Bandas como Emerson, Lake & Palmer enfrentam um problema recorrente: o conflito entre egos, que muitas vezes ofusca a própria música. À medida que esses egos se tornam mais evidentes, os músicos acabam atingindo um ponto onde cada um tenta ser o líder, o que convenhamos, torna mais difícil a colaboração e o funcionamento harmonioso do grupo. Não importa o quão talentosos e virtuosos sejam, a dinâmica interna pode se tornar um obstáculo.Works Volume 1, em particular, deve ser compreendido como uma coleção de contribuições individuais, cada uma ocupando um lado do vinil, culminando em um final onde vemos composições e performances conjuntas.
DISCO 1:
O primeiro lado é dominado por Keith Emerson, que apresenta seu "Piano Concerto No. 1". É fácil reconhecer o talento de um músico desse calibre em uma obra desse tipo, mas infelizmente isso não é suficiente para conquistar o ouvinte. Pessoalmente, nunca consegui me conectar com essa peça; tudo parece um tanto desordenado, sem uma estrutura clara, como se as influências e o desenvolvimento do concerto estivessem perdidos. Emerson, sem dúvida, tem talento e imaginação de sobra, mas o resultado aqui acaba soando mais pretensioso do que substancial.
O lado de Greg Lake traz uma suavidade que parece tentar recriar a atmosfera de sucessos comerciais da banda, como "Lucky Man" e "From the Beginning". No entanto, o resultado não atinge a mesma força e qualidade dessas faixas. Ainda assim, há destaques a serem mencionados, como "C'est La Vie" e "Closer to Believing", que mostram momentos de brilho, mesmo que não sejam suficientes para sustentar todo o lado.
DISCO 2:
É interessante lembrar que, quando resenhei o disco de estreia da banda, mencionei que Carl Palmer parecia não tocar no mesmo nível dos demais músicos, embora preenchesse bem seu espaço. Muitos interpretaram isso como uma crítica pessoal ao baterista, mas minha observação estava ligada apenas àquele momento específico. Curiosamente, neste disco, considero o lado de Carl Palmer o mais forte e agradável. A maneira como ele interpreta as músicas de Bach e Prokofiev com uma imaginação e qualidade incrível, além de uma composição própria com claras influências jazzísticas. Faixas como "The Enemy God Dances With The Black Spirits" e "Tank" são destaques inegáveis.
O último lado do disco, onde toda a banda finalmente se reúne, apresenta dois épicos: "Fanfare for the Common Man" e "Pirates". A primeira é uma boa adaptação da obra de Aaron Copland e se tornou um clássico nos shows da banda. Já "Pirates" é uma faixa sólida, mas que se estende além do necessário, provando que, mesmo no rock progressivo, onde as músicas são conhecidas por sua duração prolongada, às vezes, menos pode ser mais.
Em suma, considero este um bom disco, mas com um gosto amargo de que poderia ter sido muito melhor. Não é um álbum que recomendaria para ouvintes casuais da banda ou como porta de entrada para quem não está familiarizado com o grupo. Para esses casos, os trabalhos anteriores são mais indicados.
========
========
========
========
DISCO 1:
Bands like Emerson, Lake & Palmer often face a recurring problem: the clash of egos, which frequently overshadows the music itself. As these egos become more evident, the musicians eventually reach a point where each tries to be the leader, which, let’s be honest, makes collaboration and the harmonious functioning of the group more difficult. No matter how talented and virtuosic they are, internal dynamics can become an obstacle.Works Volume 1, in particular, should be understood as a collection of individual contributions, each occupying one side of the vinyl, culminating in a final section where we see joint compositions and performances.
The first side is dominated by Keith Emerson, who presents his "Piano Concerto No. 1." It’s easy to recognize the talent of a musician of this caliber in a piece of this type, but unfortunately, that’s not enough to captivate the listener. Personally, I’ve never been able to connect with this piece; everything feels somewhat disordered, without a clear structure, as if the influences and development of the concerto were lost. Emerson undoubtedly has talent and imagination to spare, but the result here ends up sounding more pretentious than substantial.
Greg Lake’s side brings a softness that seems to attempt to recreate the atmosphere of the band’s commercial hits like "Lucky Man" and "From the Beginning." However, the result doesn’t reach the same strength and quality as those tracks. Still, there are highlights worth mentioning, such as "C’est La Vie" and "Closer to Believing," which show moments of brilliance, even if they’re not enough to carry the entire side.
DISCO 2:
It’s interesting to remember that when I reviewed the band’s debut album, I mentioned that Carl Palmer didn’t seem to play on the same level as the other musicians, though he filled his role well. Many interpreted this as a personal critique of the drummer, but my observation was linked solely to that specific moment. Curiously, on this album, I consider Carl Palmer’s side to be the strongest and most enjoyable. The way he interprets the music of Bach and Prokofiev with incredible imagination and quality, as well as a composition of his own with clear jazz influences, is remarkable. Tracks like "The Enemy God Dances With The Black Spirits" and "Tank" are undeniable highlights.
The last side of the album, where the entire band finally comes together, features two epics: "Fanfare for the Common Man" and "Pirates." The former is a good adaptation of Aaron Copland’s work and has become a classic in the band’s live shows. Meanwhile, "Pirates" is a solid track, but it stretches beyond what’s necessary, proving that even in progressive rock, where songs are known for their extended lengths, sometimes less is more.
In summary, I consider this a good album, but with a bittersweet taste of what could have been much better. It’s not an album I would recommend to casual listeners of the band or as a gateway for those unfamiliar with the group. For those cases, earlier works are more suitable.
NOTA:5/10
Tracks Listing
DISCO 1:
-- Keith Emerson --
1. Piano Concerto No. 1 {Emerson} (18:28)
-- Greg Lake --
2. Lend Your Love to Me Tonight (4:05)
3. C'est La Vie (4:20)
4. Hallowed Be Thy Name (4:38)
5. Nobody Loves You Like I Do (4:00)
6. Closer to Believing (5:34)
DISCO 2:
-- Carl Palmer --
1. The Enemy God Dances with the Black Spirits (excerpt from "The Scythian
Suite" 2nd Movement) {Prokofiev} (3:21)
2. L.A. Nights (5:47)
3. New Orleans (2:50)
4. Two Part Invention in D Minor {Bach, arranged by Palmer} (1:58)
5. Food for Your Soul (4:02)
6. Tank (5:12)
-- Emerson, Lake & Palmer --
7. Fanfare for the Common Man {Aaron Copland, arranged by Emerson} (9:45)
8. Pirates (13:19)
Par Lindh Project sem dúvida é uma banda que merece mais reconhecimento no universo do rock progressivo. Quando alguém me pergunta sobre eles, a primeira palavra que me vem à mente é "injustiçada". É surpreendente e até um pouco triste perceber o quanto esse grupo parece subestimado, especialmente considerando a qualidade incrível da música que produzem. Eles conseguem criar composições impecáveis do início ao fim, adaptando-se a diversos estilos da música clássica, com uma ênfase particular no Barroco, ao mesmo tempo em que incorporam elementos sinfônicos e linhas mais pesadas ao seu som.
As habilidades de Par Lindh no órgão Hammond são inegáveis e são apoiadas por uma banda incrível que cria uma atmosfera maravilhosa em todo o álbum, mantendo sempre a sobriedade e o equilíbrio na música. Não há excessos ou performances individuais exageradas; tudo se encaixa perfeitamente, como uma sinfonia onde cada instrumento contribui para o conjunto, sem que nada se destaque de maneira desproporcional.
O álbum começa com "Baroque Impression No. 1", que já nos primeiros acordes de órgão nos mostra uma banda profundamente enraizada na música clássica, com influências claras de compositores como Bach e Vivaldi. No entanto, à medida que a faixa avança, a guitarra quase metálica de Jocke Ramsell entra em cena, lembrando-nos de que, apesar do início Barroco, estamos ouvindo rock progressivo. A música é repleta de passagens primorosas de guitarra, violão, baixo com uma ruptura intrigante, e um violino que complementa perfeitamente a composição. O órgão de Par Lindh, sempre enérgico e dinâmico, é o fio condutor que costura todos esses elementos juntos de maneira inventiva.
A segunda faixa, "The Crimson Shield", carrega uma incrível carga emocional em grande parte devido aos vocais de Magdalena Hagberg - infelizmente falecida em 2007 aos 34 anos devido a um câncer no cérebro -, que nos remetem à grandiosidade de Annie Haslam. Essa comparação não se dá apenas pelo fato de ambas serem mulheres, mas pela própria linha melódica da música e pela forma como os vocais são executados. O trabalho de clavinete é acentuado pelo Mellotron, criando uma atmosfera quase etérea. É uma música lindamente construída e que toca a alma.
A última faixa do álbum, que também é a faixa-título, "Mundus Incompertus", é um épico de mais de vinte e seis minutos. Uma obra de arte que nunca deixa o ouvinte com um sentimento de tédio, mas o conduz por meio de uma viagem sonora incrível. É uma combinação magistral de elementos característicos de gigantes do progressivo como King Crimson, Emerson, Lake & Palmer, e Van der Graaf Generator. A faixa começa suavemente, com a bela voz de Magdalena Hagberg, mas logo se transforma, revelando múltiplas facetas. Ela transporta o ouvinte do período Gótico ao Barroco em questão de segundos. A bateria de Nisse Bielfeld é o que mantém a integridade da música; enquanto o restante dos instrumentos pode vagar livremente, Bielfeld sempre mantém a trilha no tempo certo, como um verdadeiro metrônomo humano. A música é agressiva, dinâmica e liderada por impressionantes performances de órgão e guitarra. É uma composição onde se pode esperar de tudo: solos de órgão em estilo gótico, passagens de jazz, violino dramático, guitarra frenética, baixo sólido, e mudanças radicais de direção, além de excelentes trabalhos de piano, moog e mellotron. Resumindo, é uma verdadeira aula de rock progressivo.
Muitas vezes, Par Lindh é comparado a Keith Emerson, e alguns podem dizer que essa comparação tira um pouco do brilho de sua obra. Mas, sinceramente, acredito que existem poucas semelhanças. Emerson era conhecido por sua extravagância e estilo excessivo, enquanto Par Lindh é mais contido e sóbrio. São dois músico incríveis, mas cada um à sua maneira. Este é um disco obrigatório para os fãs de rock progressivo dos anos 70 e que procuram bandas modernas sem perder o espírito dos anos dourados do gênero.
========
========
========
========
Par Lindh Project is undoubtedly a band that deserves more recognition in the progressive rock universe. When someone asks me about them, the first word that comes to mind is "underrated." It’s surprising and even a little sad to realize how overlooked this group seems to be, especially considering the incredible quality of the music they produce. They manage to create flawless compositions from start to finish, adapting to various styles of classical music, with a particular emphasis on the Baroque, while simultaneously incorporating symphonic elements and heavier lines into their sound.
Par Lindh's skills on the Hammond organ are undeniable, supported by an incredible band that creates a wonderful atmosphere throughout the album, always maintaining sobriety and balance in the music. There are no excesses or exaggerated individual performances; everything fits together perfectly, like a symphony where each instrument contributes to the whole without anything standing out disproportionately.
The album begins with "Baroque Impression No. 1," which, in the first organ chords, already shows us a band deeply rooted in classical music, with clear influences from composers like Bach and Vivaldi. However, as the track progresses, Jocke Ramsell's almost metallic guitar comes into play, reminding us that despite the Baroque beginning, we are listening to progressive rock. The music is filled with exquisite passages of guitar, acoustic guitar, bass with an intriguing break, and a violin that perfectly complements the composition. Par Lindh's organ, always energetic and dynamic, is the thread that stitches all these elements together in an inventive way.
The second track, "The Crimson Shield," carries an incredible emotional weight largely due to the vocals of Magdalena Hagberg—Unfortunately, she passed away in 2007 at the age of 34
due to brain cancer—evoking the grandeur of Annie Haslam. This comparison is not made merely because both are women, but due to the melodic line of the music itself and the way the vocals are executed. The clavinet work is accentuated by the Mellotron, creating an almost ethereal atmosphere. It’s a beautifully constructed piece of music that touches the soul.
The final track of the album, which is also the title track,"Mundus Incompertus," is an epic of over twenty-six minutes. A masterpiece that never leaves the listener feeling bored but rather takes them on an incredible sonic journey. It’s a masterful combination of elements characteristic of progressive giants like King Crimson, Emerson, Lake & Palmer, and Van der Graaf Generator. The track begins softly, with Magdalena Hagberg's beautiful voice, but soon transforms, revealing multiple facets. It transports the listener from the Gothic to the Baroque period in a matter of seconds. Nisse Bielfeld’s drumming is what maintains the integrity of the music; while the other instruments may roam freely, Bielfeld always keeps the track in perfect time, like a true human metronome. The music is aggressive, dynamic, and led by impressive organ and guitar performances. It’s a composition where you can expect anything: gothic-style organ solos, jazz passages, dramatic violin, frenetic guitar, solid bass, and radical changes in direction, along with excellent piano, Moog, and Mellotron work. In short, it’s a true masterclass in progressive rock.
Par Lindh is often compared to Keith Emerson, and some might say that this comparison takes away a bit of the shine from his work. But honestly, I believe there are few similarities. Emerson was known for his extravagance and excessive style, while Par Lindh is more restrained and sober. They are both incredible musicians, each in their own way. This is a must-have album for fans of 70s progressive rock who are looking for modern bands without losing the spirit of the genre’s golden years.
The Circle Project é um projeto espanhol idealizado por Ángel
G. Lajarí – que não canta e nem toca nenhum dos instrumentos, mas se posiciona na produção,
na criação de arte e design gráfico, além de ser o gerente do projeto. O som da banda se destaca pela sua abordagem
criativa que combina muito bem literatura e uma ampla gama de gêneros musicais,
com um enfoque especial no art rock. A proposta da banda é
oferecer uma experiência musical que vai além da simples apreciação sonora.
Suas composições não são apenas sofisticadas e elaboradas, mas também carregam
narrativas literárias profundas e envolventes que capturam a imaginação e o
coração de quem se deixa embarcar no mundo criado pelo grupo. Ao integrar
elementos de storytelling com arranjos musicais sinfônicos, a banda proporciona
uma imersão completa no universo das suas criações.
Considero a gênese do The Circle Project bastante curiosa. O
conceito da banda surgiu a partir de uma série de discussões entre os membros
do grupo espanhol no Facebook denominado Prog Circle. Este grupo, dedicado ao
rock progressivo e seus diversos subgêneros, funcionou como um ponto de
encontro virtual para entusiastas da música progressiva. E foi nesse espaço que
a paixão pela música encontrou um terreno fértil, permitindo que ideias
criativas fossem compartilhadas e exploradas. As conversas e interações dentro
do grupo não apenas fomentaram a troca de influências e experiências, mas
também ajudaram a moldar a visão e a identidade do projeto que estavam prestes
a iniciar.
Bestiario II é o segundo álbum do grupo, e como o próprio
nome sugere, dá continuidade à temática explorada em seu antecessor. O conceito
permanece centrado em uma fascinante coleção de descrições de criaturas, sejam
elas reais ou mitológicas. Cada música funciona como uma entrada em um
bestiário sonoro, onde melodias e arranjos muito bem compostos evocam a
natureza, o mistério e a magia que envolvem esse assunto. Assim, Bestiario II não
apenas complementa o trabalho anterior, mas também expande o universo sonoro e
imaginativo do grupo.
Ainda que cada música tenha os seus méritos e valem apena, vou comentar sobre as músicas que mais gostei. Antes, por
meio de um Manual De Criptozoología, uma voz nos dá as boas-vindas a essa nova
viagem por esse universo fascinante e proporcionada pelo grupo: Um novo
livro esperado chegou em nossas mãos. Voltaremos a viajar no tempo e no espaço com
animais impossíveis, coloridos e arcanos, de terras distantes e oceanos passados.
Para ouvir suas canções, abramos novamente o bestiário. Após essa narração
introdutória, o disco começa por meio de “Mantícora”, uma criatura mitológica
de origem persa, posteriormente incorporado à mitologia grega e que tem uma
cabeça de homem, corpo de leão e cauda de dragão ou escorpião. O violão inicia
com um deslizar solitário, mas logo outros instrumentos entram em cena, cada um
trazendo sua própria cor e textura, enriquecendo a composição e criando uma
harmonia que evolui gradualmente. Interessante uma música tão delicada para
simbolizar uma criatura tão feroz. A ideia pode ser a de explorar uma narrativa
sobre a coexistência de força e delicadeza, ou mesmo sobre a natureza enganosa
das aparências.
É uma espécie de lula gigante que vive nas profundezas
abissais. O tamanho excessivo de seus tentáculos cria grandes redemoinhos –
semelhantes aos de Caríbdis no Estreito de Messina – e é capaz de afundar
barcos. Já mencionado em bestiários medievais e por Jules Verne, hoje
representa mais um mistério do oceano, talvez menos conhecido do que o nosso
sistema solar. Com essas palavras,"Architeutis Dux -Kraken" nos é apresentada.
A produção sonora é muito bem projetada para refletir a vastidão e a escuridão
das águas profundas. Os arranjos experimentais são ricos em texturas e camadas,
criando um senso palpável de profundidade e complexidade que é emblemático das
lendas que cercam essa criatura.
“Pardus Alatus Nero”, um felino voador implacável e
imponente, descrito na narração que antecede a música como, nobre, forte e
musculoso, capaz de lançar-se ao oceano durante seus voos para caçar focas,
ursos polares e até mesmo lobos marinhos. Ele desce até as profundezas marinhas
em busca de um parceiro, e uma vez que encontra seu objeto de amor platônico,
nunca o esquece, apesar de sempre retornar ao seu lugar de origem. Começa
de forma serena, quase onírica. O violão o o hulusi – instrumento chinês de
sopro - dominam a peça por um bom tempo, até que há uma mudança de direção com a entrada
da seção rítmica e guitarra elétrica, trazendo energia e peso para a peça. Essa
mudança de sonoridade, pode ser visto como o momento que a criatura revela sua
verdadeira natureza, deixando a calmaria para assumir uma presença dominante e
ameaçadora.
“Meirga”, aqui a banda parece está focada apenas em um tipo
de meiga, porém, é bom deixar claro que as meigas podem ser divididas em
diferentes tipos, como as "meigas chuchonas," que sugam a energia
vital das pessoas, as "meigas de mal," que são mais maléficas e
citadas na narração, além das "meigas boas" ou "meigas de
bien" que são consideradas curandeiras ou protetoras. Por meio de uma
sonoridade delicada produzida por teclados em camadas e violão, deitam alguns
vocais emotivos que cantam sobre a dor causada por uma mulher que esmagou seu
coração e lançou um feitiço sobre ele. A cominação da música e a sua narração, que
de certa forma, pode ser um simples efeito de uma manipulação emocional, aqui
ganha uma conexão com algo mais amplo e misterioso.
“Rainbow Leprechaun” é uma criatura que têm suas raízes na
mitologia irlandesa, onde são conhecidos como pequenos seres encantados, muitas
vezes descritos como travessos e solitários e que guardam potes de ouro no
final do arco-íris. A ideia do "Rainbow Leprechaun" é uma evolução
dessa tradição, incorporando a magia e a cor vibrante dos arco-íris. A música
começa com uma atmosfera grandiosa e sombria, marcada por arranjos sinfônicos
que criam uma sensação de mistério e profundidade. A transição ocorre com a
introdução de uma bateria de estilo militar acompanhada pelo baixo, que conduz
a peça a um território mais robusto na quantidade de instrumentos utilizados.
Segue-se um breve solo de escaleta, seguido por um de guitarra. Após esse
momento de destaque, a música retorna a uma sonoridade serena, guiada pela flauta
delicada e mantendo essa tranquilidade até o desfecho. Nem sempre é fácil achar
uma relação da música e a criatura, mas ao menos a atmosfera grandiosa e
sombria no início, pode ilustrar o Rainbow Leprechaun, uma figura que carrega
um mistério e uma aura enigmática.
“Tardo”, não confundir com o ser lendário de mesmo nome, mas
da mitologia dos povos indígenas da região da Amazônia. Aqui se trata do Tardo
da Galícia, que é frequentemente retratado como uma entidade que vive nas áreas
rurais e florestais. Pode ter uma aparência que mistura elementos humanos e
animais, como orelhas pontudas ou olhos brilhantes. Gosta de aprontar com os
seres humano, fazendo, por exemplo, com que se percam em florestas ou sintam
sensações ruins como dores e pesadelos. Possui uma musicalidade bastante forte,
principalmente por meio de uma seção rítmica enérgica e teclados sinfônicos.
Enquanto isso, o vocal se apresenta da perspectiva do Tardo, ou seja, como uma
figura poderosa e ameaçadora, que manipula e domina os medos e ansiedades da
pessoa a quem se dirige. A sensação sinfônica de grandiosidade e mistério da música
acaba ressoando com a natureza folclórica e enigmática da criatura.
"Papilio Evanescens" é
uma borboleta de asas coloridas, por isso, o nome Papilio, que significa
borboleta, enquanto que ”Evanescens" pode ser interpretado como algo que
se desvanece ou desaparece, indicando que a criatura pode ter a habilidade de
desaparecer. Inicialmente uma lagarta planta, seu desaparecimento abrupto após se
transformar em borboleta também costuma ser associado a características
místicas, como a capacidade de viajar entre mundos ou dimensões. Musicalmente,
a primeira parte da canção se destaca por sua atmosfera etérea, onde os vocais
femininos sobrepostos – ainda que sejam da mesma vocalista - flutuam com uma
delicadeza celestial.
No núcleo da música, uma flauta encantadora surge acompanhada por batidas percussivas que trazem uma leveza rítmica. Então que a seção
rítmica emerge com mais vigor, impulsionando a canção para um caminho de
intensidade. Essa mudança de direção é marcada por um solo de teclado, seguido
por um solo de guitarra, onde ambos edificam a composição. Dessa forma, Papilio
Evanescens se torna uma metáfora viva para a música, personificando a transição
da suavidade para a intensidade, da fragilidade para a força, tudo enquanto
mantém sua natureza graciosa e transcendental. Além disso, sua forma de existir
e desaparecer, nos faz questionar por meio da parte final de sua letra, “Sua
ausência nos obriga a perguntar se há algo além ao morrer", sobre a
morte e o mistério do que vem depois, levando à ponderação sobre a existência
de uma vida após a morte ou uma continuação em outro plano.
“Draculis Scarabus” dá nome a uma criatura que exibe uma
carapaça negra e reluzente e que é cuidadosamente adornada com marcas
escarlates, evocando a imagem de olhos vigilantes ou garras afiadas. Esses
detalhes não só acentuam, mas também amplificam sua aparência intimidadora. Inicialmente, algumas notas solitárias do baixo são
acompanhadas por uma sonoridade que parece ter sido tirada de algum filme de
terror dos anos 70, então a música entra em uma linha mais eletrônica, porém,
ainda mantendo o toque atmosférico, que a essa altura também dá à faixa algumas leves pinceladas de psicodelia.
Mais perto do fim, a bateria se intensifica, onde junta dos demais
instrumentos, cria um clima quase que angustiante. Considero está a música que
mais se aparenta com a criatura que representa, tendo o seu som convertido em
uma essência sombria e experiência horripilante, tal qual a de se deparar com a
criatura mencionada.
Assim como aconteceu com o começo do disco, no seu final
também há uma breve mensagem do Manual De Criptozoología, já deixando em aberto
que uma terceira parte pode acontecer: A história termina, segundo
bestiário, treze outros novos seres povoam nossa imaginação. O mapa de Urbano
Monte serviu como um quadro para outra grande viagem por lugares estranhos e
novos. Vamos fechar este manuscrito agora, talvez outro esteja esperando.
Bestiário II é um disco encantador, tecido com uma tapeçaria
sonora rica e harmoniosa. O álbum se destaca pela sua melodia envolvente e pela
harmonia delicada que permeia cada faixa, criando uma experiência imersiva e
cativante. Vale destacar também, a maneira como a banda ocasionalmente se
aventura por territórios mais pesados, com momentos de musicalidade intensa que
contrastam de forma eficaz com a suavidade predominante.
Cada música parece capturar a essência da criatura que
representa, proporcionando um retrato sonoro vívido e expressivo. A transição
entre a suavidade e a intensidade é executada com classe, permitindo que o
álbum conte histórias ricas e variadas, todas ancoradas em uma narrativa coesa
e sensível. Por fim, Bestiário II é um convite para uma jornada através
de um universo sonoro repleto de contrastes, onde a beleza melódica e a força
musical se encontram em uma dança harmoniosa, sempre respeitando a mitologia e
a imagem evocada por cada composição.
========
========
========
========
The Circle Project is a Spanish project conceived by Ángel G. Lajarí – who neither sings nor plays any of the instruments but takes on roles in production, art creation, and graphic design, as well as project management. The band's sound stands out for its creative approach, skillfully blending literature with a wide range of musical genres, with a special focus on art rock. The band's aim is to provide a musical experience that goes beyond mere auditory appreciation. Their compositions are not only sophisticated and elaborate but also carry deep and engaging literary narratives that capture the imagination and heart of those who immerse themselves in the world created by the group. By integrating storytelling elements with symphonic musical arrangements, the band offers a complete immersion into their creative universe.
The genesis of The Circle Project is quite intriguing. The band's concept emerged from a series of discussions among members of the Spanish Facebook group called Prog Circle. This group, dedicated to progressive rock and its various subgenres, served as a virtual meeting point for enthusiasts of progressive music. It was in this space that the passion for music found fertile ground, allowing creative ideas to be shared and explored. The conversations and interactions within the group not only fostered the exchange of influences and experiences but also helped shape the vision and identity of the project that was about to begin.
Bestiario II is the group's second album, and as the name suggests, it continues the theme explored in its predecessor. The concept remains centered around a fascinating collection of descriptions of creatures, whether real or mythical. Each song functions as an entry in a sonic bestiary, where well-crafted melodies and arrangements evoke the nature, mystery, and magic surrounding the subject. Thus, Bestiario IInot only complements the previous work but also expands the group's sonic and imaginative universe.
Although each song has its merits and is worth mentioning, I will comment on the ones I liked the most. First, through a Manual De Criptozoología, a voice welcomes us to this new journey through the fascinating universe provided by the group: A new awaited book has arrived in our hands. We will travel again through time and space with impossible, colorful, and arcane animals from distant lands and past oceans. To listen to their songs, let us once again open the bestiary. After this introductory narration, the album begins with “Mantícora,” a mythological creature of Persian origin, later incorporated into Greek mythology, with a human head, lion's body, and a dragon or scorpion tail. The acoustic guitar starts with a solitary glide, but soon other instruments join in, each bringing its own color and texture, enriching the composition and creating a harmony that gradually evolves. It is interesting to see such a delicate song symbolize such a fierce creature. The idea might be to explore a narrative about the coexistence of strength and delicacy, or even the deceptive nature of appearances.
It is a type of giant squid that lives in the abyssal depths. The excessive size of its tentacles creates large whirlpools – similar to Charybdis in the Strait of Messina – and is capable of sinking ships. Mentioned in medieval bestiaries and by Jules Verne, it now represents another mystery of the ocean, perhaps less known than our solar system. With these words, "Architeutis Dux -Kraken" is presented to us. The sound production is well-designed to reflect the vastness and darkness of the deep waters. The experimental arrangements are rich in textures and layers, creating a palpable sense of depth and complexity that is emblematic of the legends surrounding this creature.
“Pardus Alatus Nero,” a relentless and imposing flying feline, described in the narration preceding the song as noble, strong, and muscular, capable of diving into the ocean during its flights to hunt seals, polar bears, and even sea lions. It descends to the marine depths in search of a mate, and once it finds its object of platonic love, it never forgets, despite always returning to its place of origin. It begins serenely, almost dreamily. The guitar and the hulusi – a Chinese wind instrument – dominate the piece for a while until there is a change of direction with the entry of the rhythmic section and electric guitar, bringing energy and weight to the piece. This change in sound can be seen as the moment the creature reveals its true nature, leaving calmness to assume a dominant and threatening presence.
“Meirga” here seems to focus solely on a type of meiga, but it is worth clarifying that meigas can be divided into different types, such as "meigas chuchonas," which drain people's vital energy, "meigas de mal," which are more malevolent and mentioned in the narration, and "meigas boas" or "meigas de bien," which are considered healers or protectors. Through delicate sound produced by layered keyboards and guitar, some emotive vocals sing about the pain caused by a woman who crushed his heart and cast a spell on it. The combination of the song and its narration, which could be a simple effect of emotional manipulation, gains a connection with something broader and more mysterious here.
“Rainbow Leprechaun” is a creature rooted in Irish mythology, where they are known as small enchanted beings, often described as mischievous and solitary, and guarding pots of gold at the end of the rainbow. The idea of the "Rainbow Leprechaun" is an evolution of this tradition, incorporating the magic and vibrant color of rainbows. The song starts with a grand and dark atmosphere, marked by symphonic arrangements that create a sense of mystery and depth. The transition occurs with the introduction of a military-style drum accompanied by bass, leading the piece to a more robust territory in terms of instrument quantity. This is followed by a brief xylophone solo, then a guitar solo. After this highlight, the song returns to a serene sound, guided by the delicate flute and maintaining this tranquility until the end. It is not always easy to find a connection between the music and the creature, but at least the grand and dark atmosphere at the beginning can illustrate the Rainbow Leprechaun, a figure that carries a mystery and enigmatic aura.
“Tardo,” not to be confused with the legendary being of the same name from the mythology of indigenous peoples of the Amazon region, refers here to the Tardo from Galicia, often portrayed as an entity living in rural and forested areas. It may have an appearance that blends human and animal elements, such as pointed ears or glowing eyes. It enjoys playing tricks on humans, making them get lost in forests or experience unpleasant sensations like pain and nightmares. It has a very strong musicality, mainly through an energetic rhythmic section and symphonic keyboards. Meanwhile, the vocals present themselves from the perspective of the Tardo, as a powerful and threatening figure that manipulates and dominates the fears and anxieties of the person it addresses. The symphonic sense of grandeur and mystery of the music resonates with the folkloric and enigmatic nature of the creature.
"Papilio Evanescens" is a butterfly with colorful wings, hence the name Papilio, which means butterfly, while "Evanescens" can be interpreted as something that fades or disappears, indicating that the creature might have the ability to vanish. Initially a caterpillar plant, its abrupt disappearance after transforming into a butterfly is also often associated with mystical characteristics, such as the ability to travel between worlds or dimensions. Musically, the first part of the song stands out for its ethereal atmosphere, where overlapping female vocals – even though they are from the same singer – float with a celestial delicacy.
At the core of the song, a charming flute emerges accompanied by percussive beats that bring rhythmic lightness. Then the rhythmic section emerges with more vigor, propelling the song towards a path of intensity. This change in direction is marked by a keyboard solo, followed by a guitar solo, where both build up the composition. Thus, Papilio Evanescens becomes a living metaphor for the music, embodying the transition from softness to intensity, from fragility to strength, all while maintaining its graceful and transcendental nature. Furthermore, its way of existing and disappearing makes us question through the final part of its lyrics, "Its absence compels us to ask if there is something beyond death," about death and the mystery of what comes after, leading to pondering the existence of an afterlife or continuation in another realm.
“Draculis Scarabus” names a creature with a black and shiny carapace, carefully adorned with scarlet markings, evoking the image of vigilant eyes or sharp claws. These details not only accentuate but also amplify its intimidating appearance. Initially, some solitary bass notes are accompanied by a sound reminiscent of a 70s horror film, then the music transitions to a more electronic line, still maintaining an atmospheric touch, which also gives the track some light psychedelic hints. Near the end, the drums intensify, and along with the other instruments, creates an almost distressing atmosphere. I find this the song that most resembles the creature it represents, with its sound turned into a dark essence and horrifying experience, akin to encountering the mentioned creature.
Just as with the beginning of the album, there is a brief message from the Manual de Criptozoología at its end, suggesting that a third part may be on the way: The story ends, according to the bestiary, with thirteen more new beings populating our imagination. Urbano Monte's map served as a framework for another great journey through strange and new places. Let us close this manuscript now; perhaps another one is waiting.
Bestiário II is a charming album, woven with a rich and harmonious sonic tapestry. The album stands out for its engaging melody and the delicate harmony that permeates each track, creating an immersive and captivating experience. It's also worth noting how the band occasionally ventures into heavier territories, with moments of intense musicality that effectively contrast with the prevailing softness.
Each song seems to capture the essence of the creature it represents, providing a vivid and expressive sonic portrait. The transition between softness and intensity is executed with class, allowing the album to tell rich and varied stories, all anchored in a cohesive and sensitive narrative. In the end, Bestiário II is an invitation to a journey through a sonic universe full of contrasts, where melodic beauty and musical strength meet in a harmonious dance, always respecting the mythology and the image evoked by each composition.
Jean-Pierre Louveton é uma figura de destaque no rock progressivo francês contemporâneo, conhecido principalmente por seu trabalho com a banda Nemo. Em sua carreira solo, Louveton mantém a essência progressiva que o consagrou, mas também demonstra uma abordagem distintiva. Ele é um artista multifacetado, dominando não apenas a guitarra, mas compondo também os vocais, o baixo, os teclados, a programação e a percussão. A sua habilidade em mesclar o som característico da Nemo com novas direções musicais faz de sua obra solo uma experiência sonora rica e original.
O álbum abre por meio de "Un Livre Ouvert", criando uma atmosfera aveludada com a suavidade da guitarra acústica. À medida que a música se desenvolve, há uma surpreendente semelhança momentânea com “Sweet Home Alabama”, embora seja a paixão e a intensidade do vocal de Louveton que realmente conduza a faixa. A guitarra de Louveton, acompanhada de influências sintetizadas, leva a música por direções fascinantes. A bateria de Jean Itier, um veterano da Nemo e um dos convidados do álbum, se encaixa perfeitamente, demonstrando sua habitual atenção aos detalhes.
“L'ermite” destaca-se como uma das joias do álbum. Com mais de nove minutos de duração, a faixa oferece uma viagem musical que alterna entre momentos pesados e leves, imersos em riffs melancólicos e um piano sólido de Guillaume Fointaine, também integrante da Nemo. O vocal de Louveton é profundo e solene, proporcionando uma experiência auditiva que revela novas camadas a cada audição. A faixa é realmente incrível, cujos contrastes criam um impacto emocional profundo e evocativo. “Joker” é uma explosão de energia, marcada por mudanças de ritmo e guitarras pesadas que se entrelaçam em riffs penetrantes e licks ousados. Os vocais de Steph Honde, em inglês e com uma entrega selvagem, contrastam com o estilo característico de Louveton, trazendo uma nova dimensão à música. O ritmo pulsante e exuberante adiciona uma vivacidade contagiante, destacando-se como uma celebração musical cheia de vigor.
“Trompe la Mort” oferece um refúgio acústico com uma bela linha de baixo, caracterizando-se por um vocal emotivo e uma atmosfera suave. A percussão tropical e o violão acústico imbuem a faixa com uma delicadeza e groove irresistíveis, criando uma experiência relaxante. “L'étoile du Nord” eleva o álbum com sua combinação de fragilidade acústica e raiva melancólica, abordando temas de amor, fé e coragem. A faixa apresenta riffs limpos de guitarra sobre uma base melódica impressionante, ampliando a característica sinfônica do álbum de forma envolvente e poderosa.
“Convoléances” é uma etapa adicional na jornada musical do álbum. A melodia triste e o vocal emocionante são complementados por uma guitarra sublime e uma bateria sincopada que intensifica o sentimento de agonia. Louveton oferece um solo de guitarra que ilumina a faixa com uma profundidade musical encantadora, resultando em uma canção belíssima“La Peste et le Choléra” começa com uma energia vibrante, impulsionada por um riff pesado e uma melodia dinâmica. A bateria nervosa e o virtuosismo de Louveton transformam a faixa em uma tempestade de notas impressionantes. A segunda seção, falada em inglês, entrega uma dimensão adicional, destacando um solo de baixo marcante e intensificando a excelência musical da faixa.
“Jehanne” é uma peça épica que parece homenagear Joana d’Arc, explorando o potencial do progressivo para narrar eventos históricos com uma abordagem musical contemporânea. Com mais de dez minutos de diversidade dramática, a música é uma combinação emocionante de guitarras, arranjos sinfônicos e um lindo final, repetindo o mesmo tema que inicia o disco por meio de uma guitarra acústica solo, mas agora sendo reproduzido com a banda completa, destacando-se como um dos momentos mais belos do álbum. O disco encerra com a faixa-título, “Le Livre Blanc”, sendo 100% instrumental, a jornada musical termina com uma expressão sinfônica esplêndida. O trabalho de Louveton é impressionante, com notas flexíveis e riffs precisos, enquanto isso, baixo e bateria produzem uma seção rítmica sólida . Esta peça é um excelente exemplo de puro rock progressivo, evidenciando o talento de Louveton.
Em suma, Un Livre Ouvert é um álbum que proporciona uma experiência auditiva profunda e envolvente. A paixão e a habilidade de Jean-Pierre Louveton brilham em cada faixa, e a riqueza musical do álbum revela algo novo a cada audição. Este trabalho é um testemunho do talento de Louveton e uma adição notável ao seu legado musical.
========
========
========
========
Jean-Pierre Louveton is a prominent figure in contemporary French progressive rock, best known for his work with the band Nemo. In his solo career, Louveton retains the progressive essence that established him but also showcases a distinctive approach. He is a multifaceted artist, excelling not only on guitar but also composing vocals, bass, keyboards, programming, and percussion. His ability to blend Nemo’s characteristic sound with new musical directions makes his solo work a rich and original auditory experience.
The album opens with "Un Livre Ouvert," creating a velvety atmosphere with the softness of acoustic guitar. As the music develops, there is a surprising momentary resemblance to "Sweet Home Alabama," though it is Louveton’s passionate and intense vocals that truly drive the track. Louveton’s guitar, accompanied by synthesized influences, takes the music in fascinating directions. The drumming of Jean Itier, a veteran of Nemo and one of the album’s guests, fits perfectly, demonstrating his usual attention to detail.
“L'ermite” stands out as one of the album’s gems. With a duration of over nine minutes, the track offers a musical journey that alternates between heavy and light moments, immersed in melancholic riffs and a solid piano by Guillaume Fointaine, also a member of Nemo. Louveton’s vocals are deep and solemn, providing an auditory experience that reveals new layers with each listen. The track is truly remarkable, with its contrasts creating a profound and evocative emotional impact. “Joker” is an explosion of energy, marked by rhythm changes and heavy guitars intertwining in penetrating riffs and bold licks. Steph Honde’s vocals, in English and with a wild delivery, contrast with Louveton’s characteristic style, bringing a new dimension to the music. The pulsating and exuberant rhythm adds a contagious vitality, standing out as a vigorous musical celebration.
“Trompe la Mort” offers an acoustic refuge with a beautiful bass line, characterized by emotive vocals and a smooth atmosphere. Tropical percussion and acoustic guitar infuse the track with irresistible delicacy and groove, creating a relaxing experience. “L'étoile du Nord” elevates the album with its combination of acoustic fragility and melancholic anger, addressing themes of love, faith, and courage. The track features clean guitar riffs over an impressive melodic base, enhancing the album’s symphonic characteristic in an engaging and powerful manner.
“Convoléances” is an additional step in the album’s musical journey. The sad melody and emotional vocals are complemented by a sublime guitar and syncopated drumming that intensifies the feeling of anguish. Louveton delivers a guitar solo that illuminates the track with charming musical depth, resulting in a beautifully crafted song. “La Peste et le Choléra” begins with vibrant energy, driven by a heavy riff and dynamic melody. The nervous drumming and Louveton’s virtuosity transform the track into a storm of impressive notes. The second section, spoken in English, adds an extra dimension, highlighting a distinctive bass solo and intensifying the track’s musical excellence.
“Jehanne” is an epic piece that seems to honor Joan of Arc, exploring the progressive potential to narrate historical events with a contemporary musical approach. With over ten minutes of dramatic diversity, the music is an exciting blend of guitars, symphonic arrangements, and a beautiful ending, repeating the theme that opens the album with a solo acoustic guitar, now performed with the full band, standing out as one of the album’s most beautiful moments. The album concludes with the title track, “Le Livre Blanc,” which is 100% instrumental, as the musical journey ends with a splendid symphonic expression. Louveton’s work is impressive, with flexible notes and precise riffs, while the bass and drums create a solid rhythmic section. This piece is an excellent example of pure progressive rock, showcasing Louveton’s talent.
In summary, Un Livre Ouvert is an album that provides a deep and engaging listening experience. Jean-Pierre Louveton’s passion and skill shine through in every track, and the album’s musical richness reveals something new with each listen. This work is a testament to Louveton’s talent and a notable addition to his musical legacy.
NOTA: 8.5/10
Tracks Listing
1. Un Livre Ouvert (5:55)
2. L'ermite (9:28)
3. Joker (6:38)
4. Trompe La Mort (4:12)
5. L'étoile Du Nord (5:55)
6. Convoléances (5:31)
7. La Peste Et Le Choléra / L'antidote (7:17)
8. Jehanne (10:44)
9. Le Livre Blanc (6:10)
Vietato Ai Minori Di 18 Anni?é um clássico do rock progressivo italiano que se destaca por sua ousadia e abordagem temática controversa. Embora bandas como Premiata Forneria Marconi, Banco del Mutuo Soccorso e Le Orme sejam frequentemente celebradas como as principais representantes do rock progressivo italiano, há muitas outras formações que oferecem experiências musicais intrigantes e complexas. O Jumbo é um exemplo notável dessa diversidade, oferecendo um som que pode ser até mais enigmático e provocativo, especialmente para aqueles dispostos a explorar além dos nomes mais conhecidos.
O título do álbum, que se traduz como “Proibido para menores de 18 anos?”, reflete a abordagem audaciosa e sem censura do grupo. O LP aborda questões sociais e culturais desconfortáveis e frequentemente evitadas, como homossexualidade, masturbação, alienação, alcoolismo, toxicodependência, prostituição e religião. A banda opta por explorar esses temas sem recorrer a alegorias ou disfarces, proporcionando uma visão crua e direta das inquietações que permeiam a sociedade. O álbum é intenso e multifacetado, apresentando uma atmosfera densa que mistura elementos de agressividade e introspecção, com momentos de religiosidade inesperados.
A abertura do álbum, “Specchio”, é um exemplo brilhante da capacidade do Jumbo de combinar diferentes texturas e dinâmicas musicais. Os vocais de Alvaro Fella surgem com força e acolhimento, criando uma base sólida sobre a qual a música se desenvolve. A faixa apresenta uma mistura envolvente de passagens enérgicas e seções mais serenas, com o uso de guitarra acústica e elétrica, órgão, flautas e linhas marcantes de baixo. A bateria poderosa complementa a construção da faixa, enquanto uma pausa instrumental, destacando o violino e o piano em um contexto sombrio, oferece um contraste fascinante. É um começo excelente para o álbum.
“Come Vorrei Essere Uguale A Te” inicia com um piano distante e que rapidamente cede lugar a uma guitarra acústica e depois a uma guitarra elétrica. A linha de baixo é destacada e muito bem executada, enquanto os vocais são contidos e reservados. A segunda metade da música ganha uma nova dimensão com uma bateria mais agressiva e que intensifica a experiência auditiva. “Il Ritorno Del Signor K.” proporciona um respiro necessário no álbum, apresentando uma construção tranquila com guitarra folk e piano. Os vocais são emotivos e a faixa oferece um momento de calmaria antes de seu final um tanto desconcertante que pode deixar o ouvinte com uma sensação de inquietude.
“Via Larga” começa de maneira intrincada e cheia de sons variados, evocando a sensação de um desenho animado em alguns momentos. A música inclui um vocal excelente seguido por um interlúdio pastoral liderado por uma flauta que guia a música através de uma seção instrumental bela e envolvente. A faixa alterna entre momentos serenos e enérgicos, antes de concluir de maneira suave. “Gil” representa o ponto mais experimental do álbum, com passagens assustadoras e influências orientais. Os sons tribais são complementados por Mellotrons e vocais experimentais, tornando a faixa um desafio para o ouvinte, mas também uma experiência muito bem direcionada e coesa.
“Vangelo” continua na atmosfera caótica da faixa anterior, mas com uma maior variedade instrumental. Em menos de seis minutos, a música é capaz de ser suave, melódica, selvagem e poderosa. A diversidade e complexidade da faixa são destacadas pela interação dos instrumentos – guitarra, baixo, bateria e teclados – que brilham em diferentes momentos.“40 Gradi” é talvez a melhor performance vocal de Alvaro Fella no álbum. A faixa combina linhas de baixo pulsantes, trabalhos psicodélicos de guitarra, uma bateria bem posicionada e teclados oníricos, com o uso de saxofone que embora moderado é excelente. A combinação de elementos cria uma faixa marcante e envolvente. “No!” fecha o álbum com uma introdução de guitarra acústica dedilhada que é acompanhada por flauta e baixo. Os vocais são teatrais e a presença do Mellotron é notável, enquanto a bateria e o baixo se destacam com uma sonoridade pesada. A flauta e o órgão adicionam uma camada adicional de complexidade à faixa. Apesar de sua brevidade, “No!” é uma faixa de enceramento eficaz e memorável.
Embora Vietato Ai Minori Di 18 Anni?não seja necessariamente considerado uma obra-prima do rock progressivo italiano, sem dúvida é um álbum clássico e significativo. Com suas ideias musicais fortes e liricamente perturbadoras, ele se alinha facilmente com bandas como Comus ou Jan Dukes de Gray, oferecendo uma visão única e desafiadora dentro do gênero.
========
========
========
========
Vietato Ai Minori Di 18 Anni?is a classic of Italian progressive rock that stands out for its boldness and controversial thematic approach. While bands like Premiata Forneria Marconi, Banco del Mutuo Soccorso, and Le Orme are often celebrated as the main representatives of Italian progressive rock, there are many other formations that offer intriguing and complex musical experiences. Jumbo is a notable example of this diversity, offering a sound that can be even more enigmatic and provocative, especially for those willing to explore beyond the more well-known names.
The album title, which translates to "Forbidden to minors under 18?", reflects the group's audacious and uncensored approach. The LP addresses uncomfortable and often avoided social and cultural issues such as homosexuality, masturbation, alienation, alcoholism, drug addiction, prostitution, and religion. The band chooses to explore these themes without resorting to allegories or disguises, providing a raw and direct view of the anxieties that permeate society. The album is intense and multifaceted, presenting a dense atmosphere that mixes elements of aggression and introspection, with unexpected moments of religiosity.
The album's opener, "Specchio," is a brilliant example of Jumbo's ability to combine different musical textures and dynamics. Alvaro Fella's vocals emerge with strength and warmth, creating a solid foundation upon which the music develops. The track features an engaging mix of energetic passages and more serene sections, with the use of acoustic and electric guitar, organ, flutes, and prominent bass lines. The powerful drumming complements the construction of the track, while an instrumental break, highlighting violin and piano in a somber context, offers a fascinating contrast. It is an excellent start to the album.
"Come Vorrei Essere Uguale A Te" begins with a distant piano that quickly gives way to an acoustic guitar and then to an electric guitar. The bass line is highlighted and very well executed, while the vocals are contained and reserved. The second half of the song gains a new dimension with more aggressive drumming that intensifies the listening experience. "Il Ritorno Del Signor K." provides a necessary breath in the album, presenting a calm construction with folk guitar and piano. The vocals are emotional, and the track offers a moment of calm before its somewhat unsettling ending that may leave the listener with a sense of unease.
"Via Larga" starts in an intricate manner, full of varied sounds, evoking the feeling of a cartoon at times. The song includes excellent vocals followed by a pastoral interlude led by a flute that guides the music through a beautiful and engaging instrumental section. The track alternates between serene and energetic moments before concluding smoothly. "Gil" represents the most experimental point of the album, with eerie passages and Eastern influences. Tribal sounds are complemented by Mellotrons and experimental vocals, making the track challenging for the listener but also a well-directed and cohesive experience.
"Vangelo" continues in the chaotic atmosphere of the previous track, but with a greater instrumental variety. In less than six minutes, the music manages to be gentle, melodic, wild, and powerful. The diversity and complexity of the track are highlighted by the interaction of the instruments—guitar, bass, drums, and keyboards—which shine at different moments. "40 Gradi" is perhaps Alvaro Fella's best vocal performance on the album. The track combines pulsating bass lines, psychedelic guitar work, well-positioned drumming, and dreamy keyboards, with the use of saxophone that, although moderate, is excellent. The combination of elements creates a striking and engaging track. "No!" closes the album with a fingerpicked acoustic guitar introduction that is accompanied by flute and bass. The vocals are theatrical, and the presence of the Mellotron is notable, while the drums and bass stand out with a heavy sound. The flute and organ add an additional layer of complexity to the track. Despite its brevity, "No!" is an effective and memorable closing track.
While Vietato Ai Minori Di 18 Anni? may not necessarily be considered a masterpiece of Italian progressive rock, it is undoubtedly a classic and significant album. With its strong musical ideas and disturbing lyrics, it easily aligns with bands like Comus or Jan Dukes de Grey, offering a unique and challenging vision within the genre.
NOTA: 8.5/10
Tracks Listing
1. Specchio (7:23)
2. Come Vorrei Essere Uguale A Te (5:43)
3. Il Ritorno Del Signor K (2:03)
4. Via Larga (6:59)
5. Gil (7:12)
6. Vangelo? (5:41)
7. 40 Gradi (6:41)
8. No! (2:21)
Quando se trata de álbuns instrumentais, sei que muitos ouvintes tendem a não se sentir atraídos, pelo menos é o que percebo ao tentar recomendar esse tipo de trabalho. Confesso que às vezes consigo entender essa resistência, pois um álbum composto exclusivamente por faixas instrumentais pode facilmente soar repetitivo e enfadonho — especialmente para quem não está habituado ao gênero. Nesse caso, o disco pode parecer desprovido de coesão, como se fosse apenas uma coleção de músicas superficiais, sem direção clara, dando a impressão de que os músicos estão vagando sem saber de onde vieram ou para onde vão. No entanto, com There Are No Ordinary Moments, esse não é o caso. Apesar de sua natureza instrumental, oferece uma audição envolvente, mesmo para aqueles menos familiarizados com a música progressiva.
Este é o quinto álbum da Ovrfwrd, que permanece sólida em sua formação, trazendo novamente os mesmos integrantes dos quatro trabalhos anteriores: Mark Ilaug (guitarra), Chris Malmgren (teclado), Kyle Lund (baixo) e Richard Davenport (bateria). Desde o álbum de estreia, percebe-se que a banda tem se tornado cada vez mais entrosada, tocando com uma naturalidade que reflete o impacto instrumental e a sofisticação composicional que já se tornaram características do grupo. Há uma evidente democracia na forma como cada membro contribui com o som, resultando em um disco coeso e bem equilibrado.
Uma das marcas registradas da Ovrfwrd, presente também neste álbum, é a habilidade de transformar desenvolvimentos simples, como os encontrados no blues rock, em peças intricadas que rivalizam com as melhores jam bands. Ao longo de seus quase 70 minutos e que são distribuídos em 10 faixas, a banda explora uma rica tapeçaria de sons e texturas que vão do progressivo clássico ao jazz fusion, passando pela música psicodélica. Cada peça é robusta, mantendo o ouvinte engajado do início ao fim.
A faixa de abertura, “Red Blanket,” começa com uma forte marcação da seção rítmica e uma flauta delicadamente pontuada — executada no teclado. O que surpreende é a linha de trompete que surge logo em seguida, um toque inesperado e brilhante, embora não haja ninguém creditado no instrumento. Talvez seja mais uma intervenção do teclado, mas, de qualquer forma, a ideia ficou muito boa. A faixa tem uma forte tendência jazzística — especificamente jazz rock — com uma seção rítmica rica e cheia de nuances, além de guitarras que alternam entre o peso e a suavidade e teclados que criam uma melodia exuberante ao fundo.
“Eagle Plains” começa de forma etérea, criando uma atmosfera onírica que cativa pela sofisticação. O piano quase clássico, acompanhado por notas espaçadas de baixo e toques sutis de guitarra, prepara o terreno para que a bateria entre em cena e eleve a música a um novo patamar, tornando-a mais vigorosa. Linhas de guitarra bem elaboradas, solos incandescentes de sintetizadores e teclados sinfônicos, sustentados por uma seção rítmica sólida, fazem desta faixa um dos destaques do disco. “The Virtue of...” inicia de maneira sombria, com uma mistura de space rock atmosférico e post rock ambiental. A guitarra inflama a música ao longo de sua extensão, alternando com rajadas de órgão que remetem ao Jon Lord. Baixo e bateria novamente criam uma base pulsante, mantendo a tensão e o interesse do ouvinte.
“Flatlander” é a faixa mais pesada do álbum, flertando com o heavy metal. Aqui a banda entrega um instrumental mais direto, onde todos os instrumentos se unem para criar um ambiente distorcido e agressivo. A música não possui muita variação, então foi acertada a decisão de mantê-la curta, evitando que se prolongasse desnecessariamente. “Tramp Hollow” é outra música com pouca variação, o que pode causar uma leve frustração, já que a banda parece estar preparando o ouvinte para uma mudança de ritmo que nunca chega. No entanto, ainda assim, a faixa tem seus atrativos, com solos de guitarra vibrantes, linhas de baixo pulsantes, bateria sólida e teclados que preenchem bem todos os espaços, culminando em um solo de piano interessante no final.
“Notes of the Concubine” inicia com um violão que poderia muito bem ter saído de um disco de Steve Hackett devido à sua aura clássica. A música assume um tom psicodélico até que algumas notas mais enérgicas de piano anunciam uma mudança de direção, que se concretiza com a entrada dos demais instrumentos. Para aqueles familiarizados com o King Crimson, essa faixa ressoará como as composições mais abstratas e dissonantes da banda. Sombria e angustiante, a música também oferece momentos influenciados pelo jazz de vanguarda.
“Eyota,” com seus quase 13 minutos, é a peça mais longa do álbum. O título homenageia uma cidade de Minnesota, cujo nome deriva de um termo Sioux que significa “o maior.” Nada mais justo, afinal, trata-se do ápice do álbum em termos de composição. O piano abre a faixa, seguido por uma explosão da bateria que introduz elementos de zeuhl nos primeiros três minutos e meio, até que o piano solitário volta a guiar a música para uma direção mais acessível e menos experimental. No geral, é uma faixa que oscila entre momentos agressivos e serenos, mas sempre dentro de uma atmosfera sinistra, onde as teclas se destacam como o grande trunfo da peça.
“Chateau La Barre” é na minha opinião um ponto fraco do álbum, mas dura pouco mais de dois minutos. Um teclado eletrônico lidera a faixa que parece mais um interlúdio ligando a faixa anterior à próxima. No entanto, esse “gancho” não combina bem com nenhuma das duas, ficando deslocado tanto em relação as duas faixas quanto ao álbum como um todo. “Serpentine” começa com uma vibe que remete ao White Stripes, misturada com uma explosão sonora quase metálica. A faixa varia entre momentos pesados e outros mais suaves, com uma veia jazzística evidente, especialmente nos ataques de Hammond. “The Way” é a faixa final, excelente tanto para encerrar o álbum, quanto para finalizar os shows da banda. É uma ilustração perfeita de quatro músicos que trabalham quase como metrônomos humanos. Linhas de baixo que talvez sejam as melhores do álbum, solos fervorosos de guitarra e teclados atmosféricos, além de uma bateria exuberante, confeccionam um final de álbum que não poderia ser melhor. que verdadeiramente
Ao chegar ao final deste álbum de quase 70 minutos, percebi que apenas os pouco mais de dois minutos de “Chateau La Barre” que verdadeiramente não me agradaram. Isso me deu a certeza de que estava diante de uma grande banda que produziu mais um feito notável e que merece uma repercussão muito maior do que tem atualmente. There Are No Ordinary Moments é um disco com um nível incrível de musicalidade e cheio de variações, que mesmo explorando inúmeros caminhos e direções diferentes, consegue se manter coerente e cativante.
========
========
========
========
When it comes to instrumental albums, I know that many listeners tend not to be drawn in—at least, that's what I've noticed when trying to recommend this type of work. I admit that I can sometimes understand this resistance because an album composed exclusively of instrumental tracks can easily sound repetitive and tedious, especially for those unfamiliar with the genre. In this case, the album may seem devoid of cohesion, as if it were just a collection of superficial songs with no clear direction, giving the impression that the musicians are wandering without knowing where they came from or where they are going. However, with There Are No Ordinary Moments, that's not the case. Despite its instrumental nature, it offers an engaging listening experience, even for those less familiar with progressive music.
This is the fifth album by Ovrfwrd, who remain solid in their lineup, once again bringing the same members from the previous four works: Mark Ilaug (guitar), Chris Malmgren (keyboards), Kyle Lund (bass), and Richard Davenport (drums). Since the debut album, it's clear that the band has become increasingly cohesive, playing with a naturalness that reflects the instrumental impact and compositional sophistication that have already become the group's trademarks. There's an evident democracy in the way each member contributes to the sound, resulting in a cohesive and well-balanced album.
One of Ovrfwrd's trademarks, also present in this album, is the ability to turn simple developments, such as those found in blues rock, into intricate pieces that rival the best jam bands. Over its nearly 70 minutes, spread across 10 tracks, the band explores a rich tapestry of sounds and textures that range from classic progressive rock to jazz fusion, passing through psychedelic music. Each piece is robust, keeping the listener engaged from start to finish.
The opening track, "Red Blanket," begins with a strong rhythmic section and a delicately punctuated flute—played on the keyboard. What surprises is the trumpet line that emerges shortly afterward, an unexpected and brilliant touch, although no one is credited with the instrument. Perhaps it's another keyboard intervention, but either way, the idea turned out very well. The track has a strong jazzy tendency—specifically jazz rock—with a rich, nuanced rhythm section, guitars alternating between heaviness and softness, and keyboards creating an exuberant melody in the background.
"Eagle Plains" begins ethereally, creating a dreamy atmosphere that captivates with its sophistication. The almost classical piano, accompanied by spaced-out bass notes and subtle guitar touches, sets the stage for the drums to come in and elevate the music to a new level, making it more vigorous. Well-crafted guitar lines, incandescent synthesizer solos, and symphonic keyboards, supported by a solid rhythm section, make this track one of the album's highlights. "The Virtue of..." starts darkly, with a mix of atmospheric space rock and ambient post-rock. The guitar ignites the music throughout its duration, alternating with organ bursts reminiscent of Jon Lord. Bass and drums once again create a pulsating foundation, maintaining the tension and the listener's interest.
"Flatlander" is the heaviest track on the album, flirting with heavy metal. Here, the band delivers a more straightforward instrumental, where all instruments come together to create a distorted and aggressive atmosphere. The track doesn't have much variation, so it was a wise decision to keep it short, avoiding unnecessary prolongation. "Tramp Hollow" is another track with little variation, which might cause slight frustration, as the band seems to be setting the listener up for a rhythm change that never arrives. However, the track still has its charms, with vibrant guitar solos, pulsating bass lines, solid drumming, and keyboards that fill all the spaces well, culminating in an interesting piano solo at the end.
"Notes of the Concubine" begins with an acoustic guitar that could easily have come from a Steve Hackett album due to its classical aura. The music takes on a psychedelic tone until some more energetic piano notes announce a change in direction, which materializes with the entry of the other instruments. For those familiar with King Crimson, this track will resonate with the band's more abstract and dissonant compositions. Dark and anguished, the music also offers moments influenced by avant-garde jazz.
"Eyota," at nearly 13 minutes long, is the album's longest piece. The title honors a city in Minnesota, whose name derives from a Sioux term meaning "the greatest." Quite fitting, after all, it is the pinnacle of the album in terms of composition. The piano opens the track, followed by an explosion of drums that introduces elements of zeuhl in the first three and a half minutes, until the solitary piano returns to guide the music in a more accessible and less experimental direction. Overall, it's a track that oscillates between aggressive and serene moments, but always within a sinister atmosphere, where the keys stand out as the piece's great asset.
"Chateau La Barre" is, in my opinion, a weak point of the album, but it lasts just over two minutes. An electronic keyboard leads the track, which seems more like an interlude linking the previous track to the next. However, this "hook" doesn't mesh well with either, feeling out of place both in relation to the two tracks and the album as a whole. "Serpentine" starts with a vibe reminiscent of White Stripes, mixed with an almost metallic sonic explosion. The track alternates between heavy and softer moments, with a clear jazzy vein, especially in the Hammond attacks. "The Way" is the final track, excellent for both closing the album and ending the band's shows. It's a perfect illustration of four musicians working almost like human metronomes. Bass lines that are perhaps the best on the album, fiery guitar solos, atmospheric keyboards, and exuberant drumming craft an album finale that couldn't be better.
By the end of this nearly 70-minute album, I realized that only the two minutes and a bit of "Chateau La Barre" didn't truly please me. This gave me the certainty that I was in the presence of a great band that produced yet another remarkable achievement and deserves much more recognition than it currently has. There Are No Ordinary Moments is an album with an incredible level of musicianship and full of variations, that, even while exploring numerous paths and different directions, manages to remain coherent and captivating.
NOTA: 9/10
Tracks Listing
1. Red Blanket (8:13)
2. Eagle Plains (7:58)
3. The Virtue of... (5:52)
4. Flatlander (3:14)
5. Tramp Hollow (5:28)
6. Notes of the Concubine (8:20)
7. Eyota (12:39)
8. Chateau La Barre (2:12)
9. Serpentine (6:54)
10. The Way (7:30)
Dentro da esfera do rock progressivo, o Sleepytime Gorilla Museum se destaca como uma banda de rock experimental e vanguardista, cuja proposta musical é sem dúvida desafiadora e pouco convencional, o que pode torná-la inacessível para um público mais amplo. Se você é aquele tipo de ouvinte que prefere sonoridades mais familiares e convencionais, talvez essa resenha, por mais entusiasta que seja, não consiga convencê-lo a ouvir este álbum até o fim. A tendência pode ser pular de faixa em faixa, até mesmo as duas peças mais curtas, de apenas um minuto e meio cada. Espero estar exagerando, mas essa é uma advertência justa.
Formado em 1999 em Oakland, Califórnia, o Sleepytime Gorilla Museum se consolidou como uma entidade única no cenário musical, fundindo uma ampla gama de influências em uma expressão artística inconfundível. Suas apresentações ao vivo são tão elaboradas quanto suas composições, transcendem o formato tradicional de um show de rock e incorporam elementos de performance teatral que elevam o espetáculo a outro patamar. Além disso, o grupo adiciona uma camada extra de complexidade com narrativas possivelmente fictícias inspiradas em artistas dadaístas e matemáticos, criando um ambiente lírico tão enigmático quanto sua música.
Depois de um hiato de 13 anos, o retorno da banda com o álbum Of The Last Human Being em 1º de fevereiro de 2024 foi um verdadeiro acontecimento. Eu mesmo fiquei surpreso, já que desde 2011 a banda havia interrompido suas atividades, levando muitos a acreditar que haviam chegado ao fim. No entanto, seu retorno não só reativou sua base de fãs, como também trouxe à tona um disco que em muitos aspectos, parece uma extensão natural do trabalho anterior.
Durante minha pesquisa, descobri que a banda começou a trabalhar em Of The Last Human Being ainda em 2011, o que explica o motivo do álbum soar como uma continuação orgânica do seu antecessor. Aqueles que já apreciavam o som da banda, provavelmente continuarão a fazê-lo, enquanto aqueles que nunca se conectaram com a proposta do grupo, talvez se mantenham igualmente desconectados. Contudo, a continuidade não impede o disco de surpreender. Ao longo de seus 65 minutos, Of The Last Human Being oferece uma jornada sonora repleta de momentos instigantes.
A formação do grupo permanece a mesma desde o lançamento de In Glorious Times em 2007: Nils Frykdahl (guitarra e vocal), Carla Kihlstedt (violino, percussão, guitarra, baixo, harmônica e vocais), Michael Mellender (guitarra, xilofone, trompete, percussão e vocais), Dan Rathbun (baixo, dulcimer e vocais) e Matthias Bossi (bateria, glockenspiel, xilofone, piano e vocais de apoio). Esta coesão de 17 anos se reflete em um som amadurecido e refinado, embora a essência experimental permaneça intacta.
O álbum se inicia com "Free Salamander in Two Worlds," uma peça que se refere ao livroIshi in Two Worlds de Theodora Kroeber, mas com licenças poéticas e metáforas que transformam o conceito em algo próprio da banda. A canção evoca a biografia de Ishi, o último membro conhecido da tribo Yahi, cuja vida foi marcada por eventos dramáticos que ecoam na história de seu povo. Musicalmente, a peça se desenvolve com linhas melódicas intricadas e que são sustentadas por uma dinâmica instrumental muito bem ornamentada. Os vocais, quando acionados, são sombrios e evocam uma sensação de luto profundo, criando uma atmosfera que transborda riqueza harmônica.
"Fanfare for the Last Human Being," uma das faixas curtas do álbum, com pouco mais de um minuto e meio, é uma peça instrumental que destaca o violino de Carla Kihlstedt em uma fusão de folk tradicional e uma aura sombria. Mesmo em sua brevidade, a faixa é capaz de envolver o ouvinte em uma tapeçaria sonora rica e texturizada, demonstrando a habilidade da banda em criar momentos de grande intensidade emocional com poucos elementos. "El Vivo" é uma faixa que encapsula as estranhezas que definem o som da banda. Enquanto alguns podem acolher essas peculiaridades, outros podem achar difícil conectar-se com elas. A construção intrincada da canção é desafiadora, mas é impossível permanecer indiferente a ela. Kihlstedt oferece ataques tempestivos de violino, brilhantemente acompanhados por guitarras industriais e uma seção rítmica opulenta. Os vocais são apavorantes, criando uma experiência auditiva intensa que desafia e recompensa os ouvintes dispostos a se aventurar por esse território.
"Bells for Kith and Kin" segue com uma transição habilidosa dos sinos que encerram a faixa anterior. Com pouco mais de um minuto e meio, essa peça é um interlúdio reflexivo que ressoa como uma prece musical, proporcionando um contraste intrigante com as faixas mais intensas do álbum. "Silverfish" traz a voz melancólica e sombria de Carla, que guia o ouvinte através de uma atmosfera etérea, quase ritualística, onde o violino cria uma paisagem sonora taciturna e encantadora. A música se desenrola como um ritual espiritual, onde luz e escuridão se entrelaçam em uma dança complexa de sons e emoções.
"S.P.Q.R." é uma peça que evoca o império romano em seu título, que é uma sigla para Senatus Populusque Romanus. Musicalmente, é uma celebração do virtuosismo e da energia caótica, além da capacidade da banda de criar paisagens sonoras que desafiam a normalidade. Apesar de frenética, a faixa possui uma atmosfera ritualística que transporta o ouvinte para um ato cerimonial de pura intensidade. "We Must Know More" destaca-se por sua orquestração peculiar, onde tuba e trombone, instrumentos mais associados à música clássica, assumem o protagonismo em um cenário circense macabro. A ausência de guitarra e baixo não diminui a intensidade da faixa, que subverte o convencional e reinventa a musicalidade da banda. Os vocais de Nils Frykdahl soam como reprimendas, adicionando uma camada de tensão ao clima já denso da música.
"The Gift" é uma imersão nos reinos mais vanguardistas do rock progressivo, uma faixa que se distingue por seus ataques raivosos, tanto instrumentais quanto vocais. A intensidade da peça é simultaneamente inflamável e intransigente, enquanto as passagens sombrias preenchem os intervalos entre as explosões instrumentais viscerais. Esta faixa deixa uma impressão duradoura naqueles dispostos a explorar sua complexidade. "Hush, Hush" reintroduz a voz frágil e sussurrante de Kihlstedt, que guia a faixa através de uma construção gradativa, culminando em uma explosão instrumental onde o riff da guitarra se destaca. Após a sequência metálica, a música silencia novamente, permitindo que Kihlstedt retome o controle com uma habilidade ímpar. O vídeo da faixa, disponível no YouTube, é uma experiência audiovisual assombrosa, refletindo a capacidade da banda de provocar desconforto deliberado em cada frame.
"Save It!" é uma faixa que, apesar de curta, entrega uma explosão de criatividade e intensidade. Com menos de três minutos, a música mistura influências do rock progressivo de vanguarda em uma coreografia musical frenética e imprevisível e que desafia categorizações, além de oferecer uma experiência sonora inovadora. "Burn Into Light" é impetuosa, enérgica e complexa, equilibrando o cativante e o assustador em uma experiência multissensorial. O vídeo que acompanha a faixa eleva-a de um experimento musical para uma narrativa de horror visual, completando a experiência sonora com um caos mágico que se desenrola diante dos nossos olhos.
"Old Grey Heron" é a primeira faixa do álbum que eu recomendaria a alguém menos familiarizado com o som da banda. Embora menos experimental, ainda carrega a atmosfera sombria que permeia todo o disco, com menos vanguardismo, mas sem perder a essência da banda. A introdução de uma trombeta, ainda que tímida, é uma surpresa agradável em uma faixa que poderia ser considerada audaciosa por muitas bandas, mas que aqui se apresenta como uma das mais acessíveis. "Rose-Colored Song" encerra a jornada com uma peça que começa de forma quase alegre, mas que gradualmente se transforma em algo cada vez mais sombrio e aterrador. É um final que confirma a posição do Sleepytime Gorilla Museum como uma força criativa única e excepcional no movimento vanguardista do rock progressivo.
Ao ressurgir com Of The Last Human Being, o Sleepytime Gorilla Museum não apenas retorna ao cenário musical, mas o faz de maneira magistral. Desafiando fronteiras e explorando territórios inexplorados, o grupo demonstra uma vitalidade renovada, provando que a passagem do tempo não diminuiu sua audácia artística. Este retorno é mais do que um simples lançamento de disco, mas uma celebração da resiliência criativa e da contínua busca por novas fronteiras musicais.
========
========
========
========
Within the realm of progressive rock, Sleepytime Gorilla Museum stands out as an experimental and avant-garde rock band whose musical approach is undeniably challenging and unconventional, which might make it inaccessible to a broader audience. If you're the kind of listener who prefers more familiar and conventional sounds, this review, enthusiastic as it may be, might not convince you to listen to this album all the way through. The tendency might be to skip from track to track, even the two shorter pieces, each just a minute and a half long. I hope I'm exaggerating, but this is a fair warning.
Formed in 1999 in Oakland, California, Sleepytime Gorilla Museum has established itself as a unique entity in the music scene, blending a wide range of influences into an unmistakable artistic expression. Their live performances are as elaborate as their compositions, transcending the traditional rock show format and incorporating elements of theatrical performance that elevate the spectacle to another level. Additionally, the group adds an extra layer of complexity with possibly fictional narratives inspired by Dadaist artists and mathematicians, creating a lyrical environment as enigmatic as their music.
After a 13-year hiatus, the band's return with the album Of The Last Human Being on February 1, 2024, was a real event. I was surprised myself, as the band had ceased its activities since 2011, leading many to believe they had come to an end. However, their return not only reactivated their fan base but also brought forth an album that, in many ways, feels like a natural extension of their previous work.
During my research, I discovered that the band started working on Of The Last Human Being back in 2011, which explains why the album sounds like an organic continuation of its predecessor. Those who already appreciated the band's sound will likely continue to do so, while those who never connected with the group's approach may remain equally disconnected. However, the continuity does not prevent the album from surprising. Over its 65 minutes, Of The Last Human Being offers a sonic journey filled with intriguing moments.
The group's lineup remains the same since the release of In Glorious Times in 2007: Nils Frykdahl (guitar and vocals), Carla Kihlstedt (violin, percussion, guitar, bass, harmonica, and vocals), Michael Mellender (guitar, xylophone, trumpet, percussion, and vocals), Dan Rathbun (bass, dulcimer, and vocals), and Matthias Bossi (drums, glockenspiel, xylophone, piano, and backing vocals). This 17-year cohesion is reflected in a matured and refined sound, though the experimental essence remains intact.
The album opens with "Free Salamander in Two Worlds," a piece that references Theodora Kroeber's book Ishi in Two Worlds, but with poetic licenses and metaphors that transform the concept into something uniquely the band's own. The song evokes the biography of Ishi, the last known member of the Yahi tribe, whose life was marked by dramatic events that resonate with the history of his people. Musically, the piece develops with intricate melodic lines supported by a highly ornamented instrumental dynamic. The vocals, when deployed, are dark and evoke a deep sense of mourning, creating an atmosphere that overflows with harmonic richness.
"Fanfare for the Last Human Being," one of the album's shorter tracks, just over a minute and a half, is an instrumental piece that highlights Carla Kihlstedt's violin in a fusion of traditional folk and a dark aura. Even in its brevity, the track manages to envelop the listener in a rich and textured sonic tapestry, demonstrating the band's ability to create moments of great emotional intensity with few elements. "El Vivo" is a track that encapsulates the quirks that define the band's sound. While some may embrace these peculiarities, others may find it difficult to connect with them. The song's intricate construction is challenging, but it is impossible to remain indifferent to it. Kihlstedt delivers tempestuous violin attacks, brilliantly accompanied by industrial guitars and a sumptuous rhythm section. The vocals are terrifying, creating an intense listening experience that challenges and rewards those willing to venture into this territory.
"Bells for Kith and Kin" follows with a skillful transition from the bells that close the previous track. At just over a minute and a half, this piece is a reflective interlude that resonates like a musical prayer, providing an intriguing contrast to the album's more intense tracks. "Silverfish" brings Carla's melancholic and dark voice, guiding the listener through an ethereal, almost ritualistic atmosphere, where the violin creates a somber and enchanting soundscape. The music unfolds like a spiritual ritual, where light and darkness intertwine in a complex dance of sounds and emotions.
"S.P.Q.R." is a piece that evokes the Roman Empire in its title, which is an acronym for Senatus Populusque Romanus. Musically, it is a celebration of virtuosity and chaotic energy, as well as the band's ability to create soundscapes that challenge normality. Despite its frenetic pace, the track possesses a ritualistic atmosphere that transports the listener to a ceremonial act of pure intensity. "We Must Know More" stands out for its peculiar orchestration, where the tuba and trombone, instruments more associated with classical music, take center stage in a macabre circus-like setting. The absence of guitar and bass does not diminish the track's intensity, which subverts the conventional and reinvents the band's musicality. Nils Frykdahl's vocals sound like reprimands, adding a layer of tension to the already dense atmosphere of the music.
"The Gift" is an immersion into the most avant-garde realms of progressive rock, a track distinguished by its raging attacks, both instrumental and vocal. The intensity of the piece is simultaneously flammable and uncompromising, while the dark passages fill the gaps between the visceral instrumental explosions. This track leaves a lasting impression on those willing to explore its complexity. "Hush, Hush" reintroduces Kihlstedt's fragile and whispering voice, guiding the track through a gradual buildup, culminating in an instrumental explosion where the guitar riff stands out. After the metallic sequence, the music silences again, allowing Kihlstedt to take control once more with unparalleled skill. The video for the track, available on YouTube, is a haunting audiovisual experience, reflecting the band's ability to provoke deliberate discomfort in every frame.
"Save It!" is a track that, despite its brevity, delivers an explosion of creativity and intensity. At less than three minutes, the music blends influences from avant-garde progressive rock into a frenetic and unpredictable musical choreography that defies categorization, offering an innovative sonic experience. "Burn Into Light" is impetuous, energetic, and complex, balancing the captivating and the frightening in a multisensory experience. The accompanying video elevates it from a musical experiment to a visual horror narrative, completing the sonic experience with magical chaos unfolding before our eyes.
"Old Grey Heron" is the first track on the album that I would recommend to someone less familiar with the band's sound. Although less experimental, it still carries the dark atmosphere that pervades the entire record, with less avant-garde flair but without losing the band's essence. The introduction of a trumpet, albeit timid, is a pleasant surprise in a track that could be considered daring by many bands but here stands out as one of the most accessible. "Rose-Colored Song" concludes the journey with a piece that begins almost cheerfully but gradually transforms into something increasingly dark and frightening. It is an ending that confirms Sleepytime Gorilla Museum's position as a unique and exceptional creative force in the avant-garde progressive rock movement.
With the release of Of The Last Human Being, Sleepytime Gorilla Museum not only returns to the musical scene but does so in a masterful way. By challenging boundaries and exploring uncharted territories, the group demonstrates renewed vitality, proving that the passage of time has not diminished their artistic boldness. This return is more than just a new album release; it is a celebration of creative resilience and a continued quest for new musical frontiers.
NOTA: 10/10
Tracks Listing
1. Salamander in Two Worlds (6:31)
2. Fanfare for the Last Human Being (1:31)
3. El Evil (5:45)
4. Bells for Kith and Kin (1:26)
5. Silverfish (7:17)
6. S.P.Q.R. (4:05)
7. We Must Know More (3:36)
8. The Gift (6:11)
9. Hush, Hush (7:45)
10. Save It! (2:59)
11. Burn into Light (5:25)
12. Old Grey Heron (7:24)
13. Rose-Colored Song (5:46)
.jpg)
.jpg)
.jpg)
.jpg)
