Caravan - For Girls Who Grow Plump In The Night (1973)

 

Embora seja bem diferente do aclamado In The Land Of Grey And Pink, For Girls Who Grow Plump In The Night mantém o alto padrão de excelência da banda. Pye Hastings, com seu trabalho de guitarra, infunde a obra com influências mais "pesadas", resultando em um som que se destaca por sua densidade e riqueza. O disco é uma aventura musical repleta de uma vasta gama de instrumentos, incluindo clarinete, saxofone tenor, barítono e alto, flautim, flauta, trompete, trombone, congas, viola, sintetizadores, além dos tradicionais baixo, bateria, guitarra e teclado. Cada faixa é uma viagem distinta, com sonoridades que vão do pastoral ao vigoroso, facilitando a absorção do ouvinte. Em alguns momentos, até se pode captar nuances de southern rock, revelando a versatilidade do Caravan.

O álbum abre com "Memory Lain, Hugh / Headloss", uma faixa dinâmica que revela uma rica paleta sonora. Com uma batida envolvente e um trabalho de guitarra acrobático, o baixo não apenas acompanha, mas se destaca com linhas marcantes. As incursões de flauta adicionam uma atmosfera bucólica, enquanto os metais oferecem toques de jazz, criando uma combinação que é ao mesmo tempo doce e enérgico. Na segunda parte da faixa, percebe-se uma clara influência do southern rock, lembrando a cadência de "Doraville" da Atlanta Rhythm Section.

"Hoedown" continua na linha da faixa anterior, mas com uma cadência mais acelerada. Embora não seja uma faixa que brilha, seu solo de viola é o ponto alto. Apesar de não ser essencial para o álbum, ela adiciona um toque de southern rock que complementa a diversidade do disco. "Surprise, Surprise" evoca os primeiros trabalhos da banda, sendo uma balada de melodia encantadora. Começa de forma delicada, com violão e voz, mas logo evolui com uma linha criativa de baixo criativa que se destaca quando a banda entra completa. O refrão apresenta harmonias vocais cativantes e a bateria traz uma energia contagiante. As letras, otimistas e nostálgicas, são engrandecidas por mais um belo solo de viola.

"C'thlu Thlu" rompe completamente com o clima das faixas anteriores, trazendo uma mudança drástica de humor. A atmosfera sombria é evidente desde os riffs de guitarra que são em sua maioria marcados por um ritmo de marcha. Contudo, o refrão alivia essa tensão com um tom mais leve e animado. As letras são inquietantes, descrevendo uma fuga de algo malévolo. O solo de órgão de David Sinclair adiciona uma camada sombria à música, que se desvia brevemente para uma sonoridade mais alegre liderada por saxofone, antes de retornar ao tom melancólico que encerra a faixa. "The Dog, The Dog, He's At It Again" possui um tom sincero e otimista, característico do estilo do grupo. Entretanto, por trás dessa serenidade, a letra revela um conteúdo ousado, sendo uma ode ao sexo oral. A faixa apresenta riffs marcantes de viola e um incrível solo de sintetizador, enriquecido por palmas criativas ao fundo. O arranjo vocal, surpreendentemente complexo, é comparável ao trabalho do Gentle Giant, um elogio que não pode ser subestimado.

"Be All Right / Chance Of A Lifetime" inicia com um riff envolvente e introduz um momento mais pesado no álbum. Com uma peça performática de violino e um solo de guitarra impressionante logo no primeiro minuto, a faixa evolui para uma linha mais suave, onde apenas bongos e viola acompanham a voz de Pye Hastings. As harmonias vocais, mais uma vez, se destacam e as guitarras elétricas retornam para outro solo de viola, que cresce até a música se acalmar novamente nos vocais de Pye. Geoffrey Richardson, apesar de ter tocado em apenas um álbum da banda, deixa sua marca com solos de viola que são memoráveis. 

"L'auberge du Sanglier / A Hunting We Shall Go / Pengola / Backwards / A Hunting We... (repri se)" encerra o disco com maestria, sendo um épico grandioso e magistral. Com uma rica sonoridade orquestral de apoio e o uso expressivo de violão e viola, a faixa transmite um humor melancólico. O baixo parece ser acústico, embora não haja certeza sobre isso. A música começa de forma suave, antes de explodir em uma seção principal, com órgão e viola distorcida assumindo o protagonismo, enquanto a guitarra elétrica faz intervenções pontuais. Um solo de guitarra brilhante é seguido por um solo de viola igualmente impressionante, culminando em um acorde onírico. O piano então assume a liderança, dando um tom mais triste, enquanto as cordas e metais da orquestra crescem em intensidade, levando a faixa a uma sonoridade rica e complexa. O álbum termina com uma explosão sonora que deixa o ouvinte com a sensação de ter experimentado algo verdadeiramente grandioso.

Em suma, For Girls Who Grow Plump In The Night é uma obra de destaque, cuja excelência musical é inegável. Cada faixa demonstra uma habilidade técnica e criatividade que cativam o ouvinte, enquanto a fluidez com que o álbum se desenvolve proporciona uma experiência auditiva cativante e agradável.

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Although it is quite different from the acclaimed In The Land Of Grey And Pink, For Girls Who Grow Plump In The Night maintains the high standard of excellence that defines the band. Pye Hastings, with his guitar work, infuses the album with heavier influences, resulting in a sound that stands out for its density and richness. The album is a musical adventure filled with a wide array of instruments, including clarinet, tenor, baritone, and alto saxophones, piccolo, flute, trumpet, trombone, congas, viola, synthesizers, in addition to the traditional bass, drums, guitar, and keyboards. Each track is a distinct journey, with sounds ranging from pastoral to vigorous, making it easy for the listener to get absorbed. At times, one can even detect nuances of southern rock, revealing the versatility of Caravan.

The album opens with "Memory Lain, Hugh / Headloss," a dynamic track that showcases a rich sonic palette. With an engaging beat and acrobatic guitar work, the bass doesn't just follow but stands out with striking lines. The flute excursions add a bucolic atmosphere, while the brass injects jazzy touches, creating a combination that is both sweet and energetic. In the second part of the track, a clear southern rock influence is evident, reminiscent of the cadence of "Doraville" by the Atlanta Rhythm Section.

"Hoedown" continues in the vein of the previous track but with a more upbeat tempo. Although it doesn't shine as brightly, its viola solo is the highlight. While not essential to the album, it adds a touch of southern rock that complements the diversity of the record. "Surprise, Surprise" evokes the band's earlier works, being a ballad with a charming melody. It begins delicately with acoustic guitar and vocals but soon evolves with a creative bass line that stands out when the full band kicks in. The chorus features captivating vocal harmonies, and the drums bring an infectious energy. The lyrics, optimistic and nostalgic, are elevated by another beautiful viola solo.

"C'thlu Thlu" completely breaks the mood of the previous tracks, bringing a drastic change in tone. The dark atmosphere is evident from the guitar riffs, which are mostly marked by a marching rhythm. However, the chorus alleviates this tension with a lighter and more upbeat tone. The lyrics are unsettling, describing an escape from something malevolent. David Sinclair's organ solo adds a dark layer to the music, which briefly shifts to a more joyful sound led by saxophone before returning to the melancholic tone that closes the track. "The Dog, The Dog, He's At It Again" has a sincere and optimistic tone, characteristic of the group's style. However, behind this serenity, the lyrics reveal a bold content, being an ode to oral sex. The track features striking viola riffs and an incredible synthesizer solo, enriched by creative handclaps in the background. The vocal arrangement, surprisingly complex, is comparable to the work of Gentle Giant, a compliment that cannot be underestimated.

"Be All Right / Chance Of A Lifetime" starts with an engaging riff and introduces a heavier moment in the album. With a performative violin piece and an impressive guitar solo within the first minute, the track evolves into a smoother line, where only bongos and viola accompany Pye Hastings' voice. The vocal harmonies once again stand out, and the electric guitars return for another viola solo, which builds until the music calms down again with Pye's vocals. Geoffrey Richardson, despite playing on only one of the band's albums, leaves his mark with memorable viola solos.

"L'auberge du Sanglier / A Hunting We Shall Go / Pengola / Backwards / A Hunting We... (repri se)" closes the album masterfully, being a grand and majestic epic. With a rich orchestral sound and the expressive use of guitar and viola, the track conveys a melancholic mood. The bass seems to be acoustic, though this is uncertain. The music starts gently before exploding into the main section, with organ and distorted viola taking the lead while the electric guitar makes occasional interventions. A brilliant guitar solo is followed by an equally impressive viola solo, culminating in a dreamlike chord. The piano then takes the lead, giving a sadder tone, while the strings and brass of the orchestra grow in intensity, leading the track to a rich and complex sound. The album ends with a sonic explosion that leaves the listener with the feeling of having experienced something truly grand.

In summary, For Girls Who Grow Plump In The Night is a standout work whose musical excellence is undeniable. Each track demonstrates technical skill and creativity that captivates the listener, while the album's smooth progression provides an engaging and pleasant listening experience.

NOTA: 9.5/10

1a. Memory Lain, Hugh (5:00)
1b. Headloss (4:14)
2. Hoedown (3:18)
3. Surprise, Surprise (4:05)
4. C'thlu Thlu (6:12)
5. The Dog, the Dog, He's at It Again (5:38)
6. Be Alright / Chance of a Lifetime (6:35)
7. L'auberge du Sanglier / A Hunting We Shall Go / Pengola / Backwards / A Hunting We... (reprise) (10:05)

Ouça, "Memory Lain, Hugh / Headloss"

Jumbo - Vietato Ai Minori Di 18 Anni ? (1973)

 

Vietato Ai Minori Di 18 Anni? é um clássico do rock progressivo italiano que se destaca por sua ousadia e abordagem temática controversa. Embora bandas como Premiata Forneria Marconi, Banco del Mutuo Soccorso e Le Orme sejam frequentemente celebradas como as principais representantes do rock progressivo italiano, há muitas outras formações que oferecem experiências musicais intrigantes e complexas. O Jumbo é um exemplo notável dessa diversidade, oferecendo um som que pode ser até mais enigmático e provocativo, especialmente para aqueles dispostos a explorar além dos nomes mais conhecidos.

O título do álbum, que se traduz como “Proibido para menores de 18 anos?”, reflete a abordagem audaciosa e sem censura do grupo. O LP aborda questões sociais e culturais desconfortáveis e frequentemente evitadas, como homossexualidade, masturbação, alienação, alcoolismo, toxicodependência, prostituição e religião. A banda opta por explorar esses temas sem recorrer a alegorias ou disfarces, proporcionando uma visão crua e direta das inquietações que permeiam a sociedade. O álbum é intenso e multifacetado, apresentando uma atmosfera densa que mistura elementos de agressividade e introspecção, com momentos de religiosidade inesperados.

A abertura do álbum, “Specchio”, é um exemplo brilhante da capacidade do Jumbo de combinar diferentes texturas e dinâmicas musicais. Os vocais de Alvaro Fella surgem com força e acolhimento, criando uma base sólida sobre a qual a música se desenvolve. A faixa apresenta uma mistura envolvente de passagens enérgicas e seções mais serenas, com o uso de guitarra acústica e elétrica, órgão, flautas e linhas marcantes de baixo. A bateria poderosa complementa a construção da faixa, enquanto uma pausa instrumental, destacando o violino e o piano em um contexto sombrio, oferece um contraste fascinante. É um começo excelente para o álbum.

“Come Vorrei Essere Uguale A Te” inicia com um piano distante e que rapidamente cede lugar a uma guitarra acústica e depois a uma guitarra elétrica. A linha de baixo é destacada e muito bem executada, enquanto os vocais são contidos e reservados. A segunda metade da música ganha uma nova dimensão com uma bateria mais agressiva e que intensifica a experiência auditiva. “Il Ritorno Del Signor K.” proporciona um respiro necessário no álbum, apresentando uma construção tranquila com guitarra folk e piano. Os vocais são emotivos e a faixa oferece um momento de calmaria antes de seu final um tanto desconcertante que pode deixar o ouvinte com uma sensação de inquietude.

“Via Larga” começa de maneira intrincada e cheia de sons variados, evocando a sensação de um desenho animado em alguns momentos. A música inclui um vocal excelente seguido por um interlúdio pastoral liderado por uma flauta que guia a música através de uma seção instrumental bela e envolvente. A faixa alterna entre momentos serenos e enérgicos, antes de concluir de maneira suave. “Gil” representa o ponto mais experimental do álbum, com passagens assustadoras e influências orientais. Os sons tribais são complementados por Mellotrons e vocais experimentais, tornando a faixa um desafio para o ouvinte, mas também uma experiência muito bem direcionada e coesa.

“Vangelo” continua na atmosfera caótica da faixa anterior, mas com uma maior variedade instrumental. Em menos de seis minutos, a música é capaz de ser suave, melódica, selvagem e poderosa. A diversidade e complexidade da faixa são destacadas pela interação dos instrumentos – guitarra, baixo, bateria e teclados – que brilham em diferentes momentos. “40 Gradi” é talvez a melhor performance vocal de Alvaro Fella no álbum. A faixa combina linhas de baixo pulsantes, trabalhos psicodélicos de guitarra, uma bateria bem posicionada e teclados oníricos, com o uso de saxofone que embora moderado é excelente. A combinação de elementos cria uma faixa marcante e envolvente. “No!” fecha o álbum com uma introdução de guitarra acústica dedilhada que é acompanhada por flauta e baixo. Os vocais são teatrais e a presença do Mellotron é notável, enquanto a bateria e o baixo se destacam com uma sonoridade pesada. A flauta e o órgão adicionam uma camada adicional de complexidade à faixa. Apesar de sua brevidade, “No!” é uma faixa de enceramento eficaz e memorável.

Embora Vietato Ai Minori Di 18 Anni? não seja necessariamente considerado uma obra-prima do rock progressivo italiano,  sem dúvida é um álbum clássico e significativo. Com suas ideias musicais fortes e liricamente perturbadoras, ele se alinha facilmente com bandas como Comus ou Jan Dukes de Gray, oferecendo uma visão única e desafiadora dentro do gênero.

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Vietato Ai Minori Di 18 Anni? is a classic of Italian progressive rock that stands out for its boldness and controversial thematic approach. While bands like Premiata Forneria Marconi, Banco del Mutuo Soccorso, and Le Orme are often celebrated as the main representatives of Italian progressive rock, there are many other formations that offer intriguing and complex musical experiences. Jumbo is a notable example of this diversity, offering a sound that can be even more enigmatic and provocative, especially for those willing to explore beyond the more well-known names.

The album title, which translates to "Forbidden to minors under 18?", reflects the group's audacious and uncensored approach. The LP addresses uncomfortable and often avoided social and cultural issues such as homosexuality, masturbation, alienation, alcoholism, drug addiction, prostitution, and religion. The band chooses to explore these themes without resorting to allegories or disguises, providing a raw and direct view of the anxieties that permeate society. The album is intense and multifaceted, presenting a dense atmosphere that mixes elements of aggression and introspection, with unexpected moments of religiosity.

The album's opener, "Specchio," is a brilliant example of Jumbo's ability to combine different musical textures and dynamics. Alvaro Fella's vocals emerge with strength and warmth, creating a solid foundation upon which the music develops. The track features an engaging mix of energetic passages and more serene sections, with the use of acoustic and electric guitar, organ, flutes, and prominent bass lines. The powerful drumming complements the construction of the track, while an instrumental break, highlighting violin and piano in a somber context, offers a fascinating contrast. It is an excellent start to the album.

"Come Vorrei Essere Uguale A Te" begins with a distant piano that quickly gives way to an acoustic guitar and then to an electric guitar. The bass line is highlighted and very well executed, while the vocals are contained and reserved. The second half of the song gains a new dimension with more aggressive drumming that intensifies the listening experience. "Il Ritorno Del Signor K." provides a necessary breath in the album, presenting a calm construction with folk guitar and piano. The vocals are emotional, and the track offers a moment of calm before its somewhat unsettling ending that may leave the listener with a sense of unease.

"Via Larga" starts in an intricate manner, full of varied sounds, evoking the feeling of a cartoon at times. The song includes excellent vocals followed by a pastoral interlude led by a flute that guides the music through a beautiful and engaging instrumental section. The track alternates between serene and energetic moments before concluding smoothly. "Gil" represents the most experimental point of the album, with eerie passages and Eastern influences. Tribal sounds are complemented by Mellotrons and experimental vocals, making the track challenging for the listener but also a well-directed and cohesive experience.

"Vangelo" continues in the chaotic atmosphere of the previous track, but with a greater instrumental variety. In less than six minutes, the music manages to be gentle, melodic, wild, and powerful. The diversity and complexity of the track are highlighted by the interaction of the instruments—guitar, bass, drums, and keyboards—which shine at different moments. "40 Gradi" is perhaps Alvaro Fella's best vocal performance on the album. The track combines pulsating bass lines, psychedelic guitar work, well-positioned drumming, and dreamy keyboards, with the use of saxophone that, although moderate, is excellent. The combination of elements creates a striking and engaging track. "No!" closes the album with a fingerpicked acoustic guitar introduction that is accompanied by flute and bass. The vocals are theatrical, and the presence of the Mellotron is notable, while the drums and bass stand out with a heavy sound. The flute and organ add an additional layer of complexity to the track. Despite its brevity, "No!" is an effective and memorable closing track.

While Vietato Ai Minori Di 18 Anni? may not necessarily be considered a masterpiece of Italian progressive rock, it is undoubtedly a classic and significant album. With its strong musical ideas and disturbing lyrics, it easily aligns with bands like Comus or Jan Dukes de Grey, offering a unique and challenging vision within the genre.

NOTA: 8.5/10

Tracks Listing

1. Specchio (7:23)
2. Come Vorrei Essere Uguale A Te (5:43)
3. Il Ritorno Del Signor K (2:03)
4. Via Larga (6:59)
5. Gil (7:12)
6. Vangelo? (5:41)
7. 40 Gradi (6:41)
8. No! (2:21)

Ouça, " Specchio"

Gentle Giant - In A Glass House (1973)

 

In A Glass House,  quinto disco do Gentle Giant, é mais uma obra-prima de uma banda no auge de sua criatividade e capacidade musical. Este álbum se destaca como uma parte essencial do rico catálogo da banda, mantendo a sonoridade excêntrica que sempre foi uma marca registrada do grupo, mas de forma ainda mais natural e fluida. O Gentle Giant continuava a explorar sua liberdade artística de forma desenfreada, sem medo de experimentar e combinar suas vastas influências musicais, que iam do rock ao jazz, passando pela música clássica e renascentista. A química entre os membros era palpável e nada parecia ser capaz de deter as mentes brilhantes desses pioneiros do rock progressivo eclético.

O disco começa com "Runaway", uma faixa que se inicia de maneira intrigante, com o som rítmico de vidro quebrando, um começo inusitado, mas que se revela perfeitamente apropriado. A música então evolui para um progressivo de altíssimo nível, repleto de melodias complexas e uma instrumentação variada. Há seções que remetem a coros medievais, com teclados que brilham ao longo da canção. O solo de vibrafone é êxtase puro, algo que só poderia surgir do universo criativo da banda. Além disso, até as letras são intrigantes, o que torna "Runaway" uma abertura magistral para o álbum.

"An Inmates Lullaby" é uma faixa completamente feita na percussão, o que já a torna peculiar, mesmo para os padrões do Gentle Giant. A melodia tem um tom infantil, mas ao mesmo tempo perturbador e bizarro, o que se encaixa muito bem na temática da música, que trata de alguém em um hospital psiquiátrico. É uma faixa extremamente original, que adiciona diversidade ao álbum, mostrando que o grupo não tinha medo de explorar novas sonoridades. "Way Of Life" é uma faixa enérgica e uma das mais cativantes do álbum. O baixo assume um papel dominante, junto com os sintetizadores, enquanto a música alterna entre um ritmo frenético e uma seção mais serena, com órgão e vocais suaves. A faixa é equilibrada, com diferentes instrumentos assumindo o protagonismo em diferentes momentos, além de também possuir dissonâncias interessantes entre as partes vocais e instrumentais.

"Experience" é uma composição maravilhosa, com teclados inventivos combinados com uma guitarra acústica intrincada tocada em alta velocidade. A música é complexa, mas extremamente agradável, possuindo uma estrutura que compreende diversas formas diferentes, com momentos imprevisíveis e mudanças de tempo virtuosas. A influência medieval também é marcante, acrescentando uma camada extra de profundidade à faixa. "Reunion" é uma música curta, mas fantástica. O violino é lindo e o baixo perfeito. Apesar de sua simplicidade e curta duração, a faixa é emocionante e cheia de doçura, adicionando ainda mais diversidade a um álbum já incrivelmente variado. Confesso que inicialmente eu a subestimei por seu tamanho e construção simples, mas com o tempo percebi que se trata de uma peça belíssima que se encaixa perfeitamente no contexto do disco.

O disco termina de maneira brilhante com a faixa-título. Um excelente riff acústico com harmônicos dá início à música, seguido por um frenesi de violino. Esta faixa é sem dúvida uma das minhas composições progressivas favoritas de todos os tempos. As partes vocais, a instrumentação, o equilíbrio entre os inúmeros ingredientes que compõem a música, tudo a direciona com sabedoria e maestria. A faixa finaliza com dois segundos de cada música do álbum, seguidos pelo som de vidro quebrando, encerrando o disco de forma impactante.

O Gentle Giant não é uma banda definida por um ou dois álbuns, mas por uma fase inteira de excelência, e In A Glass House é uma preciosidade dessa era em que tudo funcionava perfeitamente. A banda prova que é possível fazer música complexa, brilhante e ao mesmo tempo, se divertir no processo.

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In A Glass House, the fifth album by Gentle Giant, is yet another masterpiece from a band at the peak of its creativity and musical prowess. This album stands out as an essential part of the band's rich catalog, maintaining the eccentric sound that has always been the group's trademark, but in an even more natural and fluid way. Gentle Giant continued to explore their artistic freedom with reckless abandon, unafraid to experiment and combine their vast musical influences, ranging from rock to jazz, classical, and Renaissance music. The chemistry between the members was palpable, and nothing seemed capable of stopping the brilliant minds of these pioneers of eclectic progressive rock.

The album opens with "Runaway," a track that begins intriguingly with the rhythmic sound of breaking glass—a peculiar start, but one that proves to be perfectly fitting. The music then evolves into high-level progressive rock, full of complex melodies and varied instrumentation. There are sections reminiscent of medieval choruses, with keyboards shining throughout the song. The vibraphone solo is pure ecstasy, something that could only emerge from the band's creative universe. Moreover, even the lyrics are intriguing, making "Runaway" a masterful opening to the album.

"An Inmates Lullaby" is a track entirely composed of percussion, which already makes it peculiar, even by Gentle Giant's standards. The melody has a childlike tone, but it's also disturbing and bizarre, fitting perfectly with the song's theme, which deals with someone in a psychiatric hospital. It's an extremely original track that adds diversity to the album, showing that the group was unafraid to explore new sounds. "Way Of Life" is an energetic track and one of the most captivating on the album. The bass takes on a dominant role, along with the synthesizers, while the music alternates between a frenetic rhythm and a more serene section with organ and soft vocals. The track is well-balanced, with different instruments taking the lead at different moments, and it also features interesting dissonances between the vocal and instrumental parts.

"Experience" is a wonderful composition, with inventive keyboards combined with an intricate acoustic guitar played at high speed. The music is complex but extremely pleasant, with a structure that comprises various different forms, unpredictable moments, and virtuosic tempo changes. The medieval influence is also strong, adding an extra layer of depth to the track. "Reunion" is a short but fantastic song. The violin is beautiful, and the bass is perfect. Despite its simplicity and short duration, the track is emotional and full of sweetness, adding even more diversity to an already incredibly varied album. I must admit that I initially underestimated it due to its size and simple construction, but over time I realized it is a beautiful piece that fits perfectly within the context of the album.

The album ends brilliantly with the title track. An excellent acoustic riff with harmonics kicks off the music, followed by a frenzy of violin. This track is undoubtedly one of my all-time favorite progressive compositions. The vocal parts, the instrumentation, the balance between the numerous elements that make up the music—all are handled with wisdom and mastery. The track concludes with two seconds of each song from the album, followed by the sound of breaking glass, closing the album in an impactful manner.

Gentle Giant is not a band defined by one or two albums but by an entire phase of excellence, and In A Glass House is a gem from that era when everything worked perfectly. The band proves that it's possible to make complex, brilliant music while having fun in the process.

NOTA: 10/10

Tracks Listing

1. The Runaway (7:15)
2. An Inmate's Lullaby (4:40)
3. Way of Life (7:52)
4. Experience (7:50)
5. A Reunion (2:11)
6. In a Glass House (8:26)

Ouça, "In a Glass Hous"

Banco Del Mutuo Soccorso - Io Sono Nato Libero (1973)

Io Sono Nato Libero é uma das maiores obras-primas do rock progressivo italiano. O terceiro álbum do Banco Del Mutuo Soccorso é um exemplo supremo de como a banda conseguiu combinar complexidade e variedade de estilos em uma coesão sonora que, para alguns, inicialmente pode parecer confusa, mas real é que tudo flui de maneira magnífica, mantendo atenção do ouvinte do início ao fim.

Io Sono Nato Libero é um trabalho incrivelmente denso e comprometido, exigindo tempo e dedicação para penetrar completamente em sua rica "arquitetura musical". Comparado ao disco de estreia e ao aclamado Darwin!, aqui a banda oferece um espaço maior para as guitarras, destacando um crescimento evidente da banda, que parece ter amadurecido, desenvolvendo um estilo verdadeiramente pessoal. Este também é o primeiro álbum a contar com o guitarrista Rodolfo Maltese, embora ele tenha sido creditado apenas como músico convidado. Seu toque, no entanto, é essencial para a "alquimia musical" que define o disco, complementando de maneira primorosa o trabalho intricado de piano e teclados dos irmãos Nocenzi, e a voz inconfundível de Francesco Di Giacomo.

A abertura do álbum é marcada pelo épico “Canto Nomade Per Un Prigioniero Politico”, uma suíte de mais de quinze minutos que começa com um teclado minimalista e logo revela a bela e poderosa voz de Di Giacomo. À medida que a faixa se desenvolve, bateria e baixo entram em cena, conferindo uma dinâmica intensa à música. Aqui, o Banco nos oferece um dos melhores exemplos do que o rock progressivo significa: uma estrutura complexa que, em certos momentos, evoca comparações com o King Crimson, especialmente nos toques jazzy, mas sempre mantendo uma melodia sólida como alicerce. Esta faixa inicial exibe uma impressionante diversidade de estilos, uma linha vocal melódica e uma forte influência da música clássica e de vanguarda. Cada segmento é meticulosamente construído, com o piano e o teclado sendo usados de maneira intercambiável, criando um tapete sonoro que ora se entrelaça com a guitarra, ora com a bateria, resultando em uma peça repleta de nuances únicas e estruturas complicadas, porém, perfeitamente direcionadas.

Em seguida, “Non Mi Rompete” oferece um contraste interessante. Com uma sonoridade pop mais acessível, marcada por melodias agradáveis e multicamadas, essa faixa parece feita para ser um single de sucesso, ainda que não se encaixe exatamente no molde de uma balada tradicional. Sua fluidez, que desafia convenções, quebra a complexidade da faixa anterior, exemplificando a diversidade estilística da banda. Mesmo nos momentos mais acelerados, a guitarra acústica mantém o ritmo, enquanto a ausência de bateria confere um toque singular à música. Francesco Di Giacomo, como sempre, brilha com sua gama vocal impressionante, que é sem dúvida, uma das mais notáveis de todo o universo progressivo.

“La Città Sottile” nos leva a uma mudança radical de direção, apresentando uma espécie de jazz sinfônico. Aqui, a banda opta por uma estrutura relativamente simples, enriquecida por um toque jazzístico através do estilo de guitarra, combinado com os trabalhos vanguardistas de piano e teclados. Em alguns momentos, o piano ressoa com a força poderosa de Rachmaninoff, criando uma peça que surpreende em sua execução e composição.

“Dopo... Niente È Più Lo Stesso” mergulha em temas mais sombrios, refletindo a história de um soldado que retorna da Batalha de Stalingrado. A música captura perfeitamente o sentimento de desolação e transformação, com uma seção dissonante onde a flauta doce entra em conflito com o resto dos instrumentos, especialmente o piano. Os vocais de Di Giacomo são particularmente expressivos aqui, e a atmosfera ambiente da faixa é magistralmente construída. A música alterna entre momentos suaves, dominados pelo vocal e teclado, e passagens frenéticas que remetem à veia mais experimental do King Crimson. O baixo, especialmente no final, se torna pulsante e dominante, encerrando a faixa com uma força avassaladora.

O álbum encerra com a curta peça instrumental “Traccia II”, onde a banda demonstra seu lado quase totalmente clássico, exceto pelos toques de Moog e bateria que nos trazem de volta ao território progressivo. A interação entre os irmãos Gianni e Vittorio Nocenzi é simplesmente espetacular, com o piano e os teclados criando uma tapeçaria sonora rica e repleta de camadas.

Não há dúvida de que, com Io Sono Nato Libero, o Banco Del Mutuo Soccorso nos ofereceu a quintessência de sua arte. É um álbum que, embora complexo, revela-se surpreendentemente acessível após algumas audições. A banda consegue misturar elementos de folk, música clássica, jazz e rock de uma maneira única, criando uma sonoridade que, apesar das múltiplas influências, é inconfundivelmente própria. Emocional e tecnicamente brilhante, este álbum é essencial para qualquer amante de rock progressivo.

NOTA: 10/10

Tracks Listing:

1. Canto Nomade Per Un Prigioniero Politico (15:46)
2. Non Mi Rompete (5:09)
3. La Città Sottile (7:13)
4. Dopo... Niente È Più Lo Stesso (9:55)
5. Traccia II (2:39)

Ouça, "Canto Nomade Per Un Prigioniero Politico"

Campo di Marte - Campo Di Marte (1973)

 

Na efervescente cena progressiva italiana da década de 70, Campo di Marte é mais uma das muitas bandas que lançaram apenas um único álbum antes de desapareceremo. No entanto, como frequentemente ocorre com essas bandas de one-shot, o legado deixado é de muita qualidade. O homônimo e único disco da banda, brilha intensamente mesmo diante das adversidades que enfrentaram, como a falta de apoio e uma produção que, apesar de limitada, não ofusca o brilho musical.

O disco é uma fusão notável de riffs pesados com a delicadeza progressiva característica da escola italiana. A combinação de hard rock com passagens sinfônicas e a execução impecável dos músicos fazem deste álbum uma ótima experiência. Cada faixa é bem estruturada, permitindo que as habilidades técnicas e criativas de cada integrante se destaque. Um destaque particular vai para Enrico Rosa, um dos guitarristas mais importantes da cena progressiva italiana. Seu domínio técnico é evidente, e sua carreira no jazz e rock após o fim da banda só reforça seu status.

A proposta do álbum é ousada: um conceito antimilitarista, envolto em uma sonoridade complexa e desafiadora, permeada por elementos de hard rock, progressivo e até mesmo jazz. A ideia de usar duas baterias é outro ponto que adiciona uma camada de profundidade e singularidade ao som da banda. A dissonância que surge entre o preenchimento instrumental (guitarra, baixo e bateria) e a voz de Rosa cria um contraste intrigante, quase vazio, mas intensamente emocional. As letras, poéticas e tocantes, descrevem as devastadoras consequências da guerra, pintando quadros vívidos de prados verdes transformados em cemitérios, um testemunho da loucura e do absurdo do conflito humano.

A capa do álbum, que retrata guerreiros turcos infligindo feridas em si mesmos, é uma metáfora poderosa que complementa a mensagem do disco. Ela simboliza a coragem insana e a futilidade da guerra, temas centrais na narrativa do álbum.

O álbum começa com "Primo Tempo", uma faixa que evoca mais Black Sabbath do que as tradicionais bandas sinfônicas italianas. A combinação de uma bateria dissonante e uma guitarra que colide com os teclados cria um som pesado e progressivo. Este hard rock é equilibrado por momentos pastorais, onde vocais suaves, órgão flutuante e uma bela passagem acústica com flauta conduzem a música a um outro patamar. O baixo pulsante e a bateria vibrante mantêm a energia em alta, estabelecendo um começo sinistro e envolvente para o disco.

Em "Secundo Tempo", a banda mostra seu lado mais tradicional, com uma introdução suave e acústica que exala a melodia pela qual as bandas italianas são tão reconhecidas. A flauta onírica cria uma atmosfera densa, interrompida apenas pela entrada da bateria, que adiciona um excelente contraste. A medida que a faixa avança, elementos de jazz latino e influências de Genesis se misturam ao som, reforçados pelo uso do Mellotron. Tudo flui de maneira suave, culminando em um final grandioso com guitarras distorcidas.

"Terzo Tempo" é uma verdadeira montanha-russa musical, começando com uma introdução cacofônica e quase metálica. No entanto, após alguns segundos, a música se transforma radicalmente com a entrada do piano e dos vocais, criando uma balada melancólica que logo evolui para uma melodia sinfônica. As mudanças constantes de direção mantêm o ouvinte atento, demonstrando a essência do rock progressivo em toda a sua complexidade.

"Quarto Tempo" é uma faixa bifurcada, onde a primeira metade é um solo de órgão barroco inspirado em Johann Sebastian Bach, que de repente se transforma em uma peça de rock sinfônico de tirar o fôlego. Aqui, cada instrumentista entrega sua melhor performance, culminando em um final acústico surpreendente e que funciona como a cereja do bolo.

"Quinto Tempo" começa com linhas intrincadas de guitarra, seguidas por uma melodia de flauta belíssima e harmonias vocais igualmente impressionantes. A combinação de bateria, guitarra acústica e órgão é fabulosa, com uma parte enriquecida pelo uso magistral do Mellotron. Na parte final, a melodia vocal retorna, encerrando a faixa de maneira sublime. Embora possa parecer previsível em certos aspectos, os detalhes sutis e inesperados sempre capturam a atenção do ouvinte.

"Sesto Tempo" é uma faixa de excentricidade surpreendente, onde a banda mistura todos os estilos que consegue, criando uma experiência auditiva que, embora pareça caótica, resulta em uma obra coerente e energética. A combinação de guitarra fervorosa, órgão intenso, sintetizadores e trompetes encaixados com precisão, baixo pulsante e bateria sólida fazem desta faixa uma verdadeira delícia do início ao fim.

Por fim, "Settimo Tempo" encerra o álbum de maneira majestosa. A faixa apresenta contrastes entre uma guitarra intrincada, órgão e bateria, além de mudanças de temas e estilos musicais que são ao mesmo tempo contraditórios e complexos. Descrever essa faixa em palavras é um desafio, pois sua beleza transcende qualquer tentativa de explicação. É um final digno para uma obra muito boa.

Campo di Marte pode ter sido uma banda efêmera, mas o legado deixado por este álbum é eterno. A Itália nos brindou com muitas joias progressivas nos anos 70, e este disco certamente está entre eles. Um testemunho da criatividade e paixão que permeava a cena musical da época, e um lembrete de quanto mais essa banda poderia ter oferecido se as circunstâncias fossem diferentes.

NOTA: 8/10

Tracks Listing:

1. Primo Tempo (8:10)
2. Secundo Tempo (3:20)
3. Terzo Tempo (6:20)
4. Quarto Tempo (3:15)
5. Quinto Tempo (5:58)
6. Sesto Tempo (5:12)
7. Settimo Tempo (8:28)

Ouça, "Sesto Tempo"

Yes - Tales From Topographic Oceans (1973)

Ambicioso? Pretensioso? Controverso? Esses são apenas alguns dos adjetivos frequentemente associados a Tales From Topographic Oceans. Aqueles que leram resenhas ou comentários sobre este disco provavelmente já se depararam com esses termos. E não é para menos: o álbum consegue dividir até mesmo os membros da própria banda, como foi o caso de Rick Wakeman, cuja saída do grupo após este trabalho foi motivada, em parte, pelas tendências musicais que a banda estava explorando. Imagine, então, o impacto entre os fãs.

Tales From Topographic Oceans é de fato um disco excessivo, exagerado e longo. No entanto, é impossível ignorar sua musicalidade, que, apesar de tudo, consegue ser cativante. Trata-se de uma obra conceitual que explora o autoconhecimento como um caminho para alcançar a plenitude espiritual. A ideia central surgiu de Jon Anderson, inspirado por uma longa nota de rodapé no livro Autobiografia de um Iogue, escrito pelo iogue e guru Paramahansa Yogananda em 1946. Essa nota diz:

"Pertencente aos shastras, literalmente, 'livros sagrados', compreendendo quatro classes de escrituras: shrútí, smáti, purâna e tântra. Estes tratados abrangem todos os aspectos da vida religiosa e social, os campos do direito, medicina, arquitetura, arte, etc. Os shrútis são os Vedas, escrituras 'diretamente ouvidas' ou 'reveladas'. Smátis, ou lendas 'rememoradas', vieram a ser escritas num passado remoto, sob a forma dos mais longos poemas épicos, o Mnhábhárata e o Ramayâna. Os dezoito Purânas são, ao pé da letra, 'alegorias antigas'; tântras literalmente significam 'ritos' ou 'rituais', e estes tratados transmitem verdades profundas sob o véu de um minucioso simbolismo."

A ideia de Anderson era que cada uma das quatro faixas do álbum representasse uma dessas escrituras. As letras são tão desafiadoras quanto a música, e o disco é um trabalho que exige mais tempo e paciência do ouvinte para ser completamente compreendido. Talvez seja por isso que muitos o abandonem prematuramente sem a devida imersão no estado de espírito necessário. É muita coisa para absorver em um só álbum? Sim, mas é assim que essa obra opera.

CD1:

Se há uma faixa que pode ser considerada mais acessível, seria a abertura, "The Revealing Science Of God". Interessante é a versão expandida e remasterizada do álbum que traz uma edição com dois minutos adicionais não presentes na versão original. Essa faixa é repleta de seções que alternam entre momentos suaves e agitados, com melodias belas e inesquecíveis. Jon Anderson explora conceitos líricos complexos, mas se você mantiver a mente aberta, poderá desenvolver seu próprio significado a partir de suas palavras. É uma letra vanguardista, capaz de capturar a imaginação do ouvinte. Steve Howe oferece um trabalho de guitarra magistral, enquanto Rick Wakeman cria uma atmosfera envolvente antes de surpreender com um de seus mais impressionantes solos de sintetizador. O resultado é uma música com um clímax extraordinário.

A segunda faixa, "The Remembering", na minha opinião é uma das composições mais complexas de todo o rock progressivo 70's. Sua estrutura é incrível, combinando tecnicidade com letras bem trabalhadas e que evocam imagens como as da capa do álbum. É curioso como mesmo declarando não gostar deste disco, algumas das melhores ideias de Wakeman estão aqui. A faixa começa de forma lenta, mas ganha impulso conforme avança. O Yes raramente empregou um som medieval em suas músicas como o Gentle Giant ou o Genesis, mas os sintetizadores de Wakeman e a guitarra de 12 cordas de Howe conseguem evocar essa sensação. Algumas progressões de acordes lembram um pouco "And You and I". No meio do épico, há um arranjo de guitarra acústica sublime, com Howe desempenhando um papel de suporte, mas ainda assim se destacando. Chris Squire entrega linhas de baixo magníficas, enquanto Alan White mantém a bateria precisa e vigorosa.

CD2:

"The Ancient" é a faixa mais vanguardista do álbum e da carreira do Yes. Começa de forma caótica, com uma percussão primitiva e um Mellotron que acrescenta muito à música. Por alguns momentos, parece que estamos ouvindo King Crimson em vez de Yes. Após essa "confusão" inicial, Anderson entra com os vocais e começa a narrar os diferentes nomes dados ao sol por civilizações antigas. A faixa começa a se assemelhar a uma sinfonia. Mais desafiadora que as demais, esta música apresenta ideias instrumentais ousadas e uma colagem de guitarra de vanguarda impressionante. Os teclados, baixo e bateria desempenham seus papéis dignamente, mas o verdadeiro destaque é a parte acústica que se inicia nos últimos seis minutos, acompanhada pelos vocais harmoniosos de Anderson e Squire.

"The Ritual" é a faixa que mais se aproxima do estilo clássico do Yes. A contribuição de Squire é especialmente forte aqui, mas toda a banda trabalha de maneira impecável, com cada instrumento executado à perfeição. Os primeiros dez minutos da faixa são obscuros, mas também bastante claros em sua execução. Embora eu geralmente não aprecie solos de bateria, Alan White executa-o aqui de maneira integrada à atmosfera orquestral, evitando o tédio e agregando ao conceito da música. "The Ritual" é uma faixa carregada de emoções, encerrando-se com mais um brilhante solo de Howe em uma instrumentação densa e pesada.

Costumo definir Tales From Topographic Oceans como uma obra-prima defeituosa. Afinal, se para ser considerado uma obra-prima, um álbum precisa ser perfeito, então este falha miseravelmente. Mas se a intenção da arte é ser ambiciosa a ponto de ultrapassar os limites naturais, então o resultado não poderia ser melhor. Não creio que uma obra desta magnitude mereça ser julgada de forma menos que excelente, apenas por ser um disco mais audacioso do que os demais.

NOTA: 8/10

Tracks Listing:

CD1:

1. The Revealing Science of God - Dance of the Dawn (20:27)
2. The Remembering - High the Memory (20:38)

CD2:

3. The Ancient - Giants Under the Sun (18:34)
4. Ritual - Nous sommes du Soleil (21:35)

Ouça, "The Remembering - High the Memory"

Le Orme - Felona e Sorona (1973)

Durante os anos setenta, a Le Orme passou de ser uma banda meramente inspirada em Emerson, Lake & Palmer para se tornar um grupo que refinou seu som e desenvolveu uma identidade própria, ainda que sem perder de vista suas influências. Muitos - inclusive eu - consideram Felona e Sorona o ápice da criatividade da banda, um álbum conceitual com nove faixas bem elaboradas, repletas de teclados exuberantes e variados (órgão, piano, sintetizadores e cordas), além de uma dinâmica poderosa e seção rítmica impecável.

O álbum narra a história de dois planetas, Felona e Sorona, que orbitam um ao redor do outro. Felona é um paraíso brilhante, enquanto Sorona é um mundo sombrio e cheio de desgraças. No entanto, as coisas mudam na segunda metade da suíte, quando os destinos dos dois planetas se invertem. Embora o álbum tenha sido lançado também em uma versão em inglês no mesmo ano, a versão italiana é superior em termos de carga emocional e musicalidade, envolvendo o ouvinte profundamente nas emoções da narrativa.

A abertura do álbum com "Sospesi Nell'Incredibile" é complexa, marcada por mudanças radicais de tempo, humor e volume. A performance dos teclados é excepcional, acompanhada de um vocal impressionante e cercada por um órgão atmosférico, criando um início dramático para o disco. A faixa ainda culmina em um final mais melódico, reminiscente de Emerson, Lake & Palmer, com uma pirotecnia de teclados claramente inspirada em Keith Emerson.

"Felona" é uma faixa curta e brilhante, que começa com sinos tocando e vocais encantadores, acrescida de flauta em uma passagem posterior. É o tipo de música que evoca a imagem de uma manhã ensolarada, perfeita para ser assobiada enquanto se caminha. "La Solitudine Di Chi Protegge Il Mondo" é outra faixa breve, com uma sonoridade onírica e vocais tristes sobre um piano, enquanto descreve a solidão do criador.

"L'Equilibrio" é uma das melhores músicas do álbum, com contribuições excepcionais de todos os membros da banda, especialmente a bateria e os sintetizadores. A faixa explora o conceito de equilíbrio entre os planetas, com uma sonoridade vibrante e novamente influenciada por Emerson, Lake & Palmer. A música termina de forma suave, sugerindo que as coisas podem mudar quando Deus vira o rosto, mas que o segredo do equilíbrio reside no fato de que nenhum dos planetas conhece a existência do outro.

"Sorona", por outro lado, apresenta uma sonoridade sombria, em contraste com a leveza de "Felona". A música captura o sofrimento e o desespero dos habitantes de Sorona, com uma intensidade emocional que faz o ouvinte sentir o peso das condições do planeta. "Attesa Inerte" mantém a atmosfera sombria, sendo praticamente narrada em vez de cantada, descrevendo os habitantes de Sorona reunidos em oração, mas sem ação. A linha de baixo marcante e o órgão criam uma atmosfera quase religiosa. "Ritratto Di Un Mattino" começa de maneira sombria, mas evolui para uma linda melodia com um toque do clássico italiano. A música reflete sobre a incapacidade de encontrar felicidade em si mesmo, mas sim no que se oferece aos outros.

"All'infuori Del Tempo" é outra faixa maravilhosa, começando com um violão acompanhado por vocais angelicais seguido por teclados e bateria. A música descreve como as coisas começam a melhorar em Sorona enquanto pioram em Felona, mostrando o fim do equilíbrio. A mudança de humor na faixa é sutil, mas eficaz, com o final assombroso no órgão sugerindo o desfecho iminente. "Ritorno Al Nulla" encerra o álbum de forma explosiva, com uma sonoridade caótica que evoca uma viagem intergaláctica. A faixa instrumental destaca o trabalho de teclado, órgão e bateria, culminando em um desfecho apoteótico, onde os destinos dos planetas se invertem, com Sorona caminhando para a felicidade e Felona para um destino sombrio. Arrepiante. 

Como eu já disse, embora exista uma versão em inglês do álbum, a versão italiana é indiscutivelmente superior, com sua estrutura, fonética e carga emotiva perfeitamente alinhadas. Talvez, apenas o líder da banda, Aldo Tagliapietra, possa dizer com precisão o que Felona e Sorona representam, mas uma coisa é certa: juntos, neste álbum, esses planetas são personagens de uma música sublime e de um conceito profundo. Se há um "defeito" a apontar, seria o desejo de que o álbum fosse mais longo, afinal, cerca de 33 minutos é muito pouco para um disco tão grandioso. 

NOTA: 10/10

Tracks Listing:

1. Sospesi Nell'Incredibile (8:43)
2. Felona (1:58)
3. La Solitudine Di Chi Protegge Il Mondo (1:57)
4. L'Equilibrio (3:47)
5. Sorona (2:28)
6. Attesa Inerte (3:25)
7. Ritratto Di Un Mattino (3:29)
8. All'infuori Del Tempo (4:08)
9.Ritorno Al Nulla (3:34)

Ouça, "Sospesi Nell'Incredibile"

 

Magma - Mekanïk Destruktïw Kommandöh (1973)

O terceiro disco do Magma é frequentemente identificado pelas iniciais MDK, que se tornaram icônicas no universo da música progressiva - mais precisamente dentro do Zeuhl. Essas três letras, correspondentes ao título original Mekanïk Destruktïw Kommandöh, deram ao álbum uma popularidade singular, especialmente considerando a complexidade linguística da banda, que frequentemente utiliza o idioma fictício Kobaïan criado por Christian Vander, líder e principal compositor do grupo.

No entanto, a popularidade de Mekanïk Destruktïw Kommandöh não se deve apenas ao seu título facilmente identificável, mas principalmente ao conteúdo musical que ele abriga. O disco é um exemplo supremo de Zeuhl, uma música verdadeiramente única, cuja expressão mais pura pode ser encontrada justamente nesse trabalho. Imagine um artista confrontando os limites da criatividade musical, sentindo-se preso em um beco sem saída criativo, e então criando algo completamente novo para romper essas barreiras. Vander experimentou exatamente essa sensação, e em resposta concebeu um som que transcendia as convenções musicais da época. Embora inicialmente visto como uma extensão da música de vanguarda, uma audição atenta de MDK revela que exceto pelos vocais inovadores, a música é intensamente sinfônica e estruturada com clareza.

Zeuhl, enquanto gênero, possui diversas facetas, mas é essa encarnação específica em MDK que se tornou a mais reconhecível: composições intrincadas, estruturas clássicas influenciadas pela música do século XX e uma fusão de temas de marcha e ópera. Musicalmente, se distancia completamente da cena progressiva do início dos anos 70. Vander deixou claro em entrevistas que ele não sentia qualquer conexão com as bandas daquela época, e qualquer um que tenha ouvido esse disco, certamente compreenderá essa desconexão.

Embora o álbum esteja dividido em sete faixas, ele é melhor apreciado como uma única peça contínua. Ouvir as faixas isoladamente e fora de ordem tende a diminuir o impacto da obra como um todo. Essa é na verdade, o terceiro movimento da trilogia Theusz Hamttaahk, precedido por Theusz Hamttahk e Wurdah Itah. Curiosamente, MDK foi gravado e lançado antes dos outros dois movimentos, mas ainda assim, mantém sua coerência dentro da trilogia.

Em termos de instrumentação, este é o primeiro álbum "clássico" do Magma dos anos 70, apresentando a formação central com Christian Vander na bateria, Jannick Top no baixo, e os vocais marcantes de Klaus Blasquiz e Stella Vander. Como na maioria das músicas da banda, a guitarra é usada com moderação, enquanto seções de metais, flauta, clarinete e o inconfundível Fender Rhodes desempenham papéis essenciais na criação do som característico da banda.

Também é curioso como o rock progressivo, muitas vezes criticado por seu caráter pretensioso, encontra um exemplo extremo em MDK, comparável, se não mais exacerbado, ao que bandas como Emerson, Lake & Palmer produziam na época. O álbum é como uma adaptação de Carmina Burana para um épico cinematográfico de batalhas. É bombástico, sim, mas também brilhante em sua grandiosidade.

O disco abre com "Hortz Fur Dëhn Stekëhn West", onde os maravilhosos excessos do rock progressivo se manifestam plenamente: vocais fortes em Kobaïan, refrões marcantes e arranjos grandiosos. "Ïma Sürï Dondaï" segue com uma abertura impactante de Vander e um coro feminino esplêndido. A peça é brilhante e não exibe quase nenhuma conexão com o jazz, em vez disso, mistura elementos de orquestra neoclássica e progressiva sinfônica. "Kobaïa Is De Hündïn" é uma continuação direta, com uma deliciosa introdução de piano e um coro grandioso que intensifica o caráter bombástico do álbum. As transições entre as faixas mantêm a intensidade e criam uma sensação claustrofóbica pela falta de pausas silenciosas.

"Da Zeuhl Ẁortz Mëkanïk" inicia com cantos misteriosos, complementados por teclados eletrônicos que remetem a Vangelis, antes de retornar ao coro principal. "Nebëhr Gudahtt" mantém a melodia central, com um piano suave e uma guitarra repetitiva no estilo de Mike Oldfield, enquanto Vander explora uma gama vocal mais narrativa, criando uma ligação direta com "Mëkanïk Kömmandöh". Ambas as faixas parecem ser influenciadas pelas óperas de Wagner, e o resultado é uma imersão profunda na sonoridade Zeuhl. A faixa final, "Kreühn Köhrmahn Iss De Hündïn", é a mais dramática, com Vander explorando seus vocais de forma extrema. Infelizmente, o excesso vocal acaba por ofuscar o que poderia ser um fechamento grandioso para um álbum impressionante.

Apesar dessa ressalva final, MDK se afirma como uma obra grandiosa na discografia do Magma e na história do Zeuhl. Embora não seja um disco acessível e, pelo contrário, exija uma audição atenta e uma mente aberta para ser plenamente apreciado, é uma demonstração do gênio criativo de Vander, cujas criações ressoam através do tempo, cada vez mais raras e distantes, mas sempre impressionantes.

NOTA: 10/10

Tracks Listing:

1. Hortz Fur Dëhn Stekëhn Ẁest (9:34)
2. Ïma Sürï Dondaï (4:28)
3. Kobaïa Is De Hündïn (3:35)
4. Da Zeuhl Ẁortz Mëkanïk (7:48)
5. Nebëhr Gudahtt (6:00)
6. Mëkanïk Kömmandöh (4:08)
7. Kreühn Köhrmahn Iss De Hündïn (3:14)

Ouça, "Da Zeuhl Ẁortz Mëkanïk"

Peter Hammill - Chameleon in the Shadow of the Night (1973)

 

Van der Graaf Generator sempre foi uma das minhas bandas preferidas de rock progressivo, e o principal motivo por trás disso é Peter Hammill. Seu talento, intensidade emocional e a maneira singular de se expressar artisticamente são inigualáveis. Com Chameleon In The Shadow Of The Night, considerado na prática o seu segundo disco solo, vemos o músico transcender os limites da música pop explorada em seu trabalho anterior, entregando uma obra profundamente emotiva e de personalidade pura.

Embora a produção possa ser áspera e as estruturas musicais relativamente simples, é exatamente essa imperfeição que adiciona uma camada de autenticidade à obra. Ocasionalmente, a repetição ou os pequenos "deslizes" tornam-se virtudes que engrandecem ainda mais o disco, conferindo-lhe um charme único.

O álbum se abre com "German Overalls", uma faixa que imediatamente captura a essência de Hammill. Com melodias acústicas memoráveis e um vocal que alterna entre a confiança, a incerteza e a cautela, a música é uma verdadeira montanha-russa emocional. O final da faixa, marcado por um harmônio encorpado e um fluxo eletrônico/elétrico catártico, eleva a experiência a novos patamares. "Slender Threads" mantém a qualidade acústica da abertura, mas com uma abordagem mais suave. A melodia principal é perfeita, e o par de interlúdios é um toque de mestre. Aqui, os vocais de Hammill são predominantemente sutis e discretos, ainda que ocasionalmente alcancem alturas emocionais impressionantes.

Com "Rock and Rôle", somos transportados para um território familiar do Van der Graaf Generator, onde a sonoridade “punk” se mistura com um riff elétrico e performances marcantes de Nic Potter, Guy Evans e David Jackson, seus companheiros de banda - no caso de Nic, ex-companheiro na época. As adições de piano são de bom gosto, e a longa ponte instrumental é inteligentemente arranjada, adicionando camadas de profundidade à faixa. "In The End" é uma balada centrada em piano e voz que transmite uma gama intensa de sentimentos. A interpretação de Hammill é carregada de emoção, e o piano, ao mesmo tempo delicado e poderoso, dá o tom de uma interpretação que oscila entre o nervosismo, o desespero e a esperança.

"What's It Worth" é, sem dúvida, uma das faixas mais cativantes do álbum. A introdução de uma bela e surpreendente flauta, combinada com a simplicidade da melodia acústica, cria uma atmosfera musical aconchegante. A performance vocal de Hammill é novamente um destaque, limpa e acompanhada por harmonias lindíssimas. "Easy to Slip Away" representa o momento mais distinto do álbum. Outra música guiada por piano e voz, onde a carga emocional atinge seu ápice. A entrega vocal de Hammill é sincera, poderosa e clara. A faixa também se destaca pelas pontes de saxofone tocadas com alma e um Mellotron sublime, criando uma experiência auditiva que se diferencia do restante do álbum.

"Dropping the Torch" retoma a estética acústica, com uma execução simples, porém, repleta de sentimento. Os vocais são limpos e bem organizados, demonstrando a habilidade de Hammill em transmitir emoções com simplicidade.O disco encerra com "(In the) Black Room/Tower", uma faixa que começa com uma explosão instrumental e se desdobra em uma complexidade caótica e controlada. Com efeitos de teclado caóticos, flautas, saxofone rugindo, percussão imaginativa e um piano proeminente, a música equilibra perfeitamente o caos e a ordem, conseguindo expressar o inexpressável. É provavelmente o destaque do álbum para aqueles já familiarizados com a obra de Hammill.

Cada faixa de Chameleon In The Shadow Of The Night possui momentos de excelência, e o álbum, como um todo, é uma obra temperamental e expressiva. Feito principalmente para os fãs de Peter Hammill, ele representa um dos melhores trabalhos solo de um dos maiores gênios da história do rock progressivo.

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Van der Graaf Generator has always been one of my favorite progressive rock bands, and the main reason behind this is Peter Hammill. His talent, emotional intensity, and unique way of expressing himself artistically are unmatched. With Chameleon In The Shadow Of The Night, effectively considered his second solo album, we see the musician transcend the limits of the pop music explored in his previous work, delivering a deeply emotional piece with pure personality.

Although the production might be rough and the musical structures relatively simple, it is precisely this imperfection that adds a layer of authenticity to the work. Occasionally, the repetition or small "slips" become virtues that further elevate the album, giving it a unique charm.

The album opens with "German Overalls", a track that immediately captures the essence of Hammill. With memorable acoustic melodies and vocals that alternate between confidence, uncertainty, and caution, the song is a true emotional roller coaster. The track's end, marked by a full-bodied harmonium and a cathartic electronic/electric flow, elevates the experience to new heights. "Slender Threads" maintains the acoustic quality of the opening but with a softer approach. The main melody is perfect, and the pair of interludes is a masterstroke. Here, Hammill's vocals are predominantly subtle and discreet, yet they occasionally reach impressive emotional heights.

"With "Rock and Rôle", we are transported to familiar Van der Graaf Generator territory, where a “punk” sound blends with an electric riff and remarkable performances by Nic Potter, Guy Evans and David Jackson, his bandmates—Nic being a former bandmate at the time. The piano additions are tasteful, and the long instrumental bridge is cleverly arranged, adding layers of depth to the track. "In The End" is a piano-and-voice-centered ballad that conveys an intense range of feelings. Hammill's performance is charged with emotion, and the piano, both delicate and powerful, sets the tone for an interpretation that oscillates between nervousness, despair, and hope.

"What's It Worth" is undoubtedly one of the most captivating tracks on the album. The introduction of a beautiful and surprising flute, combined with the simplicity of the acoustic melody, creates a cozy musical atmosphere. Hammill's vocal performance is again a highlight, clean and accompanied by gorgeous harmonies. "Easy to Slip Away" represents the most distinct moment on the album. Another piano-and-voice-driven song where the emotional intensity reaches its peak. Hammill's vocal delivery is sincere, powerful, and clear. The track also stands out for the soulful saxophone bridges and a sublime Mellotron, creating a listening experience that sets it apart from the rest of the album.

"Dropping the Torch" returns to the acoustic aesthetic, with a simple yet sentiment-filled execution. The vocals are clean and well-organized, demonstrating Hammill's ability to convey emotions with simplicity. The album closes with "(In the) Black Room/Tower", a track that begins with an instrumental explosion and unfolds into chaotic yet controlled complexity. With chaotic keyboard effects, flutes, roaring saxophone, imaginative percussion, and prominent piano, the song perfectly balances chaos and order, managing to express the inexpressible. It is probably the album's highlight for those already familiar with Hammill's work.

Each track on Chameleon In The Shadow Of The Night has moments of excellence, and the album, as a whole, is a temperamental and expressive piece. Made primarily for Peter Hammill fans, it represents one of the best solo works of one of the greatest geniuses in the history of progressive rock.

NOTA: 8.5/10

Tracks Listing:

1. German Overalls (7:05)
2. Slender Threads (5:01)
3. Rock and Rôle (6:41)
4. In the End (7:24)
5. What's It Worth (4:00)
6. Easy to Slip Away (5:21)
7. Dropping the Torch (4:11)
8. (In the) Black Room / Tower (10:56)

Ouça, "(In the) Black Room / Tower"

(In the) Black Room / Tower"

Pink Floyd - The Dark Side Of The Moon (1973)

O que ainda pode ser dito sobre esse álbum superlativo? Visto como referência da cultura rock desde o seu lançamento, sua perfeição é constantemente trazida de volta à tona para medir impiedosamente a qualidade de infinitas bandas e álbuns de prog rock contra ele. Este é também, o álbum que irá impulsionar a fama relativamente pequena da banda até então em círculos de contracultura para o estrelato internacional e empurrar a indústria do rock para novas alturas, não só nas expectativas de vendas, mas também em sofisticação técnica, tanto no estúdio, quanto em turnê, como também em termos de progresso sonoro, bem como os aspectos visuais.

O próprio quarteto começou a perceber que estavam trabalhando em algo muito especial e ligado ao sucesso, mas mesmo assim, creio que não imaginavam que chegariam em algo de proporções tão majestosa. A gênese do álbum, não foi tão trabalhosa quanto o esperado, pois a banda pegou algumas ideias antigas e as retrabalhou. "Brain Damage", por exemplo, foi escrita na época de Meddle e a ideia básica de "Us And Them" tinha sido rejeitada por Antonioni para a trilha sonora de Zabriskie Point. Enquanto a maior parte do que se encontra no álbum foi testada durante o início da turnê de 1972, o disco finalmente veria seu lançamento no primeiro dia de março de 1973.

Pink Floyd nunca foi uma banda de músicos virtuosos, mas todos eles sempre souberam tirar o máximo de seus instrumentos e também da tecnologia a sua disposição, para assim, não serem vistos apenas como mais um grupo de space rock com incursões progressivas. Trata-se de uma banda que sempre quis ir muito além de expectativas criadas e o seu ápice está exatamente em Dark Side of the Moon. Mesmo décadas depois do seu lançamento, o disco ainda impressiona pela produção do mestre Alan Parsons, que foi transformando as ideias experimentais da banda em canções produzidas de forma sofisticada e pelo clima cadenciado por sons de atmosfera única, fazendo do álbum, praticamente uma espécie de “filme para os ouvidos”, tamanha busca de interação entre música e ouvinte.

Dark Side of the Moon ilustra perfeitamente o que é uma banda agir como banda, sem estrelismo de nenhum dos membros que pudesse atrapalhar o desenvolvimento e, obviamente, o resultado final do disco. É sem dúvida, um dos exemplos mais clássicos de química perfeita na mistura de vários elementos em um único álbum. Musicalmente e liricamente hipnotizante, não se trata apenas de um álbum pra simplesmente ouvir enquanto bate papo com um amigo, fuça no computador ou usar de pano de fundo diante de situações que vão fazer com que as atenções em outras coisas sejam divididas com ele, é uma obra que faixa a faixa faz com que pensemos sobre nossas vidas de um modo geral acerca de situações como as das dificuldades em fazer escolhas, a escravidão do homem diante do tempo, o dinheiro e suas falsas felicidades e ilusões e a correria do mundo no seu dia a dia.

Dark Side of the Moon fez com que o popular abraçasse o experimental, colocou o Rock Progressivo onde ele jamais esteve, influenciou e influencia inúmeras bandas e marcou pra sempre a maneira de fazer música. Aquele disco gravado em 1973, até hoje segue - e continuará seguindo - atemporal, seja pelo seu conceito o qual inclusive parece mais atual do que nunca ou seja pela produção e ideias que estavam muito a frente do seu tempo. Uma das obras musicais mais significativas do século XX.

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What more can be said about this superlative album? Seen as a benchmark of rock culture since its release, its perfection is constantly brought back to measure, often ruthlessly, the quality of countless prog rock bands and albums against it. This is also the album that would propel the band's relatively small fame in counterculture circles to international stardom and push the rock industry to new heights, not only in sales expectations but also in technical sophistication, both in the studio and on tour, as well as in terms of sonic progress and visual aspects.

The quartet themselves began to realize that they were working on something very special and closely tied to success, but even so, I believe they couldn't have imagined that they would achieve something of such majestic proportions. The album's genesis wasn't as laborious as expected, as the band took some old ideas and reworked them. "Brain Damage", for example, was written during the Meddle era, and the basic idea of "Us and Them" had been rejected by Antonioni for the Zabriskie Point soundtrack. While most of what is found on the album was tested during the early 1972 tour, the record would finally see its release on the first of March, 1973.

Pink Floyd was never a band of virtuosic musicians, but they always knew how to get the most out of their instruments and the technology at their disposal, so they wouldn't be seen as just another space rock group with progressive leanings. This is a band that always aimed to go far beyond created expectations, and their pinnacle is precisely in Dark Side of the Moon. Even decades after its release, the album still impresses with the production of the master Alan Parsons, who transformed the band's experimental ideas into songs produced in a sophisticated way, and with the atmosphere set by uniquely ambient sounds, making the album practically a kind of "movie for the ears," such is the pursuit of interaction between music and listener.

Dark Side of the Moon perfectly illustrates what it means for a band to function as a band, without any member's stardom getting in the way of the development and, obviously, the final result of the record. It is undoubtedly one of the most classic examples of perfect chemistry in the blending of various elements into a single album. Musically and lyrically hypnotic, it's not just an album to simply listen to while chatting with a friend, browsing the computer, or using as background for situations where attention might be divided. It's a work that, track by track, makes us reflect on our lives in general, on situations like the difficulties in making choices, the slavery of man to time, money and its false joys and illusions, and the hustle and bustle of the world in its daily life.

Dark Side of the Moon made the popular embrace the experimental, placed Progressive Rock where it had never been before, influenced and continues to influence countless bands, and forever marked the way music is made. That album, recorded in 1973, remains timeless to this day—and will continue to be—whether for its concept, which even seems more relevant than ever, or for its production and ideas that were far ahead of their time. One of the most significant musical works of the 20th century.

NOTA: 10/10

Tracks Listing:

1. Speak to Me (1:16)
2. Breathe (2:44)
3. On the Run (3:32)
4. Time / Breathe (reprise) (7:06)
5. The Great Gig in the Sky (4:44)
6. Money (6:32)
7. Us and Them (7:40)
8. Any Colour You Like (3:25)
9. Brain Damage (3:50)
10. Eclipse (2:04)

Ouça, "Time"

Genesis - Selling England by the Pound (1973)

Em 1973, o Genesis estava em uma sequência de três discos de qualidade elevadíssima. Será que eles conseguiriam se manter em alto nível a ponto de lançar outra obra-prima apenas um ano depois? Não preciso responder, basta ouvir a beleza que é Selling England By The Pound para ter a certeza de que sim. A banda criou o que considero um mundo fictício em termos sonoros, povoado por vinhetas musicais que variam entre épicas e intimistas, soando como uma música de campo. O álbum traz uma sonoridade mais amena por parte de todos os instrumentos: teclados suaves e sutis com uma presença maior de piano, guitarras menos agressivas e mais românticas, uma bateria sempre bem encaixada que se cadencia moderadamente, dando ao álbum uma tendência branda. O baixo é limpo e com ótimas linhas, ainda que menos aparente que em trabalhos anteriores. Quanto ao vocal de Peter Gabriel, ele é sempre marcante e nunca maçante, carregando uma pesada carga de sentimentos.

O disco começa com a faixa “Dancing With The Moonlit Knight”, que fala sobre a decadência da Inglaterra. “Você pode me dizer onde está o meu país?”, pergunta Peter Gabriel. Uma bela guitarra e um piano apaixonado começam a dar as primeiras roupagens à canção. Então, Steve Hackett inicia o tema de guitarra recorrente, carregando mais adrenalina. As vozes sintetizadas, a bateria e os riffs de guitarra elétrica, bastante rápidos, são perfeitos. A faixa surpreende em determinado momento com a mudança de tempo dos teclados e novas melodias, montando um rock progressivo de excelência. Peter Gabriel canta como se estivesse falando com duas pessoas diferentes e lhes dando instruções, mostrando por que pode ser considerado um mestre na mudança de tom enquanto canta. Os riffs repetidos, tanto da guitarra quanto do teclado, tornam a peça fantástica aos olhos de qualquer amante de rock progressivo. A faixa termina com o mesmo humor melancólico que começou, em um clima onírico e pastoral.

“I Know What I Like (In Your Wardrobe)” é uma música mais curta e menos séria, baseada na capa do álbum, com o cortador de grama e todas as pessoas correndo para o campo. A música é cantada do ponto de vista de um cortador de grama, e as letras são bastante enigmáticas. Gosto da maneira como o álbum é apresentado, com faixas mais curtas em meio a peças mais longas. Musicalmente, é bastante simples, mas não deixa de ter trabalhos interessantes, principalmente de flauta, bateria e baixo, além dos vocais teatrais.

“Firth Of Fifth” é um dos clássicos absolutos da história do rock progressivo. O piano inicia a faixa de forma lindíssima. Os vocais, guitarra e bateria entram repentinamente, seguindo a progressão do piano, mas fazem com que a música se mova de forma mais animada. Tudo é muito simpático e feliz, até que piano e flauta fazem um dueto, criando uma atmosfera mais melancólica e deprimente. Por quase dez minutos, somos transportados para um mundo fantástico, alternando entre os vocais magníficos de Peter Gabriel, o virtuosismo do teclado de Tony Banks e a guitarra de Steve Hackett, que talvez execute aqui o seu solo mais emblemático da carreira. “Firth Of Fifth” flui de forma boa e má humorada, como "um rio de mudança constante", como diz Peter Gabriel em sua última frase na música.

“More Fool Me” é considerada por muitos uma mancha negra no álbum se comparada com tudo o que ele oferece nas demais peças. Cantada por Phil Collins, aqui não se trata de rock progressivo, mas de uma música pop acústica de sonoridade suave. Phil Collins canta sobre sua namorada que parece tê-lo abandonado. Ao contrário de muitas pessoas, eu não a desconsidero e a acho uma canção de amor muito bonita, que funciona bem como um descanso entre as duas músicas épicas que a cercam.

“The Battle of Epping Forest” é uma canção muito intrincada, cheia de emoções e baseada em uma crônica sobre batalhas de gangues que brigavam constantemente em Londres. A princípio, remete a uma marcha militar sob rufos de tambores; então, após ir silenciando, a canção começa. A quantidade de mudanças no tempo faz a alegria dos mais exigentes fãs de rock progressivo. É interessante prestar atenção na letra para perceber como eles criam uma imagem clara do que está acontecendo. Nesse aspecto, o maior crédito vai para Peter Gabriel e suas fantásticas características interpretativas. Hackett, com sua guitarra, tem um bom momento quando Gabriel fala sobre o encontro de um padre com uma stripper, entregando uma linha de apoio fascinante e misteriosa. É uma faixa complexa, de vocal difícil, ótimos teclados, guitarras elegantes e mais enérgicas, como no solo final, com linhas discretas de baixo, mas bem executadas, e excelentes frases de bateria.

“After The Ordeal” é novamente um ponto de descanso entre duas faixas épicas. Um trabalho instrumental de beleza incrível, que mantém rica a atmosfera do álbum em uma variante de melodias sublimes. Steve Hackett é o destaque, deliciando o ouvinte com exímia instrumentação acústica e elétrica. Enganadoramente simples, é extremamente gratificante.

Talvez tirando “The Musical Box”, “Cinema Show” seja a música mais emocional que Peter Gabriel escreveu no Genesis. Tem sintetizadores maravilhosamente bem feitos e melodias de guitarra cativantes, juntamente com uma das melhores interpretações vocais de Gabriel. Por volta de três minutos, uma sonoridade onírica e belíssima se estende até o retorno vocal e instrumental. A parte final é a mais progressiva, com destaque para os teclados de Tony Banks. É um momento que necessita de plena atenção e respeito para que o ouvinte entre de fato na ideia da banda, a ponto de se sentir deslocado para uma espécie de outra dimensão. "Aisle of Plenty", que vem em seguida, é uma faixa curta de menos de dois minutos, mas muito bonita, que é apenas a continuação de "Cinema Show".

Selling England by the Pound é um disco de beleza rara, sensibilidade musical ímpar, do tipo que assombra a Terra apenas uma vez a cada muitos anos. É uma das bíblias sagradas do rock progressivo. Tony Banks esteve excepcional, sendo definitivamente seu melhor trabalho com a banda, ora sutil, ora mostrando grande habilidade nas teclas. Steve Hackett foi excelente na criação de atmosferas com a assinatura Genesis que só ele seria e é capaz de fazer. Ele já havia apresentado um grande desempenho nos dois discos anteriores, mas aqui, além de se destacar individualmente, trabalhou bastante em prol da banda. Os vocais de Peter Gabriel brilham, sendo que a produção de sua voz nunca esteve tão boa, com belas performances teatrais, emotivas e únicas que o fazem ser considerado dono de uma das vozes mais marcantes da história do rock progressivo, influenciando inúmeras bandas nas décadas seguintes. Mike Rutherford não ocupa o mesmo espaço dos álbuns anteriores, talvez até mesmo por conta do destaque dos teclados de Banks, mas trabalhou com linhas sólidas, criativas e eficazes sempre que acionado. Phil Collins na bateria é impressionante, não necessariamente espetacular, mas muito meticuloso com linhas e movimentos que edificam sempre as músicas do disco.

A produção deste álbum é melhor do que qualquer uma dos anteriores. É magistral e mostra uma banda em seu pico criativo. Capaz de enfeitiçar o ouvinte através de passagens instrumentais que entram na alma e trazem lágrimas aos olhos. Um disco que nasceu, se tornou e será eternamente um dos maiores clássicos da história do rock progressivo. Selling England by the Pound, mais do que merecer uma resenha, merece uma declaração de amor.

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In 1973, Genesis was on a streak of three exceptionally high-quality albums. Could they maintain such a high level to release another masterpiece just a year later? There's no need to answer that—just listen to the beauty that is Selling England by the Pound to be sure of it. The band created what I consider a fictional world in sonic terms, populated by musical vignettes ranging from epic to intimate, sounding like field music. The album presents a softer tone from all the instruments: subtle, smooth keyboards with a greater presence of piano, less aggressive and more romantic guitars, a well-fitted drumbeat with a moderate cadence, giving the album a gentle tendency. The bass is clean with great lines, though less prominent than in previous works. As for Peter Gabriel's vocals, they are always striking and never tiresome, carrying a heavy load of emotion.

The album starts with the track “Dancing With The Moonlit Knight”, which talks about the decline of England. “Can you tell me where my country lies?” Peter Gabriel asks. A beautiful guitar and a passionate piano begin to shape the song. Then, Steve Hackett introduces the recurring guitar theme, adding more adrenaline. The synthesized voices, drums, and very fast electric guitar riffs are perfect. The track surprises at one point with a change in keyboard tempo and new melodies, assembling an excellent progressive rock piece. Peter Gabriel sings as if he were speaking to two different people, giving them instructions, showing why he can be considered a master at changing tone while singing. The repeated riffs, both from guitar and keyboard, make the piece fantastic in the eyes of any progressive rock lover. The track ends with the same melancholic mood it started with, in a dreamy and pastoral atmosphere.

“I Know What I Like (In Your Wardrobe)” is a shorter, less serious song based on the album cover, featuring the lawnmower and all the people running into the field. The song is sung from the perspective of a lawnmower, and the lyrics are quite enigmatic. I like how the album is presented, with shorter tracks amid longer pieces. Musically, it’s quite simple, but still features interesting work, particularly from the flute, drums, and bass, as well as theatrical vocals.

“Firth Of Fifth” is one of the absolute classics in the history of progressive rock. The piano starts the track beautifully. Vocals, guitar, and drums suddenly enter, following the piano progression, but making the music move more lively. Everything is very charming and happy until piano and flute create a duet, generating a more melancholic and depressing atmosphere. For almost ten minutes, we are transported to a fantastic world, alternating between Peter Gabriel's magnificent vocals, Tony Banks's keyboard virtuosity, and Steve Hackett's guitar, which perhaps delivers his most emblematic solo of his career here. “Firth Of Fifth” flows both well and badly tempered, like “a river of constant change,” as Peter Gabriel says in his final line in the song.

“More Fool Me” is considered by many a blemish on the album compared to the other pieces. Sung by Phil Collins, it is not progressive rock but rather a smooth acoustic pop song. Phil Collins sings about his girlfriend who seems to have left him. Unlike many people, I don’t dismiss it and find it a very beautiful love song, which works well as a break between the two epic songs surrounding it.

“The Battle of Epping Forest” is a very intricate song, full of emotions and based on a chronicle of gang battles that constantly fought in London. At first, it resembles a military march with drum rolls; then, after fading out, the song begins. The amount of time changes delights the most demanding progressive rock fans. It’s interesting to pay attention to the lyrics to see how they create a clear picture of what is happening. In this regard, the greatest credit goes to Peter Gabriel and his fantastic interpretive qualities. Hackett, with his guitar, has a good moment when Gabriel talks about a priest meeting a stripper, delivering a fascinating and mysterious supporting line. It’s a complex track with difficult vocals, great keyboards, elegant and more energetic guitars, like in the final solo, with discrete yet well-executed bass lines, and excellent drum phrases.

“After The Ordeal” is again a point of rest between two epic tracks. An instrumental work of incredible beauty, maintaining the rich atmosphere of the album with a variant of sublime melodies. Steve Hackett stands out, delighting the listener with excellent acoustic and electric instrumentation. Deceptively simple, it is extremely rewarding.

Perhaps excluding “The Musical Box”, “Cinema Show” is the most emotional song Peter Gabriel wrote with Genesis. It features wonderfully crafted synthesizers and captivating guitar melodies, along with one of Gabriel's best vocal performances. Around three minutes in, a dreamy and beautiful sound extends until the return of vocals and instrumentals. The final part is the most progressive, with highlights on Tony Banks's keyboards. It’s a moment that requires full attention and respect for the listener to truly grasp the band's idea, to the point of feeling transported to another dimension. "Aisle of Plenty", which follows, is a short track of less than two minutes but very beautiful, merely continuing “Cinema Show”.

Selling England by the Pound is an album of rare beauty, unmatched musical sensitivity, the kind that graces the Earth only once in many years. It is one of the sacred bibles of progressive rock. Tony Banks was exceptional, being definitely his best work with the band, sometimes subtle, sometimes showing great skill on the keys. Steve Hackett excelled in creating atmospheres with the Genesis signature that only he could and can achieve. He had already shown great performance on the previous two albums, but here, in addition to standing out individually, he worked extensively for the band. Peter Gabriel's vocals shine, with his voice production never being so good, delivering beautiful, theatrical, emotional, and unique performances that make him considered one of the most distinctive voices in the history of progressive rock, influencing countless bands in the following decades. Mike Rutherford does not occupy the same space as in previous albums, perhaps due to the prominence of Banks's keyboards, but he worked with solid, creative, and effective lines whenever called upon. Phil Collins on drums is impressive, not necessarily spectacular, but very meticulous with lines and movements that always build the songs on the album.

The production of this album is better than any of the previous ones. It is masterful and shows a band at its creative peak. Capable of enchanting the listener through instrumental passages that reach the soul and bring tears to the eyes. An album that was born, became, and will forever be one of the greatest classics in the history of progressive rock. Selling England by the Pound, more than deserving a review, deserves a declaration of love.

NOTA: 10/10

Tracks Listing: 

1. Dancing with the Moonlit Knight (8:04)
2. I Know What I Like (In Your Wardrobe) (4:08)
3. Firth of Fifth (9:38)
4. More Fool Me (3:10)
5. The Battle of Epping Forest (11:46)
6. After the Ordeal (4:16)
7. The Cinema Show (11:06)
8. Aisle of Plenty (1:32)

Ouça, "Firth Of Fifth"