Big Big Train - The Like of Us (2024)

 

Dentro da comunidade de entusiastas da música progressiva, é inevitável que o novo álbum do Big Big Train, intitulado The Like of Us, se torne uma das peças mais comentadas de 2024, dado todo o contexto que o envolve. Vale mencionar que o álbum anterior, Welcome to the Planet, apesar de ter sido lançado de forma póstuma a morte do vocalista David Longdon, falecido em 20 de novembro de 2021, obviamente, foi gravado enquanto ele ainda fazia parte da banda, acrescentando uma dimensão única à sua recepção e apreciação.

A relevância de Longdon no Big Big Train tornou-se evidente desde o seu disco de estreia com o grupo, The Underfall Yard. O músico deixou claro que sua presença na banda não se limitava apenas à função de vocalista, sendo um verdadeiro multi-instrumentista e compositor de mão cheia. Através de sua voz distintamente rouca, Longdon conferiu uma alma notável à música da banda, especialmente em projetos centrados em narrativas e histórias.

Quando Alberto Bravin foi revelado como o novo vocalista da banda, trazendo consigo sua experiência prévia como vocalista da Premiata Forneria Marconi, a transição não implicou simplesmente em entrar em estúdio para gravar o próximo álbum. Era essencial submeter-se a uma prova de fogo, avaliando a aceitação do público em apresentações ao vivo com Bravin na formação e perceber a extensão do acolhimento que ele receberia - ou não. A resposta positiva e maciça dos fãs, muito provavelmente, desempenhou um papel crucial em proporcionar à banda a confiança necessária para trabalhar de forma mais tranquila em novos materiais. A aceitação calorosa do público não apenas validou a escolha de Bravin como o novo vocalista, mas também contribuiu para um ambiente propício à criação de novas músicas, permitindo que a banda explorasse novas direções com uma base sólida de apoio dos seus seguidores.

Há uma semelhança marcante entre a entrada de Bravin na banda e a chegada de Longdon no que diz respeito ao papel ativo que ambos assumiram. Assim como Longdon, Bravin não expressou o desejo de ser apenas um intérprete em sua estreia, ele contribuiu significativamente para a composição, tendo seu nome associado a cinco das oito faixas do álbum. Além disso, Bravin desempenhou um papel adicional ao co-mixar o disco, trabalhando ao lado do engenheiro Rob Aubrey, um colaborador de longa data da banda. Essa participação proativa de Bravin na criação do álbum não apenas destaca sua versatilidade como músico, mas também solidifica sua posição como um membro integral e envolvido na dinâmica criativa do Big Big Train. Sua contribuição não se limita apenas à interpretação vocal, mas se estende à elaboração musical e à produção, demonstrando um compromisso sólido com o processo artístico do grupo.

Greg Spawton revelou como foi o seu primeiro contato com Bravin: Eu entrei em contato com Alberto puramente como vocalista, não como compositor ou amigo, mas ele se tornou todas essas coisas. Eu sempre preciso de alguém para trocar ideias, e pela segunda vez em minha vida, depois de David, tenho outro companheiro musical. Encontrar Alberto, que respeita as tradições da banda, mas também traz suas próprias ideias e energia incrível, foi um milagre. Sou incrivelmente abençoado.

Bravin, por sua vez, adiciona: Eu não tinha ideia se os caras estariam interessados nas outras coisas que eu sentia que era capaz de fazer, mas felizmente, eles estavam, e tudo progrediu de maneira tão natural. Assim como Greg, eu também procurei um parceiro musical durante toda a minha vida. Tenho orgulho dos dois álbuns que fiz com a Premiata Forneria Marconi, mas nunca tive a oportunidade de fazer algo assim. Juntamente com esse grupo extraordinário de pessoas, acredito que fizemos um belo álbum.

Spawton ainda revela que inicialmente chegou a ficar em dúvida se continuaria ou não com a banda: Inicialmente, não estava certo se continuar após o falecimento de Longdon era a coisa certa a se fazer, embora David e eu nos conhecêssemos tão bem que realmente tivemos uma conversa durante a qual ele me disse que, caso algo acontecesse com ele, a banda deveria continuar. O Big Big Train foi uma grande parte da vida musical de David e era o desejo dele que as músicas que ele escreveu continuassem sendo ouvidas. Nunca esqueceremos David, pois é óbvio que ele é uma grande parte da nossa história.

Atualmente o Big Big Train conta em sua formação com, Greg Spawton (baixo, violão de 12 cordas e Mellotron), Alberto Bravin (Vocais principais, violão, piano, teclados e arranjo de metais), - Nick D'Virgilio (bateria e percussão, vocais, violão de 12 cordas, vibrafone e arranjos de metais), Rikard Sjöblom (guitarra, órgão, teclados e vocais), Dave Foster (guitarra e vocais, ), Clare Lindley (violino, vocais e arranjo de cordas) e Oskar Holldorff (piano, órgão, sintetizadores, teclados, vocais e arranjos de corda).

"Light Left In The Day" é a peça de abertura do álbum. Mesmo sendo quase 100% instrumental, ainda possui letras o suficiente para transmitir uma mensagem que inspira coragem e um senso de perseverança, além de resistência diante de desafios ou dificuldades. Começa por meio de uma sonoridade serena, mas que não demora muito até que mude de direção, entregando a partir disso, uma instrumentação mais pesada e sinfônica que é fortalecida com algumas pinceladas de metais. Se existia ainda alguma chispa que seja de desconfiança em relação ao que a banda entregaria depois de passar por um período tão turbulento, digo com felicidade no coração, o Big Big Train segue firme com toda a sua essência e apogeu. "Oblivion" foi o primeiro single lançado pela banda. Talvez a ideia de primeiro single tenha surgido pelo fato dela soar, de certa forma, familiar. É uma peça de rock até mesmo direta, mas ainda assim, possui guitarras dinâmicas e ao mesmo tempo complexas e seção rítmica precisa, enquanto isso, os vocais de Bravin ecoam um tipo de entrega que é fundamental para que as músicas do Big Big Train funcionem como tem que ser.

"Beneath the Masts", com mais de 17 minutos é o épico do álbum. Logo em seus primeiros segundos é possível perceber que estamos diante de uma peça que segue os moldes clássicos da banda e vai crescendo de forma gradual, não havendo necessariamente alguém que se destaque – embora o trabalho de Clare Lindley no violino impressione em alguns pontos -, mas sim, um grupo de músicos sem vaidade e que se preocupam em soar brilhantemente enquanto conjunto. Devo destacar também a entrega de Bravin com sua performance maravilhosa em uma faixa que é explorado temas como jornada da vida, transição, despedida e reflexão sobre o tempo que passou.  "Skates On" não soa impressionante como as anteriores, algo que é inclusive muito bom, pois deixa o ouvinte recuperar o fôlego. Inicialmente, tem uma leveza acústica e depois se desenvolve dentro de uma harmonia requintada. A mensagem deixada aqui é positiva, de incentivo a valorização da vida e a busca por momentos significativos, além da superação de desafios e a apreciação do presente.

"Miramare", como o nome sugere, a banda faz uma alusão ao castelo de mesmo nome situado na cidade de Trieste (cidade de Bravin). Aqui, Bravin mais uma vez destaca-se como um intérprete excepcional e adorável com sua habilidade singular. Enquanto isso, a banda demonstra virtuosidade instrumental, entregando um desempenho primoroso. Tirando o solo de excelência e envolvente de violino – e outro de guitarra que soa mais veemente - a banda novamente – ou como costuma fazer na maioria das vezes - troca um testemunho voltado para habilidades individuais por um direcionamento onde todo o grupo se destaca dentro de passagens instrumentais cheias de energia e sofisticação. Em meio a isso, a música conta com um enredo que aborda  aborda viagem, separação, desafios, despedidas e sacrifício.

"Love Is The Light" é uma balada lindíssima, com certeza uma das melhores de todo o catálogo do grupo. A banda explora temas como luta, perseverança e a redescoberta do amor por meio de vocais que soam profundos, enquanto que instrumentalmente o destaque fica com os belos floreios de violino e o solo de guitarra, que dentro de sua simplicidade consegue entregar algo realmente emocional e que parece abraçar o ouvinte. Cada nota e acorde são como pinceladas cuidadosas, delineando um quadro sonoro que não só envolve os ouvidos, mas também toca a alma. Uma verdadeira mensagem de enfrentamento das adversidades, busca por amor e renovação, destacando que o amor pode ser uma fonte de luz e força – como o próprio título da música deixa claro.

"Bookmarks" é uma música que de forma muito emotiva, parece narrar uma jornada ao longo do tempo, cheia de lembranças, amizades duradouras e desafios. Quando os primeiros versos são cantados por Bravin é impossível não lembrar de Longdon. De clima pastoral, teclados, Mellotron e a voz desempenham papéis cruciais, revelando-se como elementos essenciais para a construção de uma atmosfera silenciosa, quase hipnótica. Conforme se desenvolve, cria-se na música uma aura melancólica e nostálgica, com vocais elegantes e bem harmonizados acompanhados por uma instrumentação bastante rica, destacando-se a graciosidade das guitarras e violino. 

"Last Eleven" marca o final desta extraordinária jornada musical. Foi a primeira composição da banda após a triste partida de Longdon, originalmente destinada a ser parte de um álbum intitulado Shallow Enders, um projeto que por razões diversas não se concretizou. Possui uma alternância entre momentos graves e delicados, soando como uma espécie de reflexo das nuances da própria vida. A peça se destaca por meio dos seus desenvolvimentos melódicos intricados, incorporando mudanças de compasso e “curvas fechadas” inesperadas que enriquecem a experiência auditiva com diversas cadências e reviravoltas. A banda parece estar mandando um recado para eles mesmos, transmitindo uma mensagem motivacional sobre resiliência, encontrar força na união, superar adversidades e redefinir o próprio valor, ou seja, tudo que eles tiveram que fazer para continuar seguindo com a banda após a morte de Longdon.

Com maestria, o Big Big Train prossegue mantendo habilmente a tradição de explorar brilhantemente os cantos mais acessíveis da música progressiva. Um disco que se destaca como uma obra melódica magnífica, onde composições notavelmente elaboradas e uma execução coletiva de alta qualidade se abraçam para criar algo verdadeiramente grandioso. O comprometimento com a qualidade musical ressoa em cada nota, mostrando a capacidade do grupo de evoluir e manter sua relevância ao longo do tempo. The Like of Us soa como uma carta de amor em que o grupo honra o seu passado e dedica aos fãs de longa data, ao mesmo tempo em que se revela como uma estação de embarque convidativa para novos apreciadores, enquanto aponta para um futuro intenso e cheio de promessas.

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Within the progressive music enthusiast community, it is inevitable that Big Big Train's new album, titled The Like of Us, will become one of the most talked-about releases of 2024, given all the context surrounding it. It’s worth mentioning that the previous album, Welcome to the Planet, although released posthumously after the death of lead singer David Longdon on November 20, 2021, was obviously recorded while he was still part of the band, adding a unique dimension to its reception and appreciation.

Longdon's relevance to Big Big Train became evident from his debut album with the group, The Underfall Yard. The musician made it clear that his role in the band was not limited to being just a vocalist but also included being a true multi-instrumentalist and a prolific songwriter. Through his distinctly raspy voice, Longdon imbued the band's music with a remarkable soul, especially in narrative and story-centered projects.

When Alberto Bravin was revealed as the new lead vocalist, bringing with him his previous experience as the vocalist of Premiata Forneria Marconi, the transition did not simply involve entering the studio to record the next album. It was essential to undergo a trial by fire, assessing the public's reception during live performances with Bravin in the lineup and gauging the extent of the welcome he would receive—or not. The overwhelmingly positive response from fans most likely played a crucial role in providing the band with the confidence needed to work more comfortably on new material. The warm acceptance from the audience not only validated Bravin's choice as the new vocalist but also contributed to a favorable environment for creating new music, allowing the band to explore new directions with a solid base of support from their followers.

There is a striking similarity between Bravin’s entry into the band and Longdon’s arrival regarding the active role both assumed. Like Longdon, Bravin did not express a desire to be merely a performer in his debut; he made significant contributions to songwriting, with his name associated with five of the album's eight tracks. Additionally, Bravin played a further role in co-mixing the album, working alongside longtime collaborator Rob Aubrey. Bravin’s proactive involvement in the album’s creation not only highlights his versatility as a musician but also solidifies his position as an integral and engaged member of Big Big Train's creative dynamic. His contribution extends beyond vocal performance to musical arrangement and production, demonstrating a strong commitment to the group's artistic process.

Greg Spawton revealed how his first contact with Bravin went: “I reached out to Alberto purely as a vocalist, not as a songwriter or friend, but he became all of those things. I always need someone to bounce ideas off of, and for the second time in my life, after David, I have another musical partner. Finding Alberto, who respects the band's traditions but also brings his own ideas and incredible energy, was a miracle. I feel incredibly blessed".

Bravin, in turn, adds: “I had no idea if the guys would be interested in the other things I felt I could do, but fortunately, they were, and everything progressed so naturally. Like Greg, I’ve also looked for a musical partner throughout my life. I’m proud of the two albums I did with Premiata Forneria Marconi, but I never had the chance to do something like this. Along with this extraordinary group of people, I believe we’ve made a beautiful album.”

Spawton also reveals that he initially had doubts about whether to continue with the band: “Initially, I wasn’t sure if continuing after Longdon’s death was the right thing to do, although David and I knew each other so well that we actually had a conversation where he told me that if something happened to him, the band should go on. Big Big Train was a big part of David’s musical life, and it was his wish for the music he wrote to continue being heard. We will never forget David, as he is obviously a huge part of our history.”

Currently, Big Big Train’s lineup includes Greg Spawton (bass, 12-string guitar, and Mellotron), Alberto Bravin (lead vocals, guitar, piano, keyboards, and brass arrangements), Nick D'Virgilio (drums and percussion, vocals, 12-string guitar, vibraphone, and brass arrangements), Rikard Sjöblom (guitar, organ, keyboards, and vocals), Dave Foster (guitar and vocals), Clare Lindley (violin, vocals, and string arrangements), and Oskar Holldorff (piano, organ, synthesizers, keyboards, vocals, and string arrangements).

“Light Left In The Day” is the opening track of the album. Despite being almost entirely instrumental, it still has enough lyrics to convey a message that inspires courage and a sense of perseverance, as well as resilience in the face of challenges or difficulties. It begins with a serene sound but soon changes direction, delivering a heavier and more symphonic instrumentation, enriched with some brass touches. If there was still any spark of doubt about what the band would deliver after going through such a turbulent period, I can happily say that Big Big Train remains true to its essence and grandeur. “Oblivion” was the first single released by the band. Perhaps the choice of first single was due to its somewhat familiar sound. It is a straightforward rock piece but still features dynamic and complex guitars and a precise rhythmic section, while Bravin’s vocals echo a delivery that is crucial for the band’s music to work as it should.

“Beneath the Masts,” over 17 minutes long, is the album’s epic. From its very first seconds, it is clear that we are facing a piece that follows the classic molds of the band and grows gradually, with no particular standout—though Clare Lindley’s work on the violin is impressive at times—but rather a group of musicians without vanity, who are concerned with sounding brilliant as a whole. Bravin’s delivery is also noteworthy with his wonderful performance on a track that explores themes such as the journey of life, transition, farewell, and reflection on the passage of time. “Skates On” doesn’t sound as impressive as the previous tracks, which is actually quite good as it allows the listener to catch their breath. Initially, it has an acoustic lightness and then develops into a refined harmony. The message here is positive, encouraging the appreciation of life and the pursuit of meaningful moments, as well as overcoming challenges and enjoying the present.

“Miramare,” as the name suggests, refers to the castle of the same name located in the city of Trieste (Bravin’s hometown). Here, Bravin once again stands out as an exceptional and charming performer with his unique ability. Meanwhile, the band demonstrates instrumental virtuosity, delivering a masterful performance. Aside from the excellent and engaging violin solo—and a more forceful guitar solo—the band again—or as they often do—opts for a focus on group dynamics within energetic and sophisticated instrumental passages. In the midst of this, the music features a narrative that addresses themes of travel, separation, challenges, farewells, and sacrifice.

“Love Is The Light” is a stunning ballad, definitely one of the best in the band’s entire catalog. The band explores themes of struggle, perseverance, and the rediscovery of love through deep-sounding vocals, while the highlights instrumentally are the beautiful violin flourishes and the guitar solo, which, within its simplicity, manages to deliver something truly emotional that seems to embrace the listener. Each note and chord are like careful brushstrokes, painting a sonic picture that not only captivates the ears but also touches the soul. A true message of facing adversity, seeking love, and renewal, emphasizing that love can be a source of light and strength—as the song’s title clearly indicates.

“Bookmarks” is a song that, in a very emotive way, seems to narrate a journey through time, full of memories, enduring friendships, and challenges. When the first verses are sung by Bravin, it’s impossible not to think of Longdon. With a pastoral ambiance, keyboards, Mellotron, and vocals play crucial roles, proving to be essential elements in creating a quiet, almost hypnotic atmosphere. As it develops, the music creates a melancholic and nostalgic aura, with elegant and well-harmonized vocals accompanied by a rich instrumentation, highlighting the gracefulness of the guitars and violin.

“Last Eleven” marks the end of this extraordinary musical journey. It was the band’s first composition after Longdon’s sad departure, originally intended to be part of an album called Shallow Enders, a project that, for various reasons, did not materialize. It features an alternation between solemn and delicate moments, sounding like a reflection of the nuances of life itself. The piece stands out through its intricate melodic developments, incorporating changes in tempo and unexpected “sharp turns” that enrich the listening experience with various cadences and twists. The band seems to be sending a message to themselves, conveying a motivational message about resilience, finding strength in unity, overcoming adversity, and redefining one’s value—that is, everything they had to do to keep the band going after Longdon’s death.

With mastery, Big Big Train continues to skillfully maintain the tradition of brilliantly exploring the accessible corners of progressive music. The album stands out as a magnificent melodic work, where notably elaborate compositions and high-quality collective execution come together to create something truly grand. The commitment to musical quality resonates in every note, showcasing the band’s ability to evolve and maintain their relevance over time. The Like of Us sounds like a love letter in which the band honors its past and dedicates it to long-time fans, while also serving as an inviting gateway for new listeners, pointing towards an intense and promising future.

NOTA: 10/10

Tracks Listing

1. Light Left in the Day (6:11)
2. Oblivion (5:28)
3. Beneath the Masts (17:26)
4. Skates On (4:28)
5. Miramare (10:18)
6. Love Is the Light (6:11)
7. Bookmarks (6:23)
8. Last Eleven (7:55)

Ouça, "Love Is the Light"

Big Big Train - English Electric Part Two (2013)

Quando ouvi pela primeira vez Electric Part One, fui tomado por uma sensação de êxtase diante de sua beleza. Entretanto, também surgiu em mim uma preocupação inevitável: será que a banda conseguiria manter o mesmo nível de excelência na continuação, mesmo que essa demorasse a ser lançada? Não precisei esperar nem mesmo um ano inteiro para que todas as minhas dúvidas fossem dissipadas. É impressionante pensar que ambas as partes podem ter sido compostas na mesma época, o que me deixou verdadeiramente espantado. Como uma banda conseguiu criar tanto material de qualidade absurdamente alta em um período tão curto? Nos anos 60 ou 70, isso não causaria tanto espanto, pois era comum ver bandas lançando discos sensacionais em sequência por quatro, cinco ou até seis anos. No entanto, no século XXI, esse é um feito bastante raro.

O álbum começa com a belíssima "East Coast Race", que considero não apenas o destaque deste disco, mas de toda a carreira da banda. A faixa é uma combinação perfeita de energia e beleza. Sua primeira metade exemplifica a sonoridade divertida e enérgica da banda, repleta de guitarra vibrante, bateria dinâmica e linhas de baixo sólidas. No entanto, mesmo em meio a esse "caos," a banda consegue criar melodias irresistíveis. Na segunda metade, eles revelam um lado mais sereno e atmosférico, com um trabalho de metais que prepara o terreno para uma conclusão dramática, ecoando o final de "Summoned By Bells," mas de maneira grandiosa e sinfônica. É um dos desfechos musicais mais arrepiantes de que tenho conhecimento.

"Swan Hunter" é mais uma balada encantadora, onde a instrumentação se entrelaça com os vocais emotivos de Longdon, gerando aquela sensação nostálgica que não se explica. Algo que a banda sabe representar muito bem em seu trabalho como um todo. Embora frequentemente associem a banda ao Genesis, nesta faixa consigo captar influências de Crosby, Stills e Nash, tanto na concepção quanto na execução. Quem sabe até seja uma sutil homenagem ao icônico trio. De qualquer forma, é uma composição muito bem construída.

"Worked Out" traz uma energia contagiante, com linhas vocais cativantes e um instrumental poderoso. A faixa transmite a sensação de que estamos ouvindo uma banda completamente à vontade, criando música que envolve a mente e nos prende pelas emoções. As guitarras se destacam, mas os teclados e a flauta também são perfeitamente encaixados, enriquecendo ainda mais a composição. "Leopards", a faixa mais curta do álbum, é praticamente um esforço solo de David Longdon, que além de cantar, tocou quase todos os instrumentos. Apesar de apresentar uma abordagem um pouco diferente, a música destaca-se pelos belos vocais e pelos trabalhos dramáticos de cordas. Melodicamente, pode não ser tão completa quanto as outras do disco, mas ainda assim é um registro atraente.

"Keeper of Abbeys" começa com uma linha otimista e possui um refrão alegre, mas por volta dos dois primeiros minutos, a música passa por uma mudança espetacular, onde harmonias vocais introduzem um novo tema. Contudo, o maior destaque é sem dúvida a seção instrumental. Não há outra palavra além de "perplexidade" para descrever minha reação. Considero o solo de violino de Rachel Hall o melhor desempenho de sua carreira, e como se não bastasse, é seguido por um solo de sitar igualmente sensacional. No álbum anterior, o piano não teve tanto destaque, mas aqui ele assume um papel muito mais presente. "The Permanent Way" é um excelente exemplo disso, com um trabalho de piano que se destaca desde a introdução até o desenvolvimento da música, trazendo consigo repetições de "Hedgerow" e "The First Rebreather", do disco anterior, conferindo ao ouvinte uma sensação conclusiva.

O álbum encerra com "Curator of Butterflies", uma faixa perfeitamente adequada para fechar o disco, deixando claro por que, apesar da sensação criada por "The Permanent Way", ela não foi escolhida para encerrar o trabalho. Dramática por natureza, "Curator of Butterflies" carrega algumas das melodias mais belas da banda, tanto instrumentais quanto vocais, que são incrivelmente atraentes. O piano, a flauta e as cordas estabelecem uma atmosfera dramática e sólida, culminando em uma conclusão aventureira para uma jornada musical fenomenal.

Por tudo o que foi dito até aqui, fica evidente que este é um álbum excelente do começo ao fim. Belo, nostálgico, melancólico e cheio de energia, English Electric Part Two e seu antecessor não podem ser deixados de fora de qualquer conversa sobre grandes discos do rock progressivo moderno.

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When I first listened to Electric Part One, I was overwhelmed by its sheer beauty. However, an inevitable concern crept in: could the band maintain the same level of excellence in the follow-up, even if it took some time to release? Fortunately, I didn’t have to wait a full year for all my doubts to be dispelled. It’s truly remarkable to think that both parts might have been composed around the same time, which left me genuinely astonished. How could a band create such an abundance of incredibly high-quality material in such a short span? In the 60s or 70s, this wouldn’t be as surprising, as it was common for bands to release sensational albums in quick succession for four, five, or even six years. But in the 21st century, this is quite a rare feat.

The album opens with the beautiful "East Coast Race", which I consider not only the highlight of this album but of the band’s entire career. The track is a perfect blend of energy and beauty. Its first half showcases the band’s fun and energetic sound, full of vibrant guitar, dynamic drums, and solid bass lines. Yet, amidst this "chaos," the band manages to craft irresistible melodies. In the second half, they reveal a more serene and atmospheric side, with brass work setting the stage for a dramatic conclusion, echoing the ending of "Summoned By Bells" but in a grand and symphonic manner. It’s one of the most spine-tingling musical finales I know.

"Swan Hunter" is another enchanting ballad, where the instrumentation intertwines with Longdon’s emotive vocals, evoking that inexplicable nostalgic feeling. It’s something the band knows how to represent very well throughout their work. Although the band is often compared to Genesis, in this track, I can sense influences from Crosby, Stills, and Nash, both in conception and execution. Perhaps it’s even a subtle homage to the iconic trio. Either way, it’s a very well-constructed composition.

"Worked Out brings" a contagious energy, with catchy vocal lines and powerful instrumentation. The track gives the impression that we’re listening to a band completely at ease, creating music that engages the mind and captures emotions. The guitars stand out, but the keyboards and flute are also perfectly integrated, further enriching the composition. "Leopards", the shortest track on the album, is practically a solo effort by David Longdon, who not only sings but also played most of the instruments. Despite presenting a slightly different approach, the song stands out for its beautiful vocals and dramatic string work. Melodically, it might not be as complete as the others on the album, but it’s still an appealing piece.

"Keeper of Abbeys" begins with an upbeat line and has a cheerful chorus, but around the two-minute mark, the music undergoes a spectacular shift, where vocal harmonies introduce a new theme. However, the most notable aspect is undoubtedly the instrumental section. There’s no other word but "perplexing" to describe my reaction. I consider Rachel Hall’s violin solo the best performance of her career, and as if that wasn’t enough, it’s followed by an equally sensational sitar solo. In the previous album, the piano didn’t have as much prominence, but here it plays a much more significant role. "The Permanent Way" is an excellent example of this, with piano work that stands out from the introduction through the development of the song, bringing back themes from "Hedgerow" and "The First Rebreather" from the Iprevious album, giving the listener a sense of closure.

The album closes with "Curator of Butterflies", a perfectly fitting track to end the record, making it clear why, despite the feeling created by "The Permanent Way", it wasn’t chosen as the final track. Dramatic by nature, "Curator of Butterflies" carries some of the band’s most beautiful melodies, both instrumental and vocal, which are incredibly captivating. The piano, flute, and strings establish a dramatic and solid atmosphere, culminating in an adventurous conclusion to a phenomenal musical journey.

For all that has been said, it’s clear that this is an excellent album from start to finish. Beautiful, nostalgic, melancholic, and full of energy, English Electric Part Two and its predecessor cannot be left out of any conversation about great modern progressive rock albums.

NOTA: 10/10

Tracks Listing:

1. East Coast Racer (15:43)
2. Swan Hunter (6:20)
3. Worked Out (7:30)
4. Leopards (3:54)
5. Keeper of Abbeys (6:58)
6. The Permanent Way (8:29)
7. Curator of Butterflies (8:44)

Ouça, "East Coast Racer"

Big Big Train - English Electric Part One (2012)

Ao ouvir English Electric Part One pela primeira vez, tive a certeza de que David Longdon era a mais nova e brilhante estrela do rock progressivo moderno. Suas contribuições vocais, aliadas às suas composições de flauta, elevaram o Big Big Train a um patamar raramente alcançado por bandas contemporâneas, dignas de ombrear com os grandes mestres dos anos 70. Este álbum é uma tapeçaria de composições sublimes e linhas estilísticas variadas que são sempre lideradas pela inigualável voz de Longdon. Liricamente também é sensacional, letras que são enriquecidas pela paixão que David imprime em cada nota, com músicas que parecem construídas com a precisão e a inspiração de um artista talentoso pintando um quadro vivo.

"The First Rebreather" abre o disco com a mesma imponência que "Dance on a Volcano" ou "A Musical Box" abriram seus respectivos álbuns clássicos. Desde o início, Nick D'Virgilio nos presenteia com uma performance incrível de bateria. A música é uma viagem através de mudanças dinâmicas, onde cada contribuição individual dos músicos encaixa-se perfeitamente, criando um todo coeso e espetacular. Os arranjos vocais são deslumbrantes, as letras profundamente bem escritas, e os instrumentistas tecem uma paisagem sonora que é maravilhosa. Embora a influência de Genesis seja evidente, ela nunca se sobrepõe ao que a banda traz de único. A segunda faixa, "Uncle Jack", é um daqueles momentos capazes de arrancar um sorriso instantâneo do ouvinte. Com harmonias vocais delicadas e uma sonoridade otimista, o banjo, tocado de forma incrivelmente criativa, assume o papel principal. É uma música cheia de vida, um verdadeiro raio de sol em forma sonora.

Quando ouvi "Winchester from St. Giles' Hill" pela primeira vez, foi a faixa que imediatamente se destacou como minha favorita, embora hoje seja difícil escolher uma entre tantas. Com um ritmo cativante e uma atmosfera envolvente, a música apresenta melodias e arranjos vocais de tirar o fôlego. As guitarras jazzísticas dialogam com a cena de Canterbury antes de se transformarem em uma peça sinfônica quase clássica. É uma canção de uma beleza rara, daquelas que deixam uma marca indelével no coração do ouvinte.

"Judas Unrepentant" inicia com uma introdução que nos primeiros segundos me trouxe à mente "Illegal Alien", uma das músicas que menos aprecio do Genesis. No entanto, essa impressão rapidamente se dissipa à medida que o coro e as pontes mostram a verdadeira identidade da canção. A seção suave e quase clássica que surge na metade da faixa é magistral. No geral, é uma música leve, animada e de ritmo acelerado, mas também com momentos de complexidade que surpreendem. O refrão, em particular, é tão cativante que permaneceu na minha mente por dias após a primeira audição.

"Summoned by Bells" abre com um piano que remete a "Everybody Wants to Rule the World" do Tears For Fears, uma referência que só acrescenta ao charme da faixa, dado o status icônico da banda pop. O baixo, melódico e criativo de Greg Spawton é perceptível e inesperado em sua abordagem. Nick D'Virgilio mostra mais uma vez sua maestria na bateria, enquanto a guitarra surge com doses exatas, enriquecendo a composição. No final da faixa, a música toma uma nova direção, com uma melodia suave liderada por um riff de baixo, trombetas e uma guitarra melodiosa, encerrando a canção com uma sensação de amor, delicadeza e carga emocional palpável. "Upton Hill" é uma daquelas canções que evocam nostalgia, mesmo sem um motivo aparente. É uma balada belíssima, onde violão, banjo, flauta, cordas e vozes femininas de apoio se unem de maneira harmoniosa, criando uma sensação única que toca profundamente.

Se eu tivesse que nomear a faixa mais sombria do álbum, sem dúvida seria "A Boy in Darkness". Esta música possui uma seção instrumental de alta velocidade, quase jazzística, onde todos os músicos brilham em suas performances – bateria, guitarra, flauta, cordas, percussão, órgão, e especialmente o violino, que define o clima sombrio da peça. As harmonias vocais intensificam o tom emocional, resultando em mais uma música brilhante.

O álbum fecha com "Hedgerow", uma faixa que surpreende com seus arranjos vocais deslumbrantes. O ponto alto da música é, sem dúvida, sua parte central, onde uma mudança de direção a leva para uma linha profundamente sinfônica, carregada de emoção, graças ao trabalho excepcional de flauta, violino e teclado. Um final apoteótico para um disco que consegue ser espetacular do primeiro ao último acorde.

English Electric Part One  é uma obra bem-sucedida em todos os seus aspectos, com uma estrutura musical impecável e fluxos de desenvolvimento que mantêm o ouvinte cativado do início ao fim. Embora fiel ao espírito progressivo, a Big Big Train consegue trazer à sua música uma acessibilidade que a torna atraente até mesmo para aqueles com gostos mais populares. Não estamos apenas ouvindo músicos tocando em estúdio; estamos testemunhando artesãos moldando o melhor de suas capacidades.

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When I first listened to English Electric Part One, I was certain that David Longdon was the newest and brightest star in modern progressive rock. His vocal contributions, combined with his flute compositions, elevated Big Big Train to a level rarely achieved by contemporary bands, worthy of standing shoulder to shoulder with the great masters of the '70s. This album is a tapestry of sublime compositions and varied stylistic lines, always led by Longdon's unmatched voice. Lyrically, it is also sensational, with lyrics enriched by the passion that David injects into every note, and songs that seem crafted with the precision and inspiration of a talented artist painting a living picture.

"The First Rebreather" opens the album with the same grandeur that "Dance on a Volcano" or "A Musical Box" brought to their respective classic albums. From the outset, Nick D'Virgilio treats us to an incredible drum performance. The song is a journey through dynamic changes, where each individual musician's contribution fits perfectly, creating a cohesive and spectacular whole. The vocal arrangements are stunning, the lyrics deeply well-written, and the musicians weave a sonic landscape that is marvelous. While the influence of Genesis is evident, it never overshadows what the band brings that is unique. The second track, "Uncle Jack", is one of those moments that can instantly bring a smile to the listener's face. With delicate vocal harmonies and an optimistic sound, the banjo, played incredibly creatively, takes center stage. It's a song full of life, a true ray of sunshine in sonic form.

When I first heard "Winchester from St. Giles' Hill", it immediately stood out as my favorite track, though it's hard to choose just one among so many. With a captivating rhythm and an enveloping atmosphere, the song features breathtaking melodies and vocal arrangements. The jazzy guitars dialogue with the Canterbury scene before transforming into an almost classical symphonic piece. It’s a song of rare beauty, one that leaves an indelible mark on the listener's heart.

"Judas Unrepentant" begins with an introduction that, in the first few seconds, reminded me of "Illegal Alien", one of my least favorite Genesis songs. However, that impression quickly dissipates as the chorus and bridges reveal the song's true identity. The soft, almost classical section that emerges halfway through the track is masterful. Overall, it’s a light, lively, and fast-paced song, but also with moments of complexity that surprise. The chorus, in particular, is so catchy that it stayed in my mind for days after the first listen.

"Summoned by Bells" opens with a piano that recalls "Everybody Wants to Rule the World" by Tears For Fears, a reference that only adds to the track’s charm, given the iconic status of the pop band. Greg Spawton's bass is melodic and creative, noticeable and unexpected in its approach. Nick D'Virgilio once again showcases his mastery on the drums, while the guitar appears in precise doses, enriching the composition. Towards the end of the track, the music takes a new direction, with a gentle melody led by a bass riff, trumpets, and a melodious guitar, closing the song with a palpable sense of love, delicacy, and emotional depth. "Upton Hill" is one of those songs that evoke nostalgia, even without an apparent reason. It’s a beautiful ballad, where acoustic guitar, banjo, flute, strings, and female backing vocals harmoniously unite, creating a unique sensation that deeply touches the listener.

If I had to name the album's darkest track, it would undoubtedly be "A Boy in Darkness". This song features a high-speed, almost jazzy instrumental section where all the musicians shine in their performances—drums, guitar, flute, strings, percussion, organ, and especially the violin, which sets the dark mood of the piece. The vocal harmonies intensify the emotional tone, resulting in yet another brilliant song.

The album closes with "Hedgerow", a track that surprises with its stunning vocal arrangements. The highlight of the song is undoubtedly its central part, where a change in direction leads it to a deeply symphonic line, laden with emotion, thanks to the exceptional work of flute, violin, and keyboard. A majestic ending to an album that manages to be spectacular from the first to the last chord.

English Electric Part One is a successful work in all aspects, with impeccable musical structure and developmental flows that keep the listener captivated from beginning to end. While faithful to the progressive spirit, Big Big Train manages to bring an accessibility to their music that makes it appealing even to those with more mainstream tastes. We are not just listening to musicians playing in a studio; we are witnessing craftsmen shaping the best of their abilities.

NOTA: 10/10

Tracks Listing:

1. The First Rebreather (8:32)
2. Uncle Jack (3:49)
3. Winchester from St Giles' Hill (7:16)
4. Judas Unrepentant (7:18)
5. Summoned by Bells (9:17)
6. Upton Heath (5:39)
7. A Boy in Darkness (8:03)
8. Hedgerow (8:52)

Ouça, "A Boy in Darkness"

 

Big Big Train - Grimspound (2017)

 

Em se tratando de século XXI, a Big Big Train tem sido, sem dúvida alguma, um dos principais nomes no mundo do rock progressivo mundial, lançando discos de extrema qualidade que a alavancaram a outro patamar. Eles realmente têm um som muito acessível e que responde aos desejos principalmente dos fãs principalmente de Genesis da era Peter Gabriel, que sempre gostaram de imaginar o que seria da banda se Phil Collins nunca tivesse assumido a liderança e a levado a um som mais calcado no pop dos anos 80.

A cada lançamento, a banda tem se tornado mais sólida no cenário mundial, conseguindo o que raras bandas, principalmente dessa geração, conseguem: definir sua própria direção e som, construindo uma atmosfera única e um universo sonoro deslumbrante. A musicalidade é sempre impressionante, demonstrando que o tempo, longevidade e um forte grupo colaborativo com a mesma ambição têm o poder de fazer com que a banda evolua ilimitadamente.

Grimspound abre com “Brave Captain”, um épico baseado em Albert Ball, um dos principais pilotos de caça inglês durante a Primeira Guerra Mundial. Traz uma introdução que pavimenta um clima atmosférico e assombroso antes da inclusão de todos os instrumentos, mostrando a cadência principal da canção. A música possui toques encantadores de flauta e violino, com David Longdon desempenhando um vocal muito expressivo e emotivo. A segunda faixa é a instrumental "On the Racing Line". Carrega consigo uma influência de jazz/fusion, algo inclusive novo em se tratando do grupo. Nick D'Virgilio mostra aqui porque pode ser considerado tranquilamente um dos melhores bateristas do mundo. Uma música linda.

“Experimental Gentlemen”, a introdução é suave e pastoral, dando ao ouvinte uma sensação de devaneio por meio de uma bateria serena que regimenta a canção, enquanto um belo trabalho de piano e flauta dão o tom da peça. Possui uma guitarra de toque brilhantemente evocativo e descritivo. Por vezes, o violino de Rachel Hall ocupa o centro da música, auxiliado e encorajado por um teclado emotivo que dá a sensação afetiva ao trabalho. A faixa também conta com um lindo solo de guitarra que atrai a atenção antes que a calmaria e reflexão se assentem sobre uma seção de piano, onde o som sutil do baixo de Greg Spawton se junta à bateria de Nick D'Virgilio e a uma guitarra que assombra a música até seu fim.

Em "Meadowland", o ouvinte é apresentado a um lugar onde as pessoas se reúnem para compartilhar seus pensamentos sobre as coisas que amam. É uma faixa requintadamente graciosa e que emociona, com um vocal sincero e que traz uma sensação de nostalgia. A interação entre violino e guitarra é genial. “Grimspound” tem uma introdução lenta e edificante, que rapidamente se instala em sua alma. Novamente, apresenta vocais bastante emotivos. É uma canção que personifica muito bem a banda e sua marca maravilhosa de rock progressivo pastoral. A música é cativante e suave, com uma cadência linda, sobre tudo a linha elegante de guitarra que só contribui para deixá-la com mais classe e charme.

Em “The Ivy Gate”, David Longdon tem a parceria de Judy Dyble, fundadora da banda de folk Fairport Convention. A fusão deu bastante certo, mostrando um folk elegante e um rock progressivo mais pastoral. A introdução é através de um banjo atmosférico. A voz de Judy acrescenta drama e suspense à música e uma aura misteriosa envolve a canção, somada com grandes sequências de violino. Também possui uma erupção liderada por um baixo dinâmico, dando mais força ao conjunto da obra. No fim, pode-se dizer que se trata de uma declaração musical extremamente poderosa.

Com mais de quinze minutos, “A Mead Hall In Winter” é a música mais longa do álbum. Uma peça bastante imersiva que parece pedir para que o ouvinte se envolva plenamente. Neste momento, David Longdon não é apenas o vocalista, mas um trovador apropriado, contando histórias através dos tempos. Possui um coro cativante e viciante, os vocais harmonizados são assombrosamente memoráveis e os pequenos fragmentos de violino e guitarra são a cola que brilhantemente segura todos os outros instrumentos juntos em uma perfeita engrenagem. Há uma seção instrumental fascinante no meio. Vocais e instrumentais entrelaçam-se e se combinam em uma entrega musical intrincada, mas ao mesmo tempo acessível. Um trabalho soberbo de órgão também merece menção, assim como a investida de violino. Quinze minutos de prazer sonoro que chega ao fim com vocais sedutores sobre uma música apaixonante ressoando aos ouvidos. Sensacional.

O álbum finaliza com “As The Crow Flies”, provavelmente a faixa mais pessoal e melancólica. Possui um timbre profundo e uma abertura com ar sombrio. O trabalho de guitarra é exemplar, como se o instrumento estivesse falando com o ouvinte. O momento em que a voz delicada de Rachel Hall se junta à música é de uma graça etérea e acrescenta esperança e desejo de levantar o sentimento de perda que pairava sobre tudo. A natureza sentimental da música deixa uma grande marca no coração e alma de quem entende e sente a sua mensagem, finalizando o álbum de uma forma que não poderia ser melhor.

Em última análise, Grimspound é um disco muito lindo de uma das bandas mais reverenciadas atualmente do rock progressivo. Apresentaram novamente canções que ratificam mais uma vez o porquê de terem a reputação que carregam. Não se trata apenas de músicas, mas de histórias, sejam factuais ou ficcionais, entregando um espetáculo profundamente envolvente e fascinante. Um belíssimo “castelo de areia” que uma maré jamais levará.

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In the 21st century, Big Big Train has undoubtedly been one of the leading names in the global progressive rock scene, releasing albums of exceptional quality that have elevated them to another level. They truly have a very accessible sound that resonates with fans, particularly those of Genesis from the Peter Gabriel era, who have always wondered what the band might have become if Phil Collins had never taken over and steered them towards a more 80s pop sound.

With each release, the band has become more solid on the world stage, achieving what few bands, especially from this generation, manage: defining their own direction and sound, creating a unique atmosphere and a stunning sonic universe. Their musicianship is always impressive, demonstrating that time, longevity, and a strong collaborative group with the same ambition have the power to make the band evolve endlessly.

Grimspound opens with “Brave Captain”, an epic based on Albert Ball, one of the top English fighter pilots of World War I. It starts with an introduction that sets an atmospheric and haunting mood before the inclusion of all instruments, showcasing the main cadence of the song. The track features charming touches of flute and violin, with David Longdon delivering a very expressive and emotional vocal performance. The second track is the instrumental "On the Racing Line." It carries a jazz/fusion influence, something new for the group. Nick D'Virgilio demonstrates why he is considered one of the best drummers in the world. It is a beautiful piece.

“Experimental Gentlemen” starts with a gentle, pastoral introduction, giving the listener a dreamy sensation through a serene drumbeat that drives the song, while beautiful piano and flute work set the tone. It features a brilliantly evocative and descriptive guitar. At times, Rachel Hall’s violin takes center stage, supported and encouraged by an emotive keyboard that adds an affectionate feel to the work. The track also includes a lovely guitar solo that captures attention before settling into a reflective piano section, where Greg Spawton’s subtle bass joins Nick D'Virgilio’s drums and a haunting guitar, leading the music to its end.

In "Meadowland", the listener is introduced to a place where people gather to share their thoughts on the things they love. It is a exquisitely graceful track that is emotionally moving, with sincere vocals and a nostalgic feel. The interplay between violin and guitar is brilliant. “Grimspound” features a slow, uplifting introduction that quickly settles into your soul. It again showcases very emotive vocals. The song embodies the band and their wonderful brand of pastoral progressive rock. It is captivating and smooth, with a beautiful cadence, especially the elegant guitar line that adds more class and charm.

In “The Ivy Gate”, David Longdon is joined by Judy Dyble, founder of the folk band Fairport Convention. The fusion works well, blending elegant folk with a more pastoral progressive rock. The introduction is through atmospheric banjo. Judy’s voice adds drama and suspense to the song, and a mysterious aura envelops it, combined with great violin sequences. It also features a dynamic bass eruption that strengthens the overall work. In the end, it can be said to be an extremely powerful musical statement.

With over fifteen minutes, “A Mead Hall In Winter” is the longest track on the album. It is an immersive piece that seems to invite the listener to fully engage. At this moment, David Longdon is not just the vocalist but an appropriate troubadour, telling stories through the ages. It features a captivating and addictive chorus, harmonized vocals that are hauntingly memorable, and small fragments of violin and guitar that brilliantly hold all the other instruments together in a perfect mechanism. There is a fascinating instrumental section in the middle. Vocals and instrumentals intertwine and combine in an intricate yet accessible musical delivery. A superb organ performance also deserves mention, as well as the violin contribution. Fifteen minutes of sonic pleasure that ends with seductive vocals over a passionate music that resonates in the ears. Sensational.

The album concludes with “As The Crow Flies”, probably the most personal and melancholic track. It has a deep timbre and a dark opening. The guitar work is exemplary, as if the instrument is speaking to the listener. The moment Rachel Hall’s delicate voice joins the music is ethereal and adds hope and a desire to lift the feeling of loss that pervades the track. The sentimental nature of the song leaves a significant mark on the heart and soul of those who understand and feel its message, ending the album in a way that could not be better.

Ultimately, Grimspound is a beautifully crafted album from one of the most revered bands in progressive rock today. They have once again delivered songs that reaffirm why they have the reputation they hold. It is not just about the music but about stories, whether factual or fictional, offering a deeply engaging and fascinating spectacle. A beautiful "sandcastle" that no tide will ever wash away.

NOTA:9/10

Tracks Listing:

1. Brave Captain (12:37)
2. On The Racing Line (5:12)
3. Experimental Gentlemen (10:01)
4. Meadowland (3:36)
5. Grimspound (6:56)
6. The Ivy Gate (7:27)
7. A Mead Hall In Winter (15:20)
8. As The Crow Flies (6:44)

Ouça, "A Mead Hall In Winter"