitar solo stands out, adding layers of depth and enhancing the song's reflective tone beautifully.

"Vita Brevis" is a brief atmospheric interlude that serves as a delicate bridge to the next track. "Between Two Points" features a familiar collaboration, with Romany Gilmour on vocals and harp, while her brother Gabriel Gilmour contributes backing vocals. Romany's soft, ethereal voice, combined with the celestial atmosphere of the music, preserves the contemplative aura of the original version by The Montgolfier Brothers. However, the inclusion of Gilmour's melodic and unmistakable guitar adds a new emotional layer, enriching the interpretation with his classic touch.

"Dark and Velvet Nights" features lyrics adapted from a poem Polly Samson wrote for Gilmour on one of their wedding anniversaries. Lyrically, the song explores the search for a safe refuge in shared intimacy, reflecting on how external symbols, like a simple wedding ring, are fragile and incapable of fully capturing the depth of a true connection. Musically, the track stands out for its more robust and dense sound, contrasting with the delicacy of the message while reinforcing the emotional weight of the theme.

"Signs" brings the album back to a soft, serene sound, providing a moment of tranquility after a much more intense track. The song is built with delicate and enveloping arrangements, creating an atmosphere of peace and contemplation that permeates the entire composition, while offering a beautiful reflection on love, loss, and the struggle to maintain something so genuine in an increasingly chaotic world.

"Scattered" is the track on the album that most resembles the sound of Pink Floyd. With beautiful piano arrangements and careful orchestrations, the song is enriched by a Gilmour in top form, both on acoustic guitar and electric. In the final part, he delivers an intense, heavy, and fervent solo. Lyrically, symbols address the human struggle against the inevitable passage of time, reflecting on the powerlessness in the face of this inevitable and uncontrollable process.

"Yes, I Have Ghosts," originally released in 2020, made its way into the album as one of the two bonus tracks. It features Romany on harp and backing vocals that perfectly complement David's voice. It's marked by a sophisticated guitar tone, adding a subtle folk touch and accentuating the emotional depth of the song, which speaks about how the weight of past experiences and relationships can persist, shaping and haunting our current lives in a lasting way.

"Lucky and Strange (Original Barn Jam)," the other bonus track, runs for fourteen minutes, and as the title suggests, it's an improvised jam of the album's title track. Originally recorded in 2007, the track features Richard Wright, bringing once again a nostalgic touch to the sound. Although the influence of blues is evident, the execution of the track leans more toward a modern jazz filled with lightness, showcasing the musicians' ability to create a sophisticated and engaging sonic environment.

In Luck and Strange, David Gilmour demonstrates a subtle and sophisticated balance that serves as a profound reflection of his refined musical ability and vast experience as an artist. Each track is a testament to Gilmour's profound skill in combining complex sonic textures with a unique melodic sensibility. From start to finish, the album reveals impressive musical maturity, with meticulously crafted arrangements and flawless execution.

When David claimed that Luck and Strange is his best work since Dark Side of the Moon, he was likely considering factors beyond purely musical ones, including personal and contextual aspects that influence his artistic vision. However, if we are talking solely on the musical dimension, my evaluation diverges from that statement. Nevertheless, Luck and Strange stands out for its brilliance and depth, but not just for that—it possesses a special quality that resonates with Gilmour's sophistication and talent. This leads me to now see it as his best solo album.

NOTA: 9/10

Tracks Linting

1. Black Cat (1:32)
2. Luck and Strange (6:57)
3. The Piper's Call (5:15)
4. A Single Spark (6:04)
5. Vita Brevis (0:46)
6. Between Two Points (5:47)
7. Dark and Velvet Nights (4:45)
8. Sings (5:14)
9. Scattered (7:34)

10. Yes, I Have Ghosts (3:50)
11. Luck and Strange (original barn jam) (14:00)

Assista ao vídeo oficial de "Between Two Points"

Rick Miller - One of the Many (2024)

 

Rick Miller é um nome que apesar de sua longevidade e consistência na cena do rock progressivo, pode não ser imediatamente reconhecido entre os gigantes dos anos 70, como Yes, Genesis, e King Crimson. No entanto, seu trabalho fortemente influenciado por esses mestres reflete uma dedicação profunda às raízes do gênero, ao mesmo tempo em que explora territórios sonoros próprios. O estilo de Miller é marcado por uma atenção aos detalhes e pelo uso de uma ampla gama de texturas musicais. Ele é particularmente conhecido por sua habilidade nos teclados e na guitarra, criando camadas sonoras atmosféricas que combinadas com solos de guitarra carregados de emoção e que resultam em composições expansivas e ricas.

Iniciando sua carreira discográfica em 1984, Miller chegou ao seu 18º álbum com One of the Many, uma obra que se destaca como uma das mais ambiciosas de sua carreira. Nesse álbum, Miller oferece uma musicalidade refinada e apaixonada, mantendo suas influências claras, especialmente de Pink Floyd e Moody Blues, enquanto explora novas direções e mantém um compromisso firme com a integridade artística. O álbum convida o ouvinte a uma jornada por paisagens sonoras complexas e texturizadas. Com certeza, um bom par de fones de ouvido é essencial para apreciar toda a riqueza que One of the Many tem a oferecer.

O álbum começa com "Atrophy," uma faixa que desliza suavemente em um mundo onde tempo e emoções se entrelaçam em uma dança mágica. Não é apenas uma composição; é uma jornada transcendental que combina melodia e narrativa de maneira magistral, enquanto Miller explora a perspectiva de alguém lutando com a perda de memória, criando uma atmosfera que é ao mesmo tempo evocativa e introspectiva. "Time Goes On" segue com uma aura de serenidade e introspecção e que é estabelecida desde as primeiras notas de piano. A música se desenvolve com delicadeza, abordando temas de morte e medo com uma fluidez que se reflete na perfeita harmonia entre guitarra e violão, culminando em uma peça grandiosa apesar de sua curta duração.

"The Lost Years" é uma das faixas mais dinâmicas e emocionais do álbum, explorando nostalgia e arrependimento através de uma montanha-russa sonora. As linhas de guitarra,transmitem uma emoção crua que ressoa profundamente, especialmente no final onírico da música, que deixa uma sensação de despedida de algo precioso e irrepetível. Em "She of the Darkness," uma incrível peça instrumental, a flauta lidera com acordes etéreos que evocam serenidade e contemplação. Essa melodia é enriquecida por densas orquestrações, violão, piano, e um breve, mas impactante, ataque de guitarra, criando uma faixa que é ao mesmo tempo grandiosa e majestosa.

A faixa-título "One of the Many" começa evocando o som do Pink Floyd, mas rapidamente se transforma em uma névoa sonora única, com efeitos vocais etéreos e uma temática que aborda os desafios da era digital, ressaltando a importância do discernimento crítico na era da informação. "Perchance to Dream," com seus mais de 13 minutos, é o épico do álbum. É uma odisseia emocional que aborda elementos oníricos e reais, questionando a essência da vida e a percepção da realidade, com paisagens sonoras majestosas que transportam o ouvinte para um tempo de simplicidade e sorrisos fáceis.

"Wonderlust" é uma composição que transborda emoção, misturando beleza e tristeza em uma reflexão sobre a jornada da vida. Cada elemento da música, desde a guitarra incisiva até o coro celestial, tudo trabalha em perfeita harmonia para criar uma experiência auditiva profunda e introspectiva. O álbum encerra com "Another Time," uma faixa acústica que é acompanhada por floreios de violoncelo, oferecendo um desfecho lindamente melancólico, convidando à reflexão pessoal e introspecção sobre a complexidade da vida humana.

Em suma, One of the Many é um álbum que exemplifica a capacidade de Rick Miller em criar música progressiva rica em detalhes e nuances, recompensando tanto os ouvintes exigentes quanto aqueles que são novos no gênero. As intricadas camadas de instrumentação e os arranjos sofisticados proporcionam uma experiência auditiva envolvente, enquanto as melodias acessíveis e os ganchos memoráveis fazem do álbum uma excelente porta de entrada para o universo sonoro de Miller.

========

========

========

========

Rick Miller is a name that, despite his longevity and consistency in the progressive rock scene, might not be immediately recognized among the giants of the 70s, like Yes, Genesis, and King Crimson. However, his work, heavily influenced by these masters, reflects a deep dedication to the genre's roots while also exploring his own sonic territories. Miller’s style is marked by an attention to detail and the use of a wide range of musical textures. He is particularly known for his skill on keyboards and guitar, creating atmospheric soundscapes that, combined with emotionally charged guitar solos, result in expansive and rich compositions.

Starting his recording career in 1984, Miller has reached his 18th album with One of the Many, a work that stands out as one of the most ambitious of his career. In this album, Miller offers refined and passionate musicianship, maintaining clear influences, especially from Pink Floyd and Moody Blues, while exploring new directions and holding a firm commitment to artistic integrity. The album invites the listener on a journey through complex and textured soundscapes. Certainly, a good pair of headphones is essential to appreciate all the richness that One of the Many has to offer.

The album begins with "Atrophy," a track that smoothly glides into a world where time and emotions intertwine in a magical dance. It’s not just a composition; it’s a transcendental journey that masterfully combines melody and narrative as Miller explores the perspective of someone struggling with memory loss, creating an atmosphere that is both evocative and introspective. "Time Goes On" follows with an aura of serenity and introspection established from the first piano notes. The music develops delicately, addressing themes of death and fear with a fluidity reflected in the perfect harmony between guitar and acoustic guitar, culminating in a grand piece despite its short duration.

"The Lost Years" is one of the most dynamic and emotional tracks on the album, exploring nostalgia and regret through a sonic rollercoaster. The guitar lines convey a raw emotion that resonates deeply, especially in the song's dreamy ending, which leaves a sense of farewell to something precious and unrepeatable. In "She of the Darkness," an incredible instrumental piece, the flute leads with ethereal chords that evoke serenity and contemplation. This melody is enriched by dense orchestrations, acoustic guitar, piano, and a brief but impactful guitar burst, creating a track that is both grand and majestic.

The title track, "One of the Many," begins by evoking the sound of Pink Floyd but quickly transforms into a unique sonic mist, with ethereal vocal effects and a theme that addresses the challenges of the digital age, emphasizing the importance of critical discernment in the information era. "Perchance to Dream," with its over 13 minutes, is the epic of the album. It’s an emotional odyssey that addresses dreamlike and real elements, questioning the essence of life and the perception of reality, with majestic soundscapes that transport the listener to a time of simplicity and easy smiles.

"Wonderlust" is a composition overflowing with emotion, mixing beauty and sadness in a reflection on the journey of life. Every element of the song, from the incisive guitar to the celestial choir, works in perfect harmony to create a deep and introspective listening experience. The album closes with "Another Time," an acoustic track accompanied by cello flourishes, offering a beautifully melancholic ending, inviting personal reflection and introspection on the complexity of human life.

In summary, One of the Many is an album that exemplifies Rick Miller’s ability to create progressive rock music rich in details and nuances, rewarding both discerning listeners and those new to the genre. The intricate layers of instrumentation and sophisticated arrangements provide an immersive listening experience, while the accessible melodies and memorable hooks make the album an excellent gateway into Miller’s sonic universe.

NOTA: 9/10

Tracks Listing

1. Atrophy (8:21)
2. Time Goes On (3:52)
3. The Lost Years (8:29)
4. She of the Darkness (3:57)
5. One of the Many (4:54)
6. Perchance to Dream (13:10)
7. Wonderlust (6:15)
8. Another Time (4:36)

Ouça, "One of the Many"

The Circle Project - Bestiario II (2024)

 

The Circle Project é um projeto espanhol idealizado por Ángel G. Lajarí – que não canta e nem toca nenhum dos instrumentos, mas se posiciona na produção, na criação de arte e design gráfico, além de ser o gerente do projeto.  O som da banda se destaca pela sua abordagem criativa que combina muito bem literatura e uma ampla gama de gêneros musicais, com um enfoque especial no art rock. A proposta da banda é oferecer uma experiência musical que vai além da simples apreciação sonora. Suas composições não são apenas sofisticadas e elaboradas, mas também carregam narrativas literárias profundas e envolventes que capturam a imaginação e o coração de quem se deixa embarcar no mundo criado pelo grupo. Ao integrar elementos de storytelling com arranjos musicais sinfônicos, a banda proporciona uma imersão completa no universo das suas criações.

Considero a gênese do The Circle Project bastante curiosa. O conceito da banda surgiu a partir de uma série de discussões entre os membros do grupo espanhol no Facebook denominado Prog Circle. Este grupo, dedicado ao rock progressivo e seus diversos subgêneros, funcionou como um ponto de encontro virtual para entusiastas da música progressiva. E foi nesse espaço que a paixão pela música encontrou um terreno fértil, permitindo que ideias criativas fossem compartilhadas e exploradas. As conversas e interações dentro do grupo não apenas fomentaram a troca de influências e experiências, mas também ajudaram a moldar a visão e a identidade do projeto que estavam prestes a iniciar.

Bestiario II é o segundo álbum do grupo, e como o próprio nome sugere, dá continuidade à temática explorada em seu antecessor. O conceito permanece centrado em uma fascinante coleção de descrições de criaturas, sejam elas reais ou mitológicas. Cada música funciona como uma entrada em um bestiário sonoro, onde melodias e arranjos muito bem compostos evocam a natureza, o mistério e a magia que envolvem esse assunto. Assim, Bestiario II não apenas complementa o trabalho anterior, mas também expande o universo sonoro e imaginativo do grupo.

Ainda que cada música tenha os seus méritos e valem apena, vou comentar sobre as músicas que mais gostei. Antes, por meio de um Manual De Criptozoología, uma voz nos dá as boas-vindas a essa nova viagem por esse universo fascinante e proporcionada pelo grupo: Um novo livro esperado chegou em nossas mãos. Voltaremos a viajar no tempo e no espaço com animais impossíveis, coloridos e arcanos, de terras distantes e oceanos passados. Para ouvir suas canções, abramos novamente o bestiário. Após essa narração introdutória, o disco começa por meio de “Mantícora”, uma criatura mitológica de origem persa, posteriormente incorporado à mitologia grega e que tem uma cabeça de homem, corpo de leão e cauda de dragão ou escorpião. O violão inicia com um deslizar solitário, mas logo outros instrumentos entram em cena, cada um trazendo sua própria cor e textura, enriquecendo a composição e criando uma harmonia que evolui gradualmente. Interessante uma música tão delicada para simbolizar uma criatura tão feroz. A ideia pode ser a de explorar uma narrativa sobre a coexistência de força e delicadeza, ou mesmo sobre a natureza enganosa das aparências.

É uma espécie de lula gigante que vive nas profundezas abissais. O tamanho excessivo de seus tentáculos cria grandes redemoinhos – semelhantes aos de Caríbdis no Estreito de Messina – e é capaz de afundar barcos. Já mencionado em bestiários medievais e por Jules Verne, hoje representa mais um mistério do oceano, talvez menos conhecido do que o nosso sistema solar. Com essas palavras, "Architeutis Dux -Kraken" nos é apresentada. A produção sonora é muito bem projetada para refletir a vastidão e a escuridão das águas profundas. Os arranjos experimentais são ricos em texturas e camadas, criando um senso palpável de profundidade e complexidade que é emblemático das lendas que cercam essa criatura.

“Pardus Alatus Nero”, um felino voador implacável e imponente, descrito na narração que antecede a música como, nobre, forte e musculoso, capaz de lançar-se ao oceano durante seus voos para caçar focas, ursos polares e até mesmo lobos marinhos. Ele desce até as profundezas marinhas em busca de um parceiro, e uma vez que encontra seu objeto de amor platônico, nunca o esquece, apesar de sempre retornar ao seu lugar de origem. Começa de forma serena, quase onírica. O violão o o hulusi – instrumento chinês de sopro - dominam a peça por um bom tempo, até que há uma mudança de direção com a entrada da seção rítmica e guitarra elétrica, trazendo energia e peso para a peça. Essa mudança de sonoridade, pode ser visto como o momento que a criatura revela sua verdadeira natureza, deixando a calmaria para assumir uma presença dominante e ameaçadora.

“Meirga”, aqui a banda parece está focada apenas em um tipo de meiga, porém, é bom deixar claro que as meigas podem ser divididas em diferentes tipos, como as "meigas chuchonas," que sugam a energia vital das pessoas, as "meigas de mal," que são mais maléficas e citadas na narração, além das "meigas boas" ou "meigas de bien" que são consideradas curandeiras ou protetoras. Por meio de uma sonoridade delicada produzida por teclados em camadas e violão, deitam alguns vocais emotivos que cantam sobre a dor causada por uma mulher que esmagou seu coração e lançou um feitiço sobre ele. A cominação da música e a sua narração, que de certa forma, pode ser um simples efeito de uma manipulação emocional, aqui ganha uma conexão com algo mais amplo e misterioso.

“Rainbow Leprechaun” é uma criatura que têm suas raízes na mitologia irlandesa, onde são conhecidos como pequenos seres encantados, muitas vezes descritos como travessos e solitários e que guardam potes de ouro no final do arco-íris. A ideia do "Rainbow Leprechaun" é uma evolução dessa tradição, incorporando a magia e a cor vibrante dos arco-íris. A música começa com uma atmosfera grandiosa e sombria, marcada por arranjos sinfônicos que criam uma sensação de mistério e profundidade. A transição ocorre com a introdução de uma bateria de estilo militar acompanhada pelo baixo, que conduz a peça a um território mais robusto na quantidade de instrumentos utilizados. Segue-se um breve solo de escaleta, seguido por um de guitarra. Após esse momento de destaque, a música retorna a uma sonoridade serena, guiada pela flauta delicada e mantendo essa tranquilidade até o desfecho. Nem sempre é fácil achar uma relação da música e a criatura, mas ao menos a atmosfera grandiosa e sombria no início, pode ilustrar o Rainbow Leprechaun, uma figura que carrega um mistério e uma aura enigmática.

“Tardo”, não confundir com o ser lendário de mesmo nome, mas da mitologia dos povos indígenas da região da Amazônia. Aqui se trata do Tardo da Galícia, que é frequentemente retratado como uma entidade que vive nas áreas rurais e florestais. Pode ter uma aparência que mistura elementos humanos e animais, como orelhas pontudas ou olhos brilhantes. Gosta de aprontar com os seres humano, fazendo, por exemplo, com que se percam em florestas ou sintam sensações ruins como dores e pesadelos. Possui uma musicalidade bastante forte, principalmente por meio de uma seção rítmica enérgica e teclados sinfônicos. Enquanto isso, o vocal se apresenta da perspectiva do Tardo, ou seja, como uma figura poderosa e ameaçadora, que manipula e domina os medos e ansiedades da pessoa a quem se dirige. A sensação sinfônica de grandiosidade e mistério da música acaba ressoando com a natureza folclórica e enigmática da criatura.

 "Papilio Evanescens" é uma borboleta de asas coloridas, por isso, o nome Papilio, que significa borboleta, enquanto que ”Evanescens" pode ser interpretado como algo que se desvanece ou desaparece, indicando que a criatura pode ter a habilidade de desaparecer. Inicialmente uma lagarta planta, seu desaparecimento abrupto após se transformar em borboleta também costuma ser associado a características místicas, como a capacidade de viajar entre mundos ou dimensões. Musicalmente, a primeira parte da canção se destaca por sua atmosfera etérea, onde os vocais femininos sobrepostos – ainda que sejam da mesma vocalista - flutuam com uma delicadeza celestial.

No núcleo da música, uma flauta encantadora surge acompanhada por batidas percussivas que trazem uma leveza rítmica. Então que a seção rítmica emerge com mais vigor, impulsionando a canção para um caminho de intensidade. Essa mudança de direção é marcada por um solo de teclado, seguido por um solo de guitarra, onde ambos edificam a composição. Dessa forma, Papilio Evanescens se torna uma metáfora viva para a música, personificando a transição da suavidade para a intensidade, da fragilidade para a força, tudo enquanto mantém sua natureza graciosa e transcendental. Além disso, sua forma de existir e desaparecer, nos faz questionar por meio da parte final de sua letra, “Sua ausência nos obriga a perguntar se há algo além ao morrer", sobre a morte e o mistério do que vem depois, levando à ponderação sobre a existência de uma vida após a morte ou uma continuação em outro plano.

“Draculis Scarabus” dá nome a uma criatura que exibe uma carapaça negra e reluzente e que é cuidadosamente adornada com marcas escarlates, evocando a imagem de olhos vigilantes ou garras afiadas. Esses detalhes não só acentuam, mas também amplificam sua aparência intimidadora. Inicialmente, algumas notas solitárias do baixo são acompanhadas por uma sonoridade que parece ter sido tirada de algum filme de terror dos anos 70, então a música entra em uma linha mais eletrônica, porém, ainda mantendo o toque atmosférico, que a essa altura também dá à faixa algumas leves pinceladas de psicodelia. Mais perto do fim, a bateria se intensifica, onde junta dos demais instrumentos, cria um clima quase que angustiante. Considero está a música que mais se aparenta com a criatura que representa, tendo o seu som convertido em uma essência sombria e experiência horripilante, tal qual a de se deparar com a criatura mencionada.

Assim como aconteceu com o começo do disco, no seu final também há uma breve mensagem do Manual De Criptozoología, já deixando em aberto que uma terceira parte pode acontecer: A história termina, segundo bestiário, treze outros novos seres povoam nossa imaginação. O mapa de Urbano Monte serviu como um quadro para outra grande viagem por lugares estranhos e novos. Vamos fechar este manuscrito agora, talvez outro esteja esperando.

Bestiário II é um disco encantador, tecido com uma tapeçaria sonora rica e harmoniosa. O álbum se destaca pela sua melodia envolvente e pela harmonia delicada que permeia cada faixa, criando uma experiência imersiva e cativante. Vale destacar também, a maneira como a banda ocasionalmente se aventura por territórios mais pesados, com momentos de musicalidade intensa que contrastam de forma eficaz com a suavidade predominante.

Cada música parece capturar a essência da criatura que representa, proporcionando um retrato sonoro vívido e expressivo. A transição entre a suavidade e a intensidade é executada com classe, permitindo que o álbum conte histórias ricas e variadas, todas ancoradas em uma narrativa coesa e sensível. Por fim, Bestiário II é um convite para uma jornada através de um universo sonoro repleto de contrastes, onde a beleza melódica e a força musical se encontram em uma dança harmoniosa, sempre respeitando a mitologia e a imagem evocada por cada composição.

========

========

========

========

The Circle Project is a Spanish project conceived by Ángel G. Lajarí – who neither sings nor plays any of the instruments but takes on roles in production, art creation, and graphic design, as well as project management. The band's sound stands out for its creative approach, skillfully blending literature with a wide range of musical genres, with a special focus on art rock. The band's aim is to provide a musical experience that goes beyond mere auditory appreciation. Their compositions are not only sophisticated and elaborate but also carry deep and engaging literary narratives that capture the imagination and heart of those who immerse themselves in the world created by the group. By integrating storytelling elements with symphonic musical arrangements, the band offers a complete immersion into their creative universe.

The genesis of The Circle Project is quite intriguing. The band's concept emerged from a series of discussions among members of the Spanish Facebook group called Prog Circle. This group, dedicated to progressive rock and its various subgenres, served as a virtual meeting point for enthusiasts of progressive music. It was in this space that the passion for music found fertile ground, allowing creative ideas to be shared and explored. The conversations and interactions within the group not only fostered the exchange of influences and experiences but also helped shape the vision and identity of the project that was about to begin.

Bestiario II is the group's second album, and as the name suggests, it continues the theme explored in its predecessor. The concept remains centered around a fascinating collection of descriptions of creatures, whether real or mythical. Each song functions as an entry in a sonic bestiary, where well-crafted melodies and arrangements evoke the nature, mystery, and magic surrounding the subject. Thus, Bestiario II not only complements the previous work but also expands the group's sonic and imaginative universe.

Although each song has its merits and is worth mentioning, I will comment on the ones I liked the most. First, through a Manual De Criptozoología, a voice welcomes us to this new journey through the fascinating universe provided by the group: A new awaited book has arrived in our hands. We will travel again through time and space with impossible, colorful, and arcane animals from distant lands and past oceans. To listen to their songs, let us once again open the bestiary. After this introductory narration, the album begins with “Mantícora,” a mythological creature of Persian origin, later incorporated into Greek mythology, with a human head, lion's body, and a dragon or scorpion tail. The acoustic guitar starts with a solitary glide, but soon other instruments join in, each bringing its own color and texture, enriching the composition and creating a harmony that gradually evolves. It is interesting to see such a delicate song symbolize such a fierce creature. The idea might be to explore a narrative about the coexistence of strength and delicacy, or even the deceptive nature of appearances.

It is a type of giant squid that lives in the abyssal depths. The excessive size of its tentacles creates large whirlpools – similar to Charybdis in the Strait of Messina – and is capable of sinking ships. Mentioned in medieval bestiaries and by Jules Verne, it now represents another mystery of the ocean, perhaps less known than our solar system. With these words, "Architeutis Dux -Kraken" is presented to us. The sound production is well-designed to reflect the vastness and darkness of the deep waters. The experimental arrangements are rich in textures and layers, creating a palpable sense of depth and complexity that is emblematic of the legends surrounding this creature.

“Pardus Alatus Nero,” a relentless and imposing flying feline, described in the narration preceding the song as noble, strong, and muscular, capable of diving into the ocean during its flights to hunt seals, polar bears, and even sea lions. It descends to the marine depths in search of a mate, and once it finds its object of platonic love, it never forgets, despite always returning to its place of origin. It begins serenely, almost dreamily. The guitar and the hulusi – a Chinese wind instrument – dominate the piece for a while until there is a change of direction with the entry of the rhythmic section and electric guitar, bringing energy and weight to the piece. This change in sound can be seen as the moment the creature reveals its true nature, leaving calmness to assume a dominant and threatening presence.

“Meirga” here seems to focus solely on a type of meiga, but it is worth clarifying that meigas can be divided into different types, such as "meigas chuchonas," which drain people's vital energy, "meigas de mal," which are more malevolent and mentioned in the narration, and "meigas boas" or "meigas de bien," which are considered healers or protectors. Through delicate sound produced by layered keyboards and guitar, some emotive vocals sing about the pain caused by a woman who crushed his heart and cast a spell on it. The combination of the song and its narration, which could be a simple effect of emotional manipulation, gains a connection with something broader and more mysterious here.

“Rainbow Leprechaun” is a creature rooted in Irish mythology, where they are known as small enchanted beings, often described as mischievous and solitary, and guarding pots of gold at the end of the rainbow. The idea of the "Rainbow Leprechaun" is an evolution of this tradition, incorporating the magic and vibrant color of rainbows. The song starts with a grand and dark atmosphere, marked by symphonic arrangements that create a sense of mystery and depth. The transition occurs with the introduction of a military-style drum accompanied by bass, leading the piece to a more robust territory in terms of instrument quantity. This is followed by a brief xylophone solo, then a guitar solo. After this highlight, the song returns to a serene sound, guided by the delicate flute and maintaining this tranquility until the end. It is not always easy to find a connection between the music and the creature, but at least the grand and dark atmosphere at the beginning can illustrate the Rainbow Leprechaun, a figure that carries a mystery and enigmatic aura.

“Tardo,” not to be confused with the legendary being of the same name from the mythology of indigenous peoples of the Amazon region, refers here to the Tardo from Galicia, often portrayed as an entity living in rural and forested areas. It may have an appearance that blends human and animal elements, such as pointed ears or glowing eyes. It enjoys playing tricks on humans, making them get lost in forests or experience unpleasant sensations like pain and nightmares. It has a very strong musicality, mainly through an energetic rhythmic section and symphonic keyboards. Meanwhile, the vocals present themselves from the perspective of the Tardo, as a powerful and threatening figure that manipulates and dominates the fears and anxieties of the person it addresses. The symphonic sense of grandeur and mystery of the music resonates with the folkloric and enigmatic nature of the creature.

"Papilio Evanescens" is a butterfly with colorful wings, hence the name Papilio, which means butterfly, while "Evanescens" can be interpreted as something that fades or disappears, indicating that the creature might have the ability to vanish. Initially a caterpillar plant, its abrupt disappearance after transforming into a butterfly is also often associated with mystical characteristics, such as the ability to travel between worlds or dimensions. Musically, the first part of the song stands out for its ethereal atmosphere, where overlapping female vocals – even though they are from the same singer – float with a celestial delicacy.

At the core of the song, a charming flute emerges accompanied by percussive beats that bring rhythmic lightness. Then the rhythmic section emerges with more vigor, propelling the song towards a path of intensity. This change in direction is marked by a keyboard solo, followed by a guitar solo, where both build up the composition. Thus, Papilio Evanescens becomes a living metaphor for the music, embodying the transition from softness to intensity, from fragility to strength, all while maintaining its graceful and transcendental nature. Furthermore, its way of existing and disappearing makes us question through the final part of its lyrics, "Its absence compels us to ask if there is something beyond death," about death and the mystery of what comes after, leading to pondering the existence of an afterlife or continuation in another realm.

“Draculis Scarabus” names a creature with a black and shiny carapace, carefully adorned with scarlet markings, evoking the image of vigilant eyes or sharp claws. These details not only accentuate but also amplify its intimidating appearance. Initially, some solitary bass notes are accompanied by a sound reminiscent of a 70s horror film, then the music transitions to a more electronic line, still maintaining an atmospheric touch, which also gives the track some light psychedelic hints. Near the end, the drums intensify, and along with the other instruments, creates an almost distressing atmosphere. I find this the song that most resembles the creature it represents, with its sound turned into a dark essence and horrifying experience, akin to encountering the mentioned creature.

Just as with the beginning of the album, there is a brief message from the Manual de Criptozoología at its end, suggesting that a third part may be on the way: The story ends, according to the bestiary, with thirteen more new beings populating our imagination. Urbano Monte's map served as a framework for another great journey through strange and new places. Let us close this manuscript now; perhaps another one is waiting.

Bestiário II is a charming album, woven with a rich and harmonious sonic tapestry. The album stands out for its engaging melody and the delicate harmony that permeates each track, creating an immersive and captivating experience. It's also worth noting how the band occasionally ventures into heavier territories, with moments of intense musicality that effectively contrast with the prevailing softness.

Each song seems to capture the essence of the creature it represents, providing a vivid and expressive sonic portrait. The transition between softness and intensity is executed with class, allowing the album to tell rich and varied stories, all anchored in a cohesive and sensitive narrative. In the end, Bestiário II is an invitation to a journey through a sonic universe full of contrasts, where melodic beauty and musical strength meet in a harmonious dance, always respecting the mythology and the image evoked by each composition.

NOTA: 10/10

Tracks Listing

1. Manual De Criptozoología - Continuación (0:26)
2. Capítulo 9 Mantícora (4:33)
3. Capítulo 10 Diaemus Gravida (6:18)
4. Capítulo 11 Architeutis Dux - Kraken - (3:27)
5. Capítulo 12 Pardus Alatus Nero (4:24)
6. Capítulo 13 Homo Narcissus - Leno Litore, Assinus Facies - (8:59)
7. Capítulo 14 Meiga (4:22)
8. Capítulo 15 Rainbow Leprechaun (6:53)
9. Capítulo 16 Grifelino Coloris (5:18)
10. Capítulo 17 Tardo (6:18)
11. Capítulo 18 Narvalus Transeo (4:46)
12. Capítulo 19 Papilio Evanescens (6:04)
13. Capítulo 20 Draculis Scarabus (5:15)
14. Capítulo 21 Auxia (6:50)
15. Manual De Criptozoología - Final (0:27) 

Não há nenhum das faixas no Youtube por enquanto, mas a banda disponibilizou um teaser em seu canal oficial.

Ovrfwrd - There Are No Ordinary Moments (2024)

 

Quando se trata de álbuns instrumentais, sei que muitos ouvintes tendem a não se sentir atraídos, pelo menos é o que percebo ao tentar recomendar esse tipo de trabalho. Confesso que às vezes consigo entender essa resistência, pois um álbum composto exclusivamente por faixas instrumentais pode facilmente soar repetitivo e enfadonho — especialmente para quem não está habituado ao gênero. Nesse caso, o disco pode parecer desprovido de coesão, como se fosse apenas uma coleção de músicas superficiais, sem direção clara, dando a impressão de que os músicos estão vagando sem saber de onde vieram ou para onde vão. No entanto, com There Are No Ordinary Moments, esse não é o caso. Apesar de sua natureza instrumental, oferece uma audição envolvente, mesmo para aqueles menos familiarizados com a música progressiva.

Este é o quinto álbum da Ovrfwrd, que permanece sólida em sua formação, trazendo novamente os mesmos integrantes dos quatro trabalhos anteriores: Mark Ilaug (guitarra), Chris Malmgren (teclado), Kyle Lund (baixo) e Richard Davenport (bateria). Desde o álbum de estreia, percebe-se que a banda tem se tornado cada vez mais entrosada, tocando com uma naturalidade que reflete o impacto instrumental e a sofisticação composicional que já se tornaram características do grupo. Há uma evidente democracia na forma como cada membro contribui com o som, resultando em um disco coeso e bem equilibrado.

Uma das marcas registradas da Ovrfwrd, presente também neste álbum, é a habilidade de transformar desenvolvimentos simples, como os encontrados no blues rock, em peças intricadas que rivalizam com as melhores jam bands. Ao longo de seus quase 70 minutos e que são distribuídos em 10 faixas, a banda explora uma rica tapeçaria de sons e texturas que vão do progressivo clássico ao jazz fusion, passando pela música psicodélica. Cada peça é robusta, mantendo o ouvinte engajado do início ao fim.

A faixa de abertura, “Red Blanket,” começa com uma forte marcação da seção rítmica e uma flauta delicadamente pontuada — executada no teclado. O que surpreende é a linha de trompete que surge logo em seguida, um toque inesperado e brilhante, embora não haja ninguém creditado no instrumento. Talvez seja mais uma intervenção do teclado, mas, de qualquer forma, a ideia ficou muito boa. A faixa tem uma forte tendência jazzística — especificamente jazz rock — com uma seção rítmica rica e cheia de nuances, além de guitarras que alternam entre o peso e a suavidade e teclados que criam uma melodia exuberante ao fundo.

“Eagle Plains” começa de forma etérea, criando uma atmosfera onírica que cativa pela sofisticação. O piano quase clássico, acompanhado por notas espaçadas de baixo e toques sutis de guitarra, prepara o terreno para que a bateria entre em cena e eleve a música a um novo patamar, tornando-a mais vigorosa. Linhas de guitarra bem elaboradas, solos incandescentes de sintetizadores e teclados sinfônicos, sustentados por uma seção rítmica sólida, fazem desta faixa um dos destaques do disco. “The Virtue of...” inicia de maneira sombria, com uma mistura de space rock atmosférico e post rock ambiental. A guitarra inflama a música ao longo de sua extensão, alternando com rajadas de órgão que remetem ao Jon Lord. Baixo e bateria novamente criam uma base pulsante, mantendo a tensão e o interesse do ouvinte.

“Flatlander” é a faixa mais pesada do álbum, flertando com o heavy metal. Aqui a banda entrega um instrumental mais direto, onde todos os instrumentos se unem para criar um ambiente distorcido e agressivo. A música não possui muita variação, então foi acertada a decisão de mantê-la curta, evitando que se prolongasse desnecessariamente. “Tramp Hollow” é outra música com pouca variação, o que pode causar uma leve frustração, já que a banda parece estar preparando o ouvinte para uma mudança de ritmo que nunca chega. No entanto, ainda assim, a faixa tem seus atrativos, com solos de guitarra vibrantes, linhas de baixo pulsantes, bateria sólida e teclados que preenchem bem todos os espaços, culminando em um solo de piano interessante no final.

“Notes of the Concubine” inicia com um violão que poderia muito bem ter saído de um disco de Steve Hackett devido à sua aura clássica. A música assume um tom psicodélico até que algumas notas mais enérgicas de piano anunciam uma mudança de direção, que se concretiza com a entrada dos demais instrumentos. Para aqueles familiarizados com o King Crimson, essa faixa ressoará como as composições mais abstratas e dissonantes da banda. Sombria e angustiante, a música também oferece momentos influenciados pelo jazz de vanguarda.

“Eyota,” com seus quase 13 minutos, é a peça mais longa do álbum. O título homenageia uma cidade de Minnesota, cujo nome deriva de um termo Sioux que significa “o maior.” Nada mais justo, afinal, trata-se do ápice do álbum em termos de composição. O piano abre a faixa, seguido por uma explosão da bateria que introduz elementos de zeuhl nos primeiros três minutos e meio, até que o piano solitário volta a guiar a música para uma direção mais acessível e menos experimental. No geral, é uma faixa que oscila entre momentos agressivos e serenos, mas sempre dentro de uma atmosfera sinistra, onde as teclas se destacam como o grande trunfo da peça.

“Chateau La Barre” é na minha opinião um ponto fraco do álbum, mas dura pouco mais de dois minutos. Um teclado eletrônico lidera a faixa que parece mais um interlúdio ligando a faixa anterior à próxima. No entanto, esse “gancho” não combina bem com nenhuma das duas, ficando deslocado tanto em relação as duas faixas quanto ao álbum como um todo. “Serpentine” começa com uma vibe que remete ao White Stripes, misturada com uma explosão sonora quase metálica. A faixa varia entre momentos pesados e outros mais suaves, com uma veia jazzística evidente, especialmente nos ataques de Hammond. “The Way” é a faixa final, excelente tanto para encerrar o álbum, quanto para finalizar os shows da banda. É uma ilustração perfeita de quatro músicos que trabalham quase como metrônomos humanos. Linhas de baixo que talvez sejam as melhores do álbum, solos fervorosos de guitarra e teclados atmosféricos, além de uma bateria exuberante, confeccionam um final de álbum que não poderia ser melhor. que verdadeiramente 

Ao chegar ao final deste álbum de quase 70 minutos, percebi que apenas os pouco mais de dois minutos de “Chateau La Barre” que verdadeiramente não me agradaram. Isso me deu a certeza de que estava diante de uma grande banda que produziu mais um feito notável e que merece uma repercussão muito maior do que tem atualmente. There Are No Ordinary Moments é um disco com um nível incrível de musicalidade e cheio de variações, que mesmo explorando inúmeros caminhos e direções diferentes, consegue se manter coerente e cativante.

========

========

========

========

When it comes to instrumental albums, I know that many listeners tend not to be drawn in—at least, that's what I've noticed when trying to recommend this type of work. I admit that I can sometimes understand this resistance because an album composed exclusively of instrumental tracks can easily sound repetitive and tedious, especially for those unfamiliar with the genre. In this case, the album may seem devoid of cohesion, as if it were just a collection of superficial songs with no clear direction, giving the impression that the musicians are wandering without knowing where they came from or where they are going. However, with There Are No Ordinary Moments, that's not the case. Despite its instrumental nature, it offers an engaging listening experience, even for those less familiar with progressive music.

This is the fifth album by Ovrfwrd, who remain solid in their lineup, once again bringing the same members from the previous four works: Mark Ilaug (guitar), Chris Malmgren (keyboards), Kyle Lund (bass), and Richard Davenport (drums). Since the debut album, it's clear that the band has become increasingly cohesive, playing with a naturalness that reflects the instrumental impact and compositional sophistication that have already become the group's trademarks. There's an evident democracy in the way each member contributes to the sound, resulting in a cohesive and well-balanced album.

One of Ovrfwrd's trademarks, also present in this album, is the ability to turn simple developments, such as those found in blues rock, into intricate pieces that rival the best jam bands. Over its nearly 70 minutes, spread across 10 tracks, the band explores a rich tapestry of sounds and textures that range from classic progressive rock to jazz fusion, passing through psychedelic music. Each piece is robust, keeping the listener engaged from start to finish.

The opening track, "Red Blanket," begins with a strong rhythmic section and a delicately punctuated flute—played on the keyboard. What surprises is the trumpet line that emerges shortly afterward, an unexpected and brilliant touch, although no one is credited with the instrument. Perhaps it's another keyboard intervention, but either way, the idea turned out very well. The track has a strong jazzy tendency—specifically jazz rock—with a rich, nuanced rhythm section, guitars alternating between heaviness and softness, and keyboards creating an exuberant melody in the background.

"Eagle Plains" begins ethereally, creating a dreamy atmosphere that captivates with its sophistication. The almost classical piano, accompanied by spaced-out bass notes and subtle guitar touches, sets the stage for the drums to come in and elevate the music to a new level, making it more vigorous. Well-crafted guitar lines, incandescent synthesizer solos, and symphonic keyboards, supported by a solid rhythm section, make this track one of the album's highlights. "The Virtue of..." starts darkly, with a mix of atmospheric space rock and ambient post-rock. The guitar ignites the music throughout its duration, alternating with organ bursts reminiscent of Jon Lord. Bass and drums once again create a pulsating foundation, maintaining the tension and the listener's interest.

"Flatlander" is the heaviest track on the album, flirting with heavy metal. Here, the band delivers a more straightforward instrumental, where all instruments come together to create a distorted and aggressive atmosphere. The track doesn't have much variation, so it was a wise decision to keep it short, avoiding unnecessary prolongation. "Tramp Hollow" is another track with little variation, which might cause slight frustration, as the band seems to be setting the listener up for a rhythm change that never arrives. However, the track still has its charms, with vibrant guitar solos, pulsating bass lines, solid drumming, and keyboards that fill all the spaces well, culminating in an interesting piano solo at the end.

"Notes of the Concubine" begins with an acoustic guitar that could easily have come from a Steve Hackett album due to its classical aura. The music takes on a psychedelic tone until some more energetic piano notes announce a change in direction, which materializes with the entry of the other instruments. For those familiar with King Crimson, this track will resonate with the band's more abstract and dissonant compositions. Dark and anguished, the music also offers moments influenced by avant-garde jazz.

"Eyota," at nearly 13 minutes long, is the album's longest piece. The title honors a city in Minnesota, whose name derives from a Sioux term meaning "the greatest." Quite fitting, after all, it is the pinnacle of the album in terms of composition. The piano opens the track, followed by an explosion of drums that introduces elements of zeuhl in the first three and a half minutes, until the solitary piano returns to guide the music in a more accessible and less experimental direction. Overall, it's a track that oscillates between aggressive and serene moments, but always within a sinister atmosphere, where the keys stand out as the piece's great asset.

"Chateau La Barre" is, in my opinion, a weak point of the album, but it lasts just over two minutes. An electronic keyboard leads the track, which seems more like an interlude linking the previous track to the next. However, this "hook" doesn't mesh well with either, feeling out of place both in relation to the two tracks and the album as a whole. "Serpentine" starts with a vibe reminiscent of White Stripes, mixed with an almost metallic sonic explosion. The track alternates between heavy and softer moments, with a clear jazzy vein, especially in the Hammond attacks. "The Way" is the final track, excellent for both closing the album and ending the band's shows. It's a perfect illustration of four musicians working almost like human metronomes. Bass lines that are perhaps the best on the album, fiery guitar solos, atmospheric keyboards, and exuberant drumming craft an album finale that couldn't be better.

By the end of this nearly 70-minute album, I realized that only the two minutes and a bit of "Chateau La Barre" didn't truly please me. This gave me the certainty that I was in the presence of a great band that produced yet another remarkable achievement and deserves much more recognition than it currently has. There Are No Ordinary Moments is an album with an incredible level of musicianship and full of variations, that, even while exploring numerous paths and different directions, manages to remain coherent and captivating.

NOTA: 9/10

Tracks Listing

1. Red Blanket (8:13)
2. Eagle Plains (7:58)
3. The Virtue of... (5:52)
4. Flatlander (3:14)
5. Tramp Hollow (5:28)
6. Notes of the Concubine (8:20)
7. Eyota (12:39)
8. Chateau La Barre (2:12)
9. Serpentine (6:54)
10. The Way (7:30)

Ouça, "Eagle Plains"

Sleepytime Gorilla Museum - Of The Last Human Being (2024)

 

Dentro da esfera do rock progressivo, o Sleepytime Gorilla Museum se destaca como uma banda de rock experimental e vanguardista, cuja proposta musical é sem dúvida desafiadora e pouco convencional, o que pode torná-la inacessível para um público mais amplo. Se você é aquele tipo de ouvinte que prefere sonoridades mais familiares e convencionais, talvez essa resenha, por mais entusiasta que seja, não consiga convencê-lo a ouvir este álbum até o fim. A tendência pode ser pular de faixa em faixa, até mesmo as duas peças mais curtas, de apenas um minuto e meio cada. Espero estar exagerando, mas essa é uma advertência justa.

Formado em 1999 em Oakland, Califórnia, o Sleepytime Gorilla Museum se consolidou como uma entidade única no cenário musical, fundindo uma ampla gama de influências em uma expressão artística inconfundível. Suas apresentações ao vivo são tão elaboradas quanto suas composições, transcendem o formato tradicional de um show de rock e incorporam elementos de performance teatral que elevam o espetáculo a outro patamar. Além disso, o grupo adiciona uma camada extra de complexidade com narrativas possivelmente fictícias inspiradas em artistas dadaístas e matemáticos, criando um ambiente lírico tão enigmático quanto sua música.

Depois de um hiato de 13 anos, o retorno da banda com o álbum Of The Last Human Being em 1º de fevereiro de 2024 foi um verdadeiro acontecimento. Eu mesmo fiquei surpreso, já que desde 2011 a banda havia interrompido suas atividades, levando muitos a acreditar que haviam chegado ao fim. No entanto, seu retorno não só reativou sua base de fãs, como também trouxe à tona um disco que em muitos aspectos, parece uma extensão natural do trabalho anterior.

Durante minha pesquisa, descobri que a banda começou a trabalhar em Of The Last Human Being ainda em 2011, o que explica o motivo do álbum soar como uma continuação orgânica do seu antecessor. Aqueles que já apreciavam o som da banda, provavelmente continuarão a fazê-lo, enquanto aqueles que nunca se conectaram com a proposta do grupo, talvez se mantenham igualmente desconectados. Contudo, a continuidade não impede o disco de surpreender. Ao longo de seus 65 minutos, Of The Last Human Being oferece uma jornada sonora repleta de momentos instigantes.

A formação do grupo permanece a mesma desde o lançamento de In Glorious Times em 2007: Nils Frykdahl (guitarra e vocal), Carla Kihlstedt (violino, percussão, guitarra, baixo, harmônica e vocais), Michael Mellender (guitarra, xilofone, trompete, percussão e vocais), Dan Rathbun (baixo, dulcimer e vocais) e Matthias Bossi (bateria, glockenspiel, xilofone, piano e vocais de apoio). Esta coesão de 17 anos se reflete em um som amadurecido e refinado, embora a essência experimental permaneça intacta.

O álbum se inicia com "Free Salamander in Two Worlds," uma peça que se refere ao livro Ishi in Two Worlds de Theodora Kroeber, mas com licenças poéticas e metáforas que transformam o conceito em algo próprio da banda. A canção evoca a biografia de Ishi, o último membro conhecido da tribo Yahi, cuja vida foi marcada por eventos dramáticos que ecoam na história de seu povo. Musicalmente, a peça se desenvolve com linhas melódicas intricadas e que são sustentadas por uma dinâmica instrumental muito bem ornamentada. Os vocais, quando acionados, são sombrios e evocam uma sensação de luto profundo, criando uma atmosfera que transborda riqueza harmônica.

"Fanfare for the Last Human Being," uma das faixas curtas do álbum, com pouco mais de um minuto e meio, é uma peça instrumental que destaca o violino de Carla Kihlstedt em uma fusão de folk tradicional e uma aura sombria. Mesmo em sua brevidade, a faixa é capaz de envolver o ouvinte em uma tapeçaria sonora rica e texturizada, demonstrando a habilidade da banda em criar momentos de grande intensidade emocional com poucos elementos. "El Vivo" é uma faixa que encapsula as estranhezas que definem o som da banda. Enquanto alguns podem acolher essas peculiaridades, outros podem achar difícil conectar-se com elas. A construção intrincada da canção é desafiadora, mas é impossível permanecer indiferente a ela. Kihlstedt oferece ataques tempestivos de violino, brilhantemente acompanhados por guitarras industriais e uma seção rítmica opulenta. Os vocais são apavorantes, criando uma experiência auditiva intensa que desafia e recompensa os ouvintes dispostos a se aventurar por esse território.

"Bells for Kith and Kin" segue com uma transição habilidosa dos sinos que encerram a faixa anterior. Com pouco mais de um minuto e meio, essa peça é um interlúdio reflexivo que ressoa como uma prece musical, proporcionando um contraste intrigante com as faixas mais intensas do álbum. "Silverfish" traz a voz melancólica e sombria de Carla, que guia o ouvinte através de uma atmosfera etérea, quase ritualística, onde o violino cria uma paisagem sonora taciturna e encantadora. A música se desenrola como um ritual espiritual, onde luz e escuridão se entrelaçam em uma dança complexa de sons e emoções.

"S.P.Q.R." é uma peça que evoca o império romano em seu título, que é uma sigla para Senatus Populusque Romanus. Musicalmente, é uma celebração do virtuosismo e da energia caótica, além da capacidade da banda de criar paisagens sonoras que desafiam a normalidade. Apesar de frenética, a faixa possui uma atmosfera ritualística que transporta o ouvinte para um ato cerimonial de pura intensidade. "We Must Know More" destaca-se por sua orquestração peculiar, onde tuba e trombone, instrumentos mais associados à música clássica, assumem o protagonismo em um cenário circense macabro. A ausência de guitarra e baixo não diminui a intensidade da faixa, que subverte o convencional e reinventa a musicalidade da banda. Os vocais de Nils Frykdahl soam como reprimendas, adicionando uma camada de tensão ao clima já denso da música.

"The Gift" é uma imersão nos reinos mais vanguardistas do rock progressivo, uma faixa que se distingue por seus ataques raivosos, tanto instrumentais quanto vocais. A intensidade da peça é simultaneamente inflamável e intransigente, enquanto as passagens sombrias preenchem os intervalos entre as explosões instrumentais viscerais. Esta faixa deixa uma impressão duradoura naqueles dispostos a explorar sua complexidade. "Hush, Hush" reintroduz a voz frágil e sussurrante de Kihlstedt, que guia a faixa através de uma construção gradativa, culminando em uma explosão instrumental onde o riff da guitarra se destaca. Após a sequência metálica, a música silencia novamente, permitindo que Kihlstedt retome o controle com uma habilidade ímpar. O vídeo da faixa, disponível no YouTube, é uma experiência audiovisual assombrosa, refletindo a capacidade da banda de provocar desconforto deliberado em cada frame.

"Save It!" é uma faixa que, apesar de curta, entrega uma explosão de criatividade e intensidade. Com menos de três minutos, a música mistura influências do rock progressivo de vanguarda em uma coreografia musical frenética e imprevisível e que desafia categorizações, além de oferecer uma experiência sonora inovadora. "Burn Into Light" é impetuosa, enérgica e complexa, equilibrando o cativante e o assustador em uma experiência multissensorial. O vídeo que acompanha a faixa eleva-a de um experimento musical para uma narrativa de horror visual, completando a experiência sonora com um caos mágico que se desenrola diante dos nossos olhos.

"Old Grey Heron" é a primeira faixa do álbum que eu recomendaria a alguém menos familiarizado com o som da banda. Embora menos experimental, ainda carrega a atmosfera sombria que permeia todo o disco, com menos vanguardismo, mas sem perder a essência da banda. A introdução de uma trombeta, ainda que tímida, é uma surpresa agradável em uma faixa que poderia ser considerada audaciosa por muitas bandas, mas que aqui se apresenta como uma das mais acessíveis. "Rose-Colored Song" encerra a jornada com uma peça que começa de forma quase alegre, mas que gradualmente se transforma em algo cada vez mais sombrio e aterrador. É um final que confirma a posição do Sleepytime Gorilla Museum como uma força criativa única e excepcional no movimento vanguardista do rock progressivo.

Ao ressurgir com Of The Last Human Being, o Sleepytime Gorilla Museum não apenas retorna ao cenário musical, mas o faz de maneira magistral. Desafiando fronteiras e explorando territórios inexplorados, o grupo demonstra uma vitalidade renovada, provando que a passagem do tempo não diminuiu sua audácia artística. Este retorno é mais do que um simples lançamento de disco, mas uma celebração da resiliência criativa e da contínua busca por novas fronteiras musicais.

========

========

========

========

Within the realm of progressive rock, Sleepytime Gorilla Museum stands out as an experimental and avant-garde rock band whose musical approach is undeniably challenging and unconventional, which might make it inaccessible to a broader audience. If you're the kind of listener who prefers more familiar and conventional sounds, this review, enthusiastic as it may be, might not convince you to listen to this album all the way through. The tendency might be to skip from track to track, even the two shorter pieces, each just a minute and a half long. I hope I'm exaggerating, but this is a fair warning.

Formed in 1999 in Oakland, California, Sleepytime Gorilla Museum has established itself as a unique entity in the music scene, blending a wide range of influences into an unmistakable artistic expression. Their live performances are as elaborate as their compositions, transcending the traditional rock show format and incorporating elements of theatrical performance that elevate the spectacle to another level. Additionally, the group adds an extra layer of complexity with possibly fictional narratives inspired by Dadaist artists and mathematicians, creating a lyrical environment as enigmatic as their music.

After a 13-year hiatus, the band's return with the album Of The Last Human Being on February 1, 2024, was a real event. I was surprised myself, as the band had ceased its activities since 2011, leading many to believe they had come to an end. However, their return not only reactivated their fan base but also brought forth an album that, in many ways, feels like a natural extension of their previous work.

During my research, I discovered that the band started working on Of The Last Human Being back in 2011, which explains why the album sounds like an organic continuation of its predecessor. Those who already appreciated the band's sound will likely continue to do so, while those who never connected with the group's approach may remain equally disconnected. However, the continuity does not prevent the album from surprising. Over its 65 minutes, Of The Last Human Being offers a sonic journey filled with intriguing moments.

The group's lineup remains the same since the release of In Glorious Times in 2007: Nils Frykdahl (guitar and vocals), Carla Kihlstedt (violin, percussion, guitar, bass, harmonica, and vocals), Michael Mellender (guitar, xylophone, trumpet, percussion, and vocals), Dan Rathbun (bass, dulcimer, and vocals), and Matthias Bossi (drums, glockenspiel, xylophone, piano, and backing vocals). This 17-year cohesion is reflected in a matured and refined sound, though the experimental essence remains intact.

The album opens with "Free Salamander in Two Worlds," a piece that references Theodora Kroeber's book Ishi in Two Worlds, but with poetic licenses and metaphors that transform the concept into something uniquely the band's own. The song evokes the biography of Ishi, the last known member of the Yahi tribe, whose life was marked by dramatic events that resonate with the history of his people. Musically, the piece develops with intricate melodic lines supported by a highly ornamented instrumental dynamic. The vocals, when deployed, are dark and evoke a deep sense of mourning, creating an atmosphere that overflows with harmonic richness.

"Fanfare for the Last Human Being," one of the album's shorter tracks, just over a minute and a half, is an instrumental piece that highlights Carla Kihlstedt's violin in a fusion of traditional folk and a dark aura. Even in its brevity, the track manages to envelop the listener in a rich and textured sonic tapestry, demonstrating the band's ability to create moments of great emotional intensity with few elements. "El Vivo" is a track that encapsulates the quirks that define the band's sound. While some may embrace these peculiarities, others may find it difficult to connect with them. The song's intricate construction is challenging, but it is impossible to remain indifferent to it. Kihlstedt delivers tempestuous violin attacks, brilliantly accompanied by industrial guitars and a sumptuous rhythm section. The vocals are terrifying, creating an intense listening experience that challenges and rewards those willing to venture into this territory.

"Bells for Kith and Kin" follows with a skillful transition from the bells that close the previous track. At just over a minute and a half, this piece is a reflective interlude that resonates like a musical prayer, providing an intriguing contrast to the album's more intense tracks. "Silverfish" brings Carla's melancholic and dark voice, guiding the listener through an ethereal, almost ritualistic atmosphere, where the violin creates a somber and enchanting soundscape. The music unfolds like a spiritual ritual, where light and darkness intertwine in a complex dance of sounds and emotions.

"S.P.Q.R." is a piece that evokes the Roman Empire in its title, which is an acronym for Senatus Populusque Romanus. Musically, it is a celebration of virtuosity and chaotic energy, as well as the band's ability to create soundscapes that challenge normality. Despite its frenetic pace, the track possesses a ritualistic atmosphere that transports the listener to a ceremonial act of pure intensity. "We Must Know More" stands out for its peculiar orchestration, where the tuba and trombone, instruments more associated with classical music, take center stage in a macabre circus-like setting. The absence of guitar and bass does not diminish the track's intensity, which subverts the conventional and reinvents the band's musicality. Nils Frykdahl's vocals sound like reprimands, adding a layer of tension to the already dense atmosphere of the music.

"The Gift" is an immersion into the most avant-garde realms of progressive rock, a track distinguished by its raging attacks, both instrumental and vocal. The intensity of the piece is simultaneously flammable and uncompromising, while the dark passages fill the gaps between the visceral instrumental explosions. This track leaves a lasting impression on those willing to explore its complexity. "Hush, Hush" reintroduces Kihlstedt's fragile and whispering voice, guiding the track through a gradual buildup, culminating in an instrumental explosion where the guitar riff stands out. After the metallic sequence, the music silences again, allowing Kihlstedt to take control once more with unparalleled skill. The video for the track, available on YouTube, is a haunting audiovisual experience, reflecting the band's ability to provoke deliberate discomfort in every frame.

"Save It!" is a track that, despite its brevity, delivers an explosion of creativity and intensity. At less than three minutes, the music blends influences from avant-garde progressive rock into a frenetic and unpredictable musical choreography that defies categorization, offering an innovative sonic experience. "Burn Into Light" is impetuous, energetic, and complex, balancing the captivating and the frightening in a multisensory experience. The accompanying video elevates it from a musical experiment to a visual horror narrative, completing the sonic experience with magical chaos unfolding before our eyes.

"Old Grey Heron" is the first track on the album that I would recommend to someone less familiar with the band's sound. Although less experimental, it still carries the dark atmosphere that pervades the entire record, with less avant-garde flair but without losing the band's essence. The introduction of a trumpet, albeit timid, is a pleasant surprise in a track that could be considered daring by many bands but here stands out as one of the most accessible. "Rose-Colored Song" concludes the journey with a piece that begins almost cheerfully but gradually transforms into something increasingly dark and frightening. It is an ending that confirms Sleepytime Gorilla Museum's position as a unique and exceptional creative force in the avant-garde progressive rock movement.

With the release of Of The Last Human Being, Sleepytime Gorilla Museum not only returns to the musical scene but does so in a masterful way. By challenging boundaries and exploring uncharted territories, the group demonstrates renewed vitality, proving that the passage of time has not diminished their artistic boldness. This return is more than just a new album release; it is a celebration of creative resilience and a continued quest for new musical frontiers.

NOTA: 10/10

Tracks Listing

1. Salamander in Two Worlds (6:31)
2. Fanfare for the Last Human Being (1:31)
3. El Evil (5:45)
4. Bells for Kith and Kin (1:26)
5. Silverfish (7:17)
6. S.P.Q.R. (4:05)
7. We Must Know More (3:36)
8. The Gift (6:11)
9. Hush, Hush (7:45)
10. Save It! (2:59)
11. Burn into Light (5:25)
12. Old Grey Heron (7:24)
13. Rose-Colored Song (5:46)

Ouça, "Hush, Hush"