Marco Antônio Araújo foi sem dúvidas um dos maiores e mais subestimados gênios da música instrumental brasileira. Seu álbum Lucas é um verdadeiro tesouro do rock progressivo nacional, uma mescla impecável de progressivo sinfônico com elementos de folk, onde cada faixa traz uma profundidade emocional e musical raramente vista em outros trabalhos do gênero no Brasil.
O disco, composto por apenas quatro faixas, já se destaca pelo título em homenagem a seu filho, Lucas. E, de fato, cada uma das canções carrega um sentido muito pessoal e íntimo, como se Araújo estivesse transmitindo seus sentimentos e reflexões mais profundos através das melodias cuidadosamente construídas.
A abertura, “Lembranças”, é um épico que se desenvolve de forma majestosa. Os pratos introduzem o ouvinte a um universo sonoro repleto de camadas atmosféricas, que vão ganhando vida com a inclusão de flauta, piano e violino. A flauta, em especial, dá o tom de toda a peça, com sua melodia serena e envolvente. A guitarra, embora remeta a Steve Hackett, possui uma identidade própria, com influências clássicas evidentes, mas mantendo a originalidade de Marco Antônio Araújo. O retorno à sonoridade inicial no fim da faixa dá a sensação de completude e ciclicidade, como uma memória sendo revisitada e encerrada com paz. “Caipira” traz o cheiro do campo e a leveza da natureza para a música. O título já sugere essa conexão com o interior, e a combinação de piano, baixo, violão e flauta reforça essa impressão. A faixa é marcada por um dinamismo maior que o da abertura, com uma bateria mais ativa e uma construção que evoca a simplicidade e a beleza da vida rural. É um verdadeiro passeio pelas paisagens bucólicas com a sensibilidade típica de Araújo.
Na faixa-título, “Lucas”, a homenagem ao filho ganha contornos mais melancólicos e introspectivos. Há uma certa escuridão na atmosfera da música, com notas que parecem carregar uma tristeza silenciosa, talvez um reflexo dos sentimentos de um pai que contempla a complexidade da vida. O violão, sobre um fundo de sintetizador, soa como um lamento suave e profundo. Apesar de sua beleza indiscutível, essa faixa surpreende pela sua atmosfera mais sombria, oferecendo uma experiência emotiva e reflexiva ao ouvinte. O encerramento com “Para Jimmy Page” é uma homenagem clara ao lendário guitarrista do Led Zeppelin, mas com a marca inconfundível de Marco Antônio Araújo. Aqui, ele utiliza apenas o violão, em uma peça que lembra os momentos mais folk de Page, mas com a classe e a delicadeza de quem entende profundamente a música. A influência clássica de Steve Howe também pode ser percebida, mas a faixa é, acima de tudo, uma demonstração da habilidade de Araújo como violonista. Simples, mas tocante, é um final perfeito para um álbum que, apesar de curto, é profundo e impactante.
No fim das contas, Lucasé um álbum de rara beleza, que toca o coração e envolve o ouvinte em uma experiência sensorial única. As melodias suaves e emocionantes, o uso refinado dos instrumentos e a sensibilidade com que cada nota é tocada fazem deste disco uma obra-prima que merece ser mais reconhecida. Marco Antônio Araújo foi um mestre da melodia, e quem ainda não teve o privilégio de ouvir Lucas está perdendo uma das maiores preciosidades musicais que o Brasil já produziu.
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Marco Antônio Araújo was undoubtedly one of the greatest and most underrated geniuses of Brazilian instrumental music. His album Lucas is a true treasure of Brazilian progressive rock, an impeccable blend of symphonic progressive rock with folk elements, where each track brings an emotional and musical depth rarely seen in other works of the genre in Brazil.
The album, consisting of only four tracks, stands out immediately with its title, a tribute to his son, Lucas. And indeed, each of the songs carries a very personal and intimate meaning, as if Araújo were conveying his deepest feelings and reflections through the carefully constructed melodies.
The opening track, “Lembranças,” is an epic that unfolds majestically. The cymbals introduce the listener to a sonic universe full of atmospheric layers, which come to life with the inclusion of flute, piano, and violin. The flute, in particular, sets the tone for the entire piece, with its serene and enveloping melody. The guitar, though reminiscent of Steve Hackett, has its own identity, with evident classical influences while maintaining Marco Antônio Araújo’s originality. The return to the initial sound at the end of the track gives a sense of completeness and cyclicality, like a memory being revisited and peacefully closed. “Caipira” brings the scent of the countryside and the lightness of nature into the music. The title already suggests this connection to rural life, and the combination of piano, bass, acoustic guitar, and flute reinforces this impression. The track is marked by greater dynamism than the opener, with more active drumming and a composition that evokes the simplicity and beauty of rural life. It’s truly a stroll through bucolic landscapes with Araújo’s typical sensitivity.
In the title track, “Lucas,” the tribute to his son takes on more melancholic and introspective tones. There is a certain darkness in the atmosphere of the music, with notes that seem to carry a silent sadness, perhaps reflecting the feelings of a father contemplating the complexity of life. The acoustic guitar, against a backdrop of synthesizer, sounds like a soft and profound lament. Despite its undeniable beauty, this track surprises with its darker atmosphere, offering the listener an emotional and reflective experience. The album closes with “Para Jimmy Page,” a clear tribute to the legendary Led Zeppelin guitarist, but with Marco Antônio Araújo’s unmistakable touch. Here, he uses only the acoustic guitar in a piece that echoes Page’s more folk moments but with the class and delicacy of someone who deeply understands music. The classical influence of Steve Howe can also be felt, but the track is, above all, a demonstration of Araújo’s skill as a guitarist. Simple yet touching, it’s a perfect ending to an album that, although short, is deep and impactful.
Ultimately,Lucas is an album of rare beauty, touching the heart and enveloping the listener in a unique sensory experience. The gentle and moving melodies, the refined use of instruments, and the sensitivity with which each note is played make this record a masterpiece that deserves greater recognition. Marco Antônio Araújo was a master of melody, and anyone who has not yet had the privilege of hearing Lucas is missing out on one of the greatest musical gems Brazil has ever produced.
NOTA: 10/10
Songs / Tracks Listing
1. Lembranças (16:35)
2. Caipira (6:22)
3. Lucas (4:22)
4. Para Jimmy Page (5:17)
Se você está começando a explorar o universo do Zeuhl, talvez este não seja o ponto de partida ideal. O disco de estreia do Magma não entrega exatamente o que se espera de um subgênero conhecido por sua grandiosidade, espiritualidade densa e combinações musicais quase sobrenaturais. No entanto, isso não significa que o álbum seja desprovido de valor — pelo contrário, ele é fascinante à sua maneira, carregando em si as sementes do que a banda viria a se tornar, ainda que distante das características que definiriam o Zeuhl mais tarde. Mesmo que não seja um reflexo imediato do subgênero, Kobaïa apresenta uma série de ideias promissoras e experimentalismo que merecem ser apreciados.
A influência do jazz permeia o álbum de forma inegável, mas há algo mais que torna este registro único em relação ao que o Magma viria a ser no futuro. Aqui, a voz é tratada como mais um instrumento, sem a exuberância dos corais e citações misteriosas que seriam tão emblemáticas nas obras posteriores. A maior parte do tempo, o ouvinte é envolvido por um canto que não pretende narrar ou poetizar, mas sim mergulhar na musicalidade pura, o que difere drasticamente dos épicos enigmáticos que definiriam a banda posteriormente.
Outro ponto interessante é a estrutura episódica que predomina ao longo do disco, como se cada membro da banda estivesse experimentando com suas próprias ideias, sem uma direção única a ser seguida. As composições apresentam mudanças frequentes e abruptas, criando uma sensação de fragmentação que, embora intrigante, contrasta com a coesão estilística mais sólida que a banda alcançaria nos anos seguintes. Este não é de fato um álbum Zeuhl no sentido tradicional. Ele parece flertar com um jazz filtrado por lentes alienígenas, quase como uma versão extraterrestre do gênero. No entanto, essa falta de consistência estilística não o impede de ser uma experiência auditiva interessantissima.
DISCO 1:
O álbum se abre com uma peça homônima que logo exibe sua percussão jazzística e uma linha de baixo pulsante que se funde a uma sonoridade latina, algo que poderia até ser comparado ao trabalho de Santana. A combinação do teclado e dos instrumentos de sopro acrescenta uma sensação de fusion, mas é nos sopros que o experimentalismo se destaca, revelando uma banda ainda em busca de sua identidade. Mais adiante, o som começa a flertar com a atmosfera sombria e misteriosa que se tornaria sua marca registrada, estabelecendo um vínculo com o futuro sonoro da banda.
“Aina” segue uma linha ainda mais jazzística, com toques latinos e uma percussão distinta. Entretanto, a faixa apresenta um certo desafio: seu primeiro desvio instrumental se aproxima do jazz mainstream, o que pode soar menos inovador para quem busca o inusitado. Não é ruim, mas talvez falte aquele toque especial que eleva uma música ao status de memorável. “Malaria” é uma jornada sonora verdadeiramente aventureira, marcada por colisões instrumentais que se repetem até se transformarem em algo mais denso e intrigante, com flautas dissonantes e arranjos cacofônicos. É uma música que vai além das expectativas, oferecendo momentos fascinantes que desafiam a lógica convencional da composição.
Já “Sohïa” mantém o mistério e a atmosfera enigmática, com uma progressão que vai se tornando cada vez mais mística e envolvente. As mudanças bruscas de direção criam uma experiência sonora que parece explorar novas dimensões, enquanto “Sckxyss”, embora curta, entrega um drama profundo com vocais impressionantes e estruturas que, embora dissonantes, mantêm uma coerência peculiar e intrigante. “Auraë” encerra o primeiro disco com uma carga mística e aterrorizante. A introdução com piano sombrio logo dá lugar a uma flauta hipnotizante, cuja melodia vai se tornando mais rica à medida que os instrumentos se juntam. Quando os vocais característicos de Christian Vander entram em cena, a música atinge seu ápice, oferecendo uma ótima conclusão para o primeiro ato do álbum.
DISCO 2:
O segundo disco se inicia com “Thaud Zaïa”, uma faixa guiada por flautas suaves que logo se transformam em algo mais desconcertante e dissonante. A ousadia de uma banda que em 1970 já desafiava as convenções musicais com tamanha inovação é admirável. Em “Naü Ektila”, o jazz rock com improvisos e baterias marcantes se funde a uma atmosfera medieval, criando uma peça surpreendente. Aqui, o caos assume formas radicais, com guitarras hard rock se misturando à base jazzística em uma síntese de pura loucura criativa.
“Stöah” aprofunda ainda mais o experimentalismo, com uma introdução vocal peculiar que evoca a sensação de um discurso histórico. O piano vanguardista e os vocais estranhos criam uma tensão crescente, enquanto a flauta e o piano entregam momentos de beleza antes que a música acelere novamente em uma maré de estranheza e brilho. Por fim, “Mûh” continua a tradição de mudanças radicais e inesperadas, abrindo com uma passagem celestial de piano que logo é interrompida por uma melodia alegre de jazz latino. O interlúdio neoclássico que se segue é apenas mais um dos muitos desvios criativos desta faixa, tornando-a difícil de descrever sem cair no caos descritivo.
Apesar de estar um pouco à margem dos padrões que o Magma estabeleceria mais tarde, este disco é uma das criações mais inovadoras e progressivas de sua época. É uma obra que desafia o ouvinte a se entregar à sua complexidade, e embora seja difícil de assimilar de imediato, oferece uma recompensa gratificante para aqueles dispostos a explorar seus meandros. Se você deseja compreender o rock progressivo em toda a sua amplitude, este álbum é essencial para sua coleção.
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If you are just beginning to explore the world of Zeuhl, this may not be the ideal starting point. Magma's debut album doesn't exactly deliver what one might expect from a subgenre known for its grandiosity, dense spirituality, and near-supernatural musical combinations. However, this doesn’t mean the album lacks value — on the contrary, it is fascinating in its own way, carrying the seeds of what the band would eventually become, even though it’s far from the characteristics that would define Zeuhl later on. While not an immediate reflection of the subgenre, Kobaïa introduces a series of promising ideas and experimentalism that deserve to be appreciated.
Jazz influences permeate the album undeniably, but there’s something else that makes this record unique compared to what Magma would become in the future. Here, the voice is treated as just another instrument, without the grandeur of the chorales and mysterious citations that would become so emblematic in later works. For most of the time, the listener is enveloped by singing that doesn't aim to narrate or poetize, but rather to dive into pure musicality, which differs drastically from the enigmatic epics that would later define the band.
Another interesting point is the episodic structure that predominates throughout the album, as if each band member is experimenting with their own ideas, without a singular direction to follow. The compositions present frequent and abrupt changes, creating a sense of fragmentation that, while intriguing, contrasts with the more solid stylistic cohesion the band would achieve in the following years. This is not a Zeuhl album in the traditional sense. It seems to flirt with jazz filtered through alien lenses, almost like an extraterrestrial version of the genre. However, this lack of stylistic consistency doesn’t prevent it from being a fascinating auditory experience.
DISCO 1:
The album opens with a self-titled track that immediately showcases its jazz-infused percussion and a pulsating bassline fused with a Latin sound, something that could even be compared to Santana’s work. The combination of keyboards and wind instruments adds a fusion feeling, but it’s in the wind section where the experimentalism stands out, revealing a band still searching for its identity. Later on, the sound begins to flirt with the dark and mysterious atmosphere that would become their trademark, establishing a link with the band's future sound.
“Aina” follows an even more jazz-oriented line, with Latin touches and distinct percussion. However, the track presents a certain challenge: its first instrumental detour approaches mainstream jazz, which may sound less innovative for those seeking the unusual. It’s not bad, but perhaps lacks that special touch that elevates a song to a memorable status. “Malaria” is a truly adventurous sonic journey, marked by instrumental collisions that repeat until they transform into something denser and more intriguing, with dissonant flutes and cacophonous arrangements. It’s a track that goes beyond expectations, offering fascinating moments that defy conventional compositional logic.
“Sohïa” maintains the mystery and enigmatic atmosphere, with a progression that becomes increasingly mystical and immersive. The sudden changes in direction create a sound experience that seems to explore new dimensions, while “Sckxyss,” though short, delivers deep drama with impressive vocals and structures that, while dissonant, maintain a peculiar and intriguing coherence. “Auraë” closes the first disc with a mystical and terrifying charge. The dark piano introduction soon gives way to a hypnotic flute, whose melody becomes richer as more instruments join in. When Christian Vander's characteristic vocals enter, the music reaches its peak, offering a great conclusion to the album's first act.
DISCO 2:
The second disc opens with “Thaud Zaïa,” a track guided by soft flutes that soon transform into something more unsettling and dissonant. The boldness of a band that, in 1970, was already challenging musical conventions with such innovation is admirable. In “Naü Ektila,” jazz rock with improvisations and striking drums merges with a medieval atmosphere, creating a surprising piece. Here, chaos takes on radical forms, with hard rock guitars mixing with a jazz base in a synthesis of pure creative madness.
“Stöah” delves even further into experimentalism, with a peculiar vocal introduction evoking the sensation of a historical speech. Avant-garde piano and strange vocals create a growing tension, while the flute and piano deliver moments of beauty before the music picks up again in a tide of strangeness and brilliance. Finally, “Mûh” continues the tradition of radical and unexpected changes, opening with a celestial piano passage soon interrupted by a cheerful Latin jazz melody. The neoclassical interlude that follows is just one of the many creative twists of this track, making it hard to describe without falling into descriptive chaos.
Despite being somewhat on the fringe of the standards Magma would establish later, this album is one of the most innovative and progressive creations of its time. It’s a work that challenges the listener to immerse themselves in its complexity, and though it’s difficult to absorb immediately, it offers a rewarding experience for those willing to explore its intricacies. If you want to understand progressive rock in all its breadth, this album is essential for your collection.
Soft Machine sempre teve uma habilidade rara de manter seus ouvintes imersos, quase como se algo novo estivesse prestes a acontecer a cada segundo. Após o lançamento do sólido Seven, a banda retornou dois anos depois com uma novidade empolgante: a adição de Allan Holdsworth, um guitarrista que mais tarde construiria uma carreira solo brilhante. Embora a guitarra não seja o primeiro instrumento que se associa ao som clássico da Soft Machine, a presença de Holdsworth aqui muda tudo. Ele não apenas brilha; é o centro das atenções, levando a banda a uma nova direção.
Bundles é essencialmente, um álbum guiado pelas guitarras, onde Holdsworth domina e os outros instrumentos servem quase como pano de fundo para suas linhas criativas. A abertura, “Hazard Profile Part 1,” é um exemplo claro dessa revolução sonora. O riff de guitarra repetitivo e agressivo anuncia uma nova fase da banda. Quando Holdsworth inicia seu solo, somos imediatamente transportados para um universo onde o jazz rock flerta com o progressivo por meio de uma técnica e sensibilidade extraordinárias. O resto da banda acompanha de forma primorosa, criando um cenário luxuoso no qual a guitarra desliza com liberdade.
Já em “Hazard Profile Part 2”, a atmosfera muda. O piano assume o protagonismo com uma melodia delicada e introspectiva, que se entrelaça com o violão de forma sublime. A música flui com uma suavidade que contrasta perfeitamente com a energia da primeira parte. “Hazard Profile Part 3” tem apenas 33 segundos, mas é o suficiente para deixar uma impressão forte, preparando o terreno para a explosão seguinte. “Hazard Profile Part 4” traz uma pegada mais próxima do blues rock, com um riff poderoso e repetitivo. “Hazard Profile Part 5” continua com energia renovada, onde a bateria e o baixo formam uma base sólida, enquanto o sintetizador adiciona um toque original e dinâmico. E mais uma vez, Holdsworth reina, conduzindo a faixa com maestria.
“Gone Sailing” é um breve interlúdio de menos de um minuto, no qual Holdsworth opta por um solo de violão simples, mas cheio de harmonia e beleza. Essa simplicidade serena funciona como uma ponte para “Bundles”, uma faixa que antecipa o futuro estilo do guitarrista. A música traz uma melodia forte, linhas de baixo vigorosas e um trabalho de guitarra que praticamente solta faíscas, proporcionando ao ouvinte aquela sensação de improviso controlado.“Land Of The Bag Snake” se destaca pelo trabalho de guitarra incendiário sobre uma base rítmica intensa. Aqui, Holdsworth nos presenteia com solos melódicos que são verdadeiros deleites auditivos. O baterista John Marshall brilha criando momentos que remetem ao lado mais jazzístico do King Crimson, especialmente à fase com Bill Bruford. “The Man Who Waved At Trains” desacelera o ritmo com uma faixa suave, onde a bateria e os teclados são intricados e o saxofone e oboé criam uma atmosfera relaxante. A transição para “Peff” é natural, e essa faixa serve como um ponto de equilíbrio no álbum, destacando-se pela técnica e pelo crescimento gradual do saxofone, que atinge momentos de distorção impactante.
“Four Gongs Two Drums” é um solo de bateria de John Marshall. Ele consegue manter a faixa concisa e envolvente, evitando que se torne cansativa. Para fechar o disco, “The Floating World” é uma faixa atmosférica, onde a banda cria uma sensação de leveza, quase como se estivéssemos flutuando. É um encerramento inesperado, mas que revela a intenção de Karl Jenkins de deixar sua marca como líder da banda. A flauta de Ray Warleigh contribui para essa textura etérea, criando um final contemplativo, embora um pouco longo para um álbum tão enérgico.
No fim, Bundles é um álbum poderoso e com uma produção orgânica que casa perfeitamente com a música. Embora não tenha o mesmo impacto inovador ou icônico dos primeiros discos da Soft Machine, ele se destaca como um excelente trabalho de jazz rock que está repleto de momentos empolgantes. É um disco mais indicado para fãs de fusion do que para os puristas da cena Canterbury, mas ainda assim, um marco interessante na carreira da banda.
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Soft Machine has always had a rare ability to keep its listeners immersed, almost as if something new is about to happen at any given second. After releasing the solid Seven, the band returned two years later with an exciting new addition: Allan Holdsworth, a guitarist who would later build a brilliant solo career. Although the guitar is not the first instrument that comes to mind when thinking of Soft Machine's classic sound, Holdsworth’s presence here changes everything. He doesn’t just shine; he takes center stage, leading the band in a new direction.
Bundles is essentially a guitar-driven album, where Holdsworth dominates, and the other instruments almost act as a backdrop for his creative lines. The opening track, “Hazard Profile Part 1,” is a clear example of this sonic revolution. The aggressive, repetitive guitar riff announces a new phase for the band. As soon as Holdsworth begins his solo, we are instantly transported to a universe where jazz rock flirts with progressive through extraordinary technique and sensitivity. The rest of the band accompanies him flawlessly, creating a luxurious backdrop in which the guitar glides freely.
In “Hazard Profile Part 2,” the atmosphere changes. The piano takes the lead with a delicate and introspective melody, beautifully intertwined with the acoustic guitar. The music flows smoothly, perfectly contrasting the energy of the first part. “Hazard Profile Part 3” is only 33 seconds long, but it’s enough to leave a strong impression, setting the stage for the next explosion. “Hazard Profile Part 4” brings a blues rock feel, with a powerful and repetitive riff. “Hazard Profile Part 5” continues with renewed energy, where the drums and bass form a solid foundation, while the synthesizer adds an original and dynamic touch. Once again, Holdsworth reigns, guiding the track with mastery.
“Gone Sailing” is a brief interlude of less than a minute, where Holdsworth opts for a simple acoustic guitar solo, full of harmony and beauty. This serene simplicity works as a bridge to “Bundles,” a track that anticipates the guitarist's future style. The song delivers a strong melody, vigorous bass lines, and guitar work that practically sparks, providing the listener with that sense of controlled improvisation. “Land of the Bag Snake” stands out for its fiery guitar work over an intense rhythmic foundation. Here, Holdsworth delights us with melodic solos that are true auditory treats. Drummer John Marshall shines, creating moments reminiscent of King Crimson's jazzier side, especially the Bill Bruford era. “The Man Who Waved At Trains” slows the pace with a gentle track, where the drums and keyboards are intricate, and the saxophone and oboe create a relaxing atmosphere. The transition to “Peff” feels natural, and this track serves as a balance point in the album, highlighted by the technique and gradual buildup of the saxophone, which reaches moments of striking distortion.
“Four Gongs Two Drums” is a drum solo by John Marshall. He manages to keep the track concise and engaging, avoiding any sense of fatigue. To close the album, “The Floating World”is an atmospheric piece, where the band creates a sense of lightness, almost as if we’re floating. It’s an unexpected ending but reveals Karl Jenkins’ intention to leave his mark as the band’s leader. Ray Warleigh’s flute contributes to this ethereal texture, crafting a contemplative conclusion, though perhaps a bit long for such an energetic album.
In the end, Bundles is a powerful album with an organic production that perfectly matches the music. While it may not have the same innovative or iconic impact as Soft Machine’s earlier records, it stands out as an excellent jazz rock work full of exciting moments. It's an album more suited for fusion fans than Canterbury scene purists, but nonetheless, an interesting milestone in the band’s career.
NOTA: 9/10
Songs / Tracks Listing
1. Hazard Profile, Part 1 (9:18)
2. Hazard Profile, Part 2 (2:21)
3. Hazard Profile, Part 3 (1:05)
4. Hazard Profile, Part 4 (0:46)
5. Hazard Profile, Part 5 (5:29)
6. Gone Sailing (0:59)
7. Bundles (3:14)
8. Land of the Bag Snake (3:35)
9. The Man Who Waved at Trains (1:50)
10. Peff (1:57)
11. Four Gongs Two Drums (4:09)
12. The Floating World (7:12)
A primeira vez que ouvi The Masquerade Overture, não consegui conter a empolgação. Com guitarras de qualidade e teclados sinfônicos, o Pendragon mostra um domínio absoluto de sua música. O equilíbrio entre complexidade e beleza é nítido; aqui, nada é excessivo ou exibicionista, tudo flui com uma naturalidade que revela o talento de músicos maduros e conscientes de sua direção.
A faixa-título, “The Masquerade Overture”, abre o álbum de maneira majestosa, criando uma atmosfera sinfônica com a ajuda de Clive Nolan e seus teclados emocionantes. O coral cantado em italiano, ao fundo, nos transporta diretamente para um ambiente renascentista, como se estivéssemos em uma catedral ouvindo um cântico antigo. É uma excelente introdução que já define o tom emocional do disco. “As Good As Gold” começa de forma suave, com piano e vocais em perfeita harmonia. Mas logo explode em energia, com uma bateria forte, sintetizadores criativos e um solo de guitarra eletrizante. A influência de Genesis é notável, especialmente na forma como a música cresce e se desenvolve. O refrão é emocionante, tornando esta uma das faixas mais memoráveis do álbum.
“Paintbox” continua essa jornada emocional começando com uma atmosfera introspectiva e solene, lembrando “Entangled” do Genesis. A narrativa implícita de um jovem em busca de um futuro melhor é embalada por guitarras e teclados que complementam perfeitamente o clima. A banda cria uma experiência sonora envolvente, com uma base rítmica sólida que intensifica ainda mais a música. “The Pursuit Of Excellence” traz uma mudança de tom com sua curta duração e sensação folk, remetendo ao lado mais celta do progressivo. A história de um imigrante cheio de esperança em busca de oportunidades nos EUA é tocante, e a música, com seu tom melancólico, acrescenta uma pausa reflexiva ao álbum.
“Guardian of my Soul” é uma peça que começa com uma bateria tribal que logo se transforma em uma paisagem sonora de rock sinfônico. A banda exibe sua habilidade em transições dinâmicas e complexas, enquanto os teclados de Nolan constroem a base para o desfile dos demais instrumentos. Com uma guitarra belíssima e toques de Pink Floyd, essa música evolui de uma maneira impressionante, carregando o mito de Ícaro em sua narrativa e movendo-se de um começo sombrio para um desenvolvimento mais otimista. “The Shadow” é um exemplo perfeito de como o Pendragon combina emoção com técnica. O piano inicial, as cordas de Nolan e o violão que entra em seguida criam uma balada rica em detalhes e cheia de transições suaves. Os solos de guitarra, acompanhados pelos vocais harmoniosos e pelo coral de Tracy Hitchings, trazem uma emoção palpável, especialmente no final da faixa, com uma conclusão exuberante e arrebatadora.
O álbum encerra com “Masters Of Illusion”, que começa de maneira um tanto simples, com um refrão que lembra o pop dos anos 80. No entanto, a música logo se transforma, e conforme avança, revela uma experiência inesquecível. O solo de guitarra final, é sem dúvida, um dos mais belos já produzidos por uma banda de neo-progressivo, com uma clara influência de Pink Floyd, mas também carregando a assinatura única do Pendragon. O coral que se junta à melodia torna o final épico.
The Masquerade Overture pode não ser uma obra-prima universal, mas sem dúvida é um dos discos mais representativos e belos da carreira do Pendragon. Com sua simplicidade e emoção, o álbum continua a crescer com o tempo, mostrando que mesmo sem pretensões gigantescas, a banda criou algo que se mantém atemporal e emocionante para os fãs de rock progressivo.
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The first time I heard The Masquerade Overture, I couldn't contain my excitement. With high-quality guitars and symphonic keyboards, Pendragon demonstrates absolute mastery of their music. The balance between complexity and beauty is clear; nothing here is excessive or showy, everything flows with a naturalness that reveals the talent of mature musicians, fully aware of their direction.
The title track, "The Masquerade Overture," opens the album in a majestic way, creating a symphonic atmosphere with the help of Clive Nolan's emotional keyboards. The choir, sung in Italian in the background, transports us directly to a Renaissance setting, as if we were in a cathedral listening to an ancient chant. It’s an excellent introduction that already sets the emotional tone of the album. "As Good As Gold" starts softly, with piano and vocals in perfect harmony. But it soon bursts with energy, featuring strong drums, creative synthesizers, and an electrifying guitar solo. The influence of Genesis is noticeable, especially in how the song grows and develops. The chorus is moving, making this one of the most memorable tracks on the album.
"Paintbox" continues this emotional journey, beginning with an introspective and solemn atmosphere, reminiscent of Genesis's "Entangled." The implicit narrative of a young person searching for a better future is enveloped by guitars and keyboards that perfectly complement the mood. The band creates an immersive sound experience, with a solid rhythmic foundation that further intensifies the music. "The Pursuit of Excellence" brings a tonal shift with its short duration and folk-like feel, evoking the Celtic side of progressive rock. The story of an immigrant filled with hope in search of opportunities in the U.S. is touching, and the song’s melancholic tone adds a reflective pause to the album.
"Guardian of My Soul" is a piece that starts with tribal drums, soon transforming into a symphonic rock soundscape. The band showcases their skill in dynamic, complex transitions, while Nolan's keyboards lay the foundation for the rest of the instruments to shine. With a beautiful guitar and touches of Pink Floyd, this song evolves impressively, carrying the myth of Icarus in its narrative and moving from a dark beginning to a more optimistic development. "The Shadow" is a perfect example of how Pendragon combines emotion with technique. The initial piano, Nolan's strings, and the acoustic guitar that follows create a ballad rich in detail and full of smooth transitions. The guitar solos, accompanied by harmonious vocals and Tracy Hitchings' choir, bring palpable emotion, especially at the track's end, with an exuberant and breathtaking conclusion.
The album closes with "Masters of Illusion," which begins somewhat simply, with a chorus reminiscent of '80s pop. However, the song quickly transforms, and as it progresses, it reveals an unforgettable experience. The final guitar solo is undoubtedly one of the most beautiful ever produced by a neo-progressive band, with a clear Pink Floyd influence, but also carrying Pendragon's unique signature. The choir that joins the melody makes for an epic finale.
The Masquerade Overture may not be a universal masterpiece, but it is undoubtedly one of the most representative and beautiful albums of Pendragon's career. With its simplicity and emotion, the album continues to grow over time, showing that even without grand pretensions, the band created something that remains timeless and moving for progressive rock fans.
NOTA: 9/10
Songs / Tracks Listing
1. The Masquerade Overture (3:03)
2. As Good As Gold (7:15)
3. Paintbox (8:39)
4. The Pursuit Of Excellence (2:37)
5. Guardian Of My Soul (12:41)
6. The Shadow (9:55)
7. Masters Of Illusion (12:51)
Atom Heart Mother marca um ponto de transição fundamental no som do Pink Floyd, emergindo do seu período mais experimental e psicodélico para algo mais coeso e contido. Esse disco é uma peça valiosa e intrigante na discografia da banda. A faixa-título, por exemplo, é uma verdadeira epopeia sonora de quase 24 minutos, misturando as habilidades instrumentais da banda com uma sofisticada orquestração elaborada por Ron Geesin. Embora muitas bandas tenham adotado a fusão de rock com elementos sinfônicos anos mais tarde, o Pink Floyd foi um dos pioneiros nesse estilo, criando, para alguns, uma obra-prima; para outros, uma tentativa ousada e desnecessária. Mas a verdade é que este é um álbum que pode ser apreciado sem precisar aderir a extremos de adoração ou rejeição.
O disco começa com a faixa-título, um motivo de desconforto para a própria banda, que alega não gostar do resultado. No entanto, é difícil entender essa aversão, pois o que ouvimos é uma peça atmosférica e hipnótica, quase uma viagem espiritual, com coro, orquestra e a banda em perfeita sincronia. Trata-se de uma composição genuinamente progressiva, cheia de camadas que se desenrolam lentamente, arrastando o ouvinte para um estado de contemplação quase meditativa. O teclado de Richard Wright, sombrio e denso, estabelece o tom, enquanto as linhas simples, porém eficazes, do baixo de Roger Waters complementam as guitarras distintivas de David Gilmour. A orquestração e o coro conferem uma majestade clássica à peça, com vocalizações que vão desde o coral tradicional até cânticos que lembram a musicalidade maori. A faixa muda de humor ao longo do tempo, passando de uma atmosfera mais melancólica para um groove descontraído, sempre mantendo elementos de efeitos sonoros que evocam cenários enigmáticos. Enxergar essa composição como ambiciosa e talvez pretensiosa é comum, mas a verdade é que o Pink Floyd conseguiu algo grandioso, e pessoalmente, não entendo a razão para o desprezo da banda por ela.
“If” abre a segunda metade do disco com uma tranquilidade quase necessária, após o caos orquestral da faixa anterior. Talvez seja a faixa mais fraca do álbum, mas ainda assim tem seu valor, proporcionando uma pausa relaxante. A simplicidade do violão de Waters, somada às sutis intervenções de Gilmour na guitarra, oferece um respiro bem-vindo, ainda que sem grandes inovações. Em seguida, “Summer '68” traz à tona um dos pianos mais expressivos de Richard Wright, dramático e belo ao longo de toda a faixa. Wright também assume os vocais, dando início a uma melodia suave que se intensifica após o primeiro refrão, com instrumentos de sopro e cordas contribuindo para a grandiosidade. A letra, que parece descrever de maneira amarga uma relação passageira, talvez com uma groupie, contrasta um pouco com a instrumentação, mas a música em si permanece forte e marcante.
“Fat Old Sun”, precedida por suaves badaladas de sino, começa de maneira tranquila e remete ao tom relaxado de “If”. Essa faixa, no entanto, foi resgatada por Gilmour em suas performances solo a partir de 2007 e nunca mais saiu de seu repertório. Seus vocais são suaves e melódicos, e o solo de guitarra no final é uma verdadeira obra de arte, tornando essa música uma joia discreta do álbum. Por fim, “Alan's Psychedelic Breakfast” é, sem dúvida, a peça mais vanguardista e experimental do disco. Aqui, somos apresentados ao som de um homem – Alan Styles, roadie da banda – preparando seu café da manhã, com reflexões descontraídas sobre o tema. Sem elementos tradicionais de rock, a faixa é dividida em três partes: “Rise And Shine”, dominada por um piano suave; “Sunny Side Up”, onde Gilmour traz belos acordes de violão; e “Morning Glory”, que envolve todos os membros da banda em um encerramento sereno, finalizado com o som de uma torneira pingando.
Atom Heart Mother pode não ser o maior feito do Pink Floyd, e sua estrutura talvez não tenha sido tão cuidadosamente planejada quanto os discos icônicos que viriam depois. No entanto, seu valor reside em sua ousadia e no seu caráter experimental, principalmente na faixa-título. Não se trata de um álbum essencial, mas é, sem dúvida, uma peça interessante e digna de figurar em qualquer coleção de fãs de rock progressivo ou da banda.
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Atom Heart Mother marks a fundamental transition point in Pink Floyd's sound, emerging from their more experimental and psychedelic phase into something more cohesive and contained. This album is a valuable and intriguing piece in the band's discography. The title track, for instance, is a true sonic epic of nearly 24 minutes, blending the band's instrumental prowess with sophisticated orchestration crafted by Ron Geesin. While many bands would adopt the fusion of rock with symphonic elements in later years, Pink Floyd was one of the pioneers of this style, creating, for some, a masterpiece; for others, a bold and unnecessary attempt. But the truth is, this is an album that can be appreciated without needing to adhere to extremes of worship or rejection.
The album opens with the title track, a source of discomfort for the band itself, which claims not to like the outcome. However, it’s hard to understand this aversion, as what we hear is an atmospheric and hypnotic piece, almost a spiritual journey, with choir, orchestra, and band in perfect sync. It is a genuinely progressive composition, full of layers that slowly unfold, dragging the listener into an almost meditative state of contemplation. Richard Wright's keyboards, dark and dense, set the tone, while Roger Waters' simple yet effective bass lines complement David Gilmour's distinctive guitars. The orchestration and choir lend a classical majesty to the piece, with vocalizations ranging from traditional chorale to chants reminiscent of Maori musicality. The track shifts mood over time, moving from a more melancholic atmosphere to a laid-back groove, always maintaining sound effects that evoke enigmatic scenarios. Seeing this composition as ambitious and perhaps pretentious is common, but the truth is that Pink Floyd achieved something grand, and personally, I don’t understand the band's disdain for it.
“If” opens the second half of the album with an almost necessary calm after the orchestral chaos of the previous track. It might be the weakest track on the album, but it still holds value, providing a relaxing break. Waters' acoustic guitar simplicity, combined with Gilmour's subtle guitar interventions, offers a welcome breather, though without major innovations. Then, "Summer '68" brings forth one of Richard Wright's most expressive pianos, dramatic and beautiful throughout. Wright also takes on vocal duties, starting with a gentle melody that intensifies after the first chorus, with brass and strings adding to the grandeur. The lyrics, which seem to bitterly describe a fleeting relationship, perhaps with a groupie, contrast a bit with the instrumentation, but the music itself remains strong and memorable.
“Fat Old Sun,” preceded by gentle bell chimes, begins calmly and echoes the relaxed tone of “If.” However, this track was revived by Gilmour in his solo performances starting in 2007 and has remained in his repertoire ever since. His vocals are smooth and melodic, and the guitar solo at the end is a true masterpiece, making this song a hidden gem on the album. Finally, “Alan's Psychedelic Breakfast” is undoubtedly the album’s most avant-garde and experimental piece. Here, we're introduced to the sound of a man – Alan Styles, the band’s roadie – preparing his breakfast, with laid-back reflections on the theme. Lacking traditional rock elements, the track is divided into three parts: “Rise And Shine,” dominated by gentle piano; “Sunny Side Up,” where Gilmour delivers beautiful acoustic guitar chords; and “Morning Glory,” involving all the band members in a serene conclusion, finishing with the sound of a dripping faucet.
Atom Heart Mother may not be Pink Floyd's greatest achievement, and its structure may not have been as carefully planned as the iconic albums that followed. However, its value lies in its boldness and experimental nature, especially in the title track. It may not be an essential album, but it is undoubtedly an interesting piece, deserving a place in any progressive rock or Pink Floyd fan’s collection.
NOTA: 8/10
Songs / Tracks Listing
1. Atom Heart Mother (23:51)
2. If (4:24)
3. Summer '68 (5:26)
4. Fat Old Sun (5:17)
5. Alan's Psychedelic Breakfast (12:56)
O álbum The Aerosol Grey Machine é frequentemente descrito como uma obra solo de Peter Hammill, dada a sua influência dominante na composição. No entanto, com o lançamento de The Least We Can Do Is Wave To Each Other, a Van der Graaf Generator marca uma mudança notável. A banda, agora em sua forma mais autêntica, ganha vida com a colaboração criativa de todos os membros, demonstrando um crescimento semelhante ao que o Genesis experimentou em seu segundo álbum. Embora as bandas sejam musicalmente distintas, a evolução histórica e o amadurecimento são claramente paralelos.
O título do álbum faz referência a uma frase do britânico John Minton, um pintor e ilustrador cuja trágica morte aos 39 anos em 1957 adiciona uma camada de melancolia ao contexto do disco. A partir deste ponto, a banda estabelece seu estilo distintivo, com uma abordagem progressiva e uma sonoridade impressionante. A bateria se destaca pela sua excelência e o trabalho de órgão por vezes é brilhante. As partes de guitarra são propositalmente simples, mas não comprometem a qualidade geral do álbum. O saxofonista David Jackson traz um toque inovador e peculiar, enquanto Peter Hammill já demonstra, mesmo neste estágio inicial, a profundidade emocional e a singularidade de sua voz.
A faixa de abertura, "Darkness (11/11)", é uma escolha perfeita para iniciar o álbum. Começa com ventos soprando e címbalos que são gradualmente acompanhados por vocais, saxofone e bateria, criando uma sonoridade completa e envolvente. As melodias encantadoras podem levar algum tempo para se estabelecer, mas carregam uma magia que é ao mesmo tempo obscura e brilhante. O solo final de saxofone é notável. "Refugees" se destaca como uma das baladas mais comoventes do rock progressivo. Com uma introdução feita de flauta e violoncelo, além de vocais em falsete que anunciam a entrada da bateria, a faixa é uma combinação de delicadeza e cuidado. A letra, que aborda o tema do deslocamento e da mudança, é uma reflexão pessoal de Hammill, tornando-a uma obra encantadora.
"White Hammer" oferece uma visão intrigante da Inquisição Espanhola, envolta em uma atmosfera sombria. A contribuição de Jackson com seu saxofone é particularmente perceptível, enquanto o baixo pulsante e o poderoso trabalho de órgão sustentam a faixa. O solo final de saxofone é ótimo, conferindo aos últimos dois minutos uma sensação de inquietação e tensão. "Whatever Would Robert Have Said?" é uma das faixas mais experimentais e menos acessíveis do álbum. Com letras peculiares e uma abordagem inicial descontraída, a música evolui para um som mais selvagem e progressivo, destacando-se pelo trabalho de guitarra, especialmente no final.
"Out Of My Book" é outra balada introspectiva e com letras pessoais de Hammill. A simplicidade instrumental, destacando-se pelo violão, é eficaz, enquanto o órgão constrói uma parede sonora interessante. A performance vocal de Hammill é intensa e sentimental, oferecendo um momento de introspecção agradável. Finalmente, "After The Flood" é a faixa mais longa e a que encerra o álbum. Embora não seja a mais agressiva, é deslumbrante em sua beleza. A faixa começa com uma ambientação suave que evolui para um som mais perturbador, com uma luta de supremacia entre a flauta e o saxofone. A seção instrumental do meio é um frenesi absoluto, mas a faixa mantém a capacidade de cativar do início ao fim.
The Least We Can Do Is Wave To Each Other, sem dúvida é o primeiro grande álbum da Van der Graaf Generator, mostrando o que fez a banda se destacar. Com letras complexas e belas, a voz singular e original de Hammill, arranjos de teclados fantásticos, ótimos trabalhos de saxofone e flautas excepcionais, além de uma bateria criativa e sólida, o álbum define a identidade da banda com maestria.
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The Aerosol Grey Machine is often described as a solo work by Peter Hammill, given his dominant influence on the compositions. However, with the release of The Least We Can Do Is Wave To Each Other, Van der Graaf Generator marks a significant shift. The band, now in its most authentic form, comes to life through the creative collaboration of all its members, showing a growth trajectory similar to that of Genesis on their second album. While the bands are musically distinct, the historical evolution and maturation are clearly parallel.
The album's title references a phrase by British artist John Minton, a painter and illustrator whose tragic death at the age of 39 in 1957 adds a layer of melancholy to the album’s context. From this point, the band establishes its distinctive style, with a progressive approach and an impressive sound. The drumming stands out for its excellence, and the organ work is brilliant at times. The guitar parts are purposefully simple, yet they do not compromise the overall quality of the album. Saxophonist David Jackson brings an innovative and quirky touch, while Peter Hammill already demonstrates, even at this early stage, the emotional depth and uniqueness of his voice.
The opening track, "Darkness (11/11)," is a perfect choice to start the album. It begins with winds blowing and cymbals that are gradually joined by vocals, saxophone, and drums, creating a full and immersive sound. The enchanting melodies may take some time to settle in, but they carry a magic that is both dark and brilliant. The final saxophone solo is remarkable. "Refugees" stands out as one of the most moving ballads in progressive rock. With an introduction featuring flute and cello, and falsetto vocals announcing the entry of the drums, the track is a combination of delicacy and care. The lyrics, addressing the theme of displacement and change, are a personal reflection by Hammill, making it a charming piece.
"White Hammer" offers an intriguing look at the Spanish Inquisition, enveloped in a dark atmosphere. Jackson’s saxophone contribution is particularly noticeable, while the pulsing bass and powerful organ work sustain the track. The final saxophone solo is excellent, giving the last two minutes a sense of unease and tension. "Whatever Would Robert Have Said?" is one of the more experimental and less accessible tracks on the album. With peculiar lyrics and a laid-back initial approach, the song evolves into a wilder, more progressive sound, with the guitar work, especially toward the end, being a highlight.
"Out Of My Book" is another introspective ballad with personal lyrics by Hammill. The simplicity of the instrumentation, notably the acoustic guitar, is effective, while the organ builds an interesting sonic wall. Hammill’s vocal performance is intense and sentimental, offering a pleasant moment of introspection. Finally, "After The Flood" is the longest track and the album closer. Although not the most aggressive, it is stunning in its beauty. The track starts with a gentle ambiance that evolves into a more disturbing sound, with a battle of supremacy between the flute and saxophone. The middle instrumental section is an absolute frenzy, but the track remains captivating from start to finish.
The Least We Can Do Is Wave To Each Other is undoubtedly Van der Graaf Generator’s first great album, showcasing what made the band stand out. With complex and beautiful lyrics, Hammill's singular and original voice, fantastic keyboard arrangements, great saxophone work, exceptional flutes, and creative, solid drumming, the album masterfully defines the band's identity.
NOTA: 8.5/10
Tracks Listing
1. Darkness (11/11) (7:27)
2. Refugees (6:22)
3. White Hammer (8:15)
4. Whatever Would Robert Have Said? (6:17)
5. Out of My Book (4:07)
6. After the Flood (11:28)
Merecidamente reconhecido como um verdadeiro mestre da melodia, David Gilmour pode ser facilmente considerado uma espécie de paradoxo de si mesmo, sendo um virtuoso que navega perfeitamente entre o sutil e o grandioso. O guitarrista é amplamente aclamado por meio de um estilo que o torna um verdadeiro arquiteto das mais belas catedrais sônicas, além de existir dentro de uma dualidade onde o simples se torna grandioso e o grandioso se desmancha em simplicidade.
Aos 78 anos, David Gilmour continua provando que sua genialidade não está necessariamente ligada à virtuosidade técnica, mas sim, à sua habilidade em criar composições que tocam profundamente a alma de quem as ouve, onde cada nota e acorde são cuidadosamente escolhidos para criar uma experiência intensa e envolvente, com cada detalhe, por menor que seja, contribuindo para criar uma atmosfera imersiva, capaz de transportar quem se deixar levar por sua música, para um lugar de introspecção e conexão emocional.
Luck and Strange, 5º disco de estúdio do músico, dentro de uma musicalidade delicada e característica, oferece um trabalho lírico que ajuda refletir sobre o que constitui uma experiência genuína em um mundo saturado de superficialidade, sobre a durabilidade das conexões interpessoais, sobre encontrar significado diante da mortalidade inevitável e da incerteza que permeia a existência humana entre outros, sempre dentro de uma exploração poética e multifacetada desses temas, oferecendo momentos de reflexão profunda e introspectiva. Novamente, quase todo as letras foram escritas por Polly Samson, esposa de Gilmour.
"Black Cat", uma faixa instrumental de cerca de um minuto e meio, abre o álbum estabelecendo de imediato o clima característico da música de David. Com sua atmosfera introspectiva e arranjos sutis, a peça oferece uma pequena amostra do estilo sofisticado e inconfundível do guitarrista. "Luck and Strange", o blues nunca foi um gosto oculto de David Gilmour, e faixas como essa evidenciam isso. Com apoio das teclas de Richard Wright, é muito bem construída por meio de várias “brincadeiras” de guitarra, enquanto entrega algumas reflexões sobre o tempo.
"The Piper's Call" é uma composição que Gilmour criou originalmente em um ukulele, dando à peça uma origem curiosa. Começa de forma acústica e suave, com acordes delicados que estabelecem uma sensação íntima, mas logo se transforma, crescendo de maneira gradual até culminar em um solo carregado de intensidade emocional. Novamente, é possível sentir uma atmosfera de blues. Uma música que atenta aos perigos que é o de cair nas promessas vazias de soluções rápidas
"A Single Spark" apresenta uma atmosfera mais melancólica em comparação com as faixas anteriores, mas essa tonalidade sombria encaixa-se perfeitamente com a temática lírica, que reflete sobre a fragilidade e a efemeridade da vida. Mais uma vez, um solo de guitarra brilhantemente executado se destaca, adicionando camadas de profundidade e realçando extremamente bem com o seu tom reflexivo.
"Vita Brevis" é um breve interlúdio atmosférico que funciona como uma ponte delicada para a faixa seguinte. "Between Two Points" traz uma colaboração familiar, com Romany Gilmour nos vocais e harpa, enquanto Gabriel Gilmour, seu irmão, contribui com o vocal de apoio. A voz suave e etérea de Romany, combinada com a atmosfera celestial da música, preserva a aura contemplativa da versão original dos The Montgolfier Brothers. No entanto, a inclusão da guitarra melódica e inconfundível de Gilmour adiciona uma nova camada emocional, enriquecendo a interpretação com sua marca clássica.
"Dark and Velvet Nights" apresenta uma letra adaptada de um poema que Polly Samson escreveu para Gilmour em um de seus aniversários de casamento. Liricamente, a canção explora a busca por um refúgio seguro na intimidade compartilhada, refletindo sobre como símbolos externos, como uma simples aliança, são frágeis e incapazes de capturar plenamente a profundidade de uma conexão verdadeira. Musicalmente, a faixa se destaca por sua sonoridade mais robusta e densa, contrastando com a delicadeza da mensagem, mas reforçando o peso emocional do tema.
"Signs" conduz o álbum de volta a uma sonoridade suave e serena, proporcionando um momento de tranquilidade após uma faixa muito mais intensa. A música é construída com arranjos delicados e envolventes, criando uma atmosfera de paz e contemplação que permeia toda a composição, enquanto é feita uma bonita reflexão sobre o amor, a perda e a luta para manter algo tão genuíno em um mundo cada vez mais caótico.
"Scattered" é a faixa do álbum que mais se assemelha ao som do Pink Floyd. Com belos arranjos de piano e orquestrações cuidadosas, a canção é enriquecida por um Gilmour em plena forma, tanto no violão quanto na guitarra. Na parte final, ele entrega um solo intenso, pesado e cheio de fervor. Liricamente, simbolismos abordam a luta humana contra a passagem inevitável do tempo, refletindo sobre a impotência diante desse processo cabal e incontrolável.
"Yes, I Have Ghosts", lançada originalmente em 2020, entrou no disco como uma das duas faixas bônus. Tem a participação de Romany na harpa e vocais de apoio que casam perfeitamente com a voz de David. É marcada por um violão de timbre sofisticado e que adiciona um sutil toque folk, além de acentuar a profundidade emocional da música que fala sobre como o peso das experiências e relacionamentos passados pode persistir, moldando e assombrando nossas vidas atuais de maneira persistente.
"Lucky and Strange (Original Barn Jam)", a outra faixa bônus do álbum, tem uma duração de quatorze minutos, e como o título sugere, é uma jam improvisada da faixa título do disco. Gravada originalmente em 2007, a faixa conta com a participação de Richard Wright, trazendo novamente um toque nostálgico ao som. Embora a influência do blues seja evidente, a execução da faixa possui uma sonoridade que se inclina mais para um jazz moderno cheio de leveza. Enquanto é mostrado toda a habilidade dos músicos em criar um ambiente sonoro sofisticado e envolvente.
Em Luck and Strange, David Gilmour demonstra um equilíbrio sutil e sofisticado, que serve como um reflexo profundo de sua habilidade musical refinada e sua vasta experiência como artista. Cada faixa é uma prova da profunda destreza de Gilmour em combinar texturas sonoras complexas com uma sensibilidade melódica única. Do começo ao fim, o álbum revela uma maturidade musical impressionante, com arranjos muito bem elaborados e uma execução impecável.
Quando David afirmou que Luck and Strange é o seu melhor trabalho desde Dark Side of the Moon, é provável que ele estivesse considerando fatores além dos puramente musicais, incluindo aspectos pessoais e contextuais que influenciam sua visão artística. No entanto, se a questão for exclusivamente na dimensão musical, minha avaliação diverge dessa declaração. Porém, Luck and Strange destaca-se por seu brilho e profundidade, mas não apenas por isso, ele possui uma qualidade especial que ressoa com a sofisticação e o talento de Gilmour. Isso faz com que a partir de agora, eu o enxergue como seu melhor disco solo.
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Deservedly recognized as a true master of melody, David Gilmour can easily be considered a kind of paradox unto himself, being a virtuoso who navigates perfectly between the subtle and the grand. The guitarist is widely acclaimed for a style that makes him a true architect of the most beautiful sonic cathedrals, existing within a duality where the simple becomes grand, and the grand dissolves into simplicity.
At 78, David Gilmour continues to prove that his genius is not necessarily tied to technical virtuosity but rather to his ability to create compositions that deeply touch the soul of those who listen to them. Every note and chord are carefully chosen to create an intense and immersive experience, with every detail, no matter how small, contributing to an atmosphere capable of transporting the listener to a place of introspection and emotional connection.
Luck and Strange, Gilmour's fifth studio album, within a delicate and characteristic musicality, offers lyrical work that reflects on what constitutes a genuine experience in a world saturated with superficiality, on the durability of interpersonal connections, on finding meaning in the face of inevitable mortality and the uncertainty that permeates human existence, among other themes. These are always explored poetically and multifacetedly, offering moments of deep and introspective reflection. Once again, nearly all the lyrics were written by Polly Samson, Gilmour's wife.
"Black Cat," a brief instrumental track of about a minute and a half, opens the album, immediately establishing the characteristic mood of Gilmour's music. With its introspective atmosphere and subtle arrangements, the piece offers a small taste of the guitarist's sophisticated and unmistakable style. "Luck and Strange," blues has never been a hidden taste of David Gilmour, and tracks like this make that clear. With Richard Wright's keys providing support, the song is masterfully built through various guitar “playfulness,” while delivering some reflections on time.
"The Piper's Call" is a composition Gilmour originally created on a ukulele, giving the piece a curious origin. It begins acoustically and gently, with delicate chords establishing an intimate feel, but soon transforms, gradually growing until culminating in a solo full of emotional intensity. Once again, a blues atmosphere is felt, warning against the dangers of falling for empty promises of quick solutions.
"A Single Spark" presents a more melancholic atmosphere compared to the previous tracks, but this darker tone fits perfectly with the lyrical theme, reflecting on the fragility and ephemerality of life. Once again, a brilliantly executed guitar solo stands out, adding layers of depth and enhancing the song's reflective tone beautifully.
"Vita Brevis" is a brief atmospheric interlude that serves as a delicate bridge to the next track. "Between Two Points" features a familiar collaboration, with Romany Gilmour on vocals and harp, while her brother Gabriel Gilmour contributes backing vocals. Romany's soft, ethereal voice, combined with the celestial atmosphere of the music, preserves the contemplative aura of the original version by The Montgolfier Brothers. However, the inclusion of Gilmour's melodic and unmistakable guitar adds a new emotional layer, enriching the interpretation with his classic touch.
"Dark and Velvet Nights" features lyrics adapted from a poem Polly Samson wrote for Gilmour on one of their wedding anniversaries. Lyrically, the song explores the search for a safe refuge in shared intimacy, reflecting on how external symbols, like a simple wedding ring, are fragile and incapable of fully capturing the depth of a true connection. Musically, the track stands out for its more robust and dense sound, contrasting with the delicacy of the message while reinforcing the emotional weight of the theme.
"Signs" brings the album back to a soft, serene sound, providing a moment of tranquility after a much more intense track. The song is built with delicate and enveloping arrangements, creating an atmosphere of peace and contemplation that permeates the entire composition, while offering a beautiful reflection on love, loss, and the struggle to maintain something so genuine in an increasingly chaotic world.
"Scattered" is the track on the album that most resembles the sound of Pink Floyd. With beautiful piano arrangements and careful orchestrations, the song is enriched by a Gilmour in top form, both on acoustic guitar and electric. In the final part, he delivers an intense, heavy, and fervent solo. Lyrically, symbols address the human struggle against the inevitable passage of time, reflecting on the powerlessness in the face of this inevitable and uncontrollable process.
"Yes, I Have Ghosts," originally released in 2020, made its way into the album as one of the two bonus tracks. It features Romany on harp and backing vocals that perfectly complement David's voice. It's marked by a sophisticated guitar tone, adding a subtle folk touch and accentuating the emotional depth of the song, which speaks about how the weight of past experiences and relationships can persist, shaping and haunting our current lives in a lasting way.
"Lucky and Strange (Original Barn Jam)," the other bonus track, runs for fourteen minutes, and as the title suggests, it's an improvised jam of the album's title track. Originally recorded in 2007, the track features Richard Wright, bringing once again a nostalgic touch to the sound. Although the influence of blues is evident, the execution of the track leans more toward a modern jazz filled with lightness, showcasing the musicians' ability to create a sophisticated and engaging sonic environment.
In Luck and Strange, David Gilmour demonstrates a subtle and sophisticated balance that serves as a profound reflection of his refined musical ability and vast experience as an artist. Each track is a testament to Gilmour's profound skill in combining complex sonic textures with a unique melodic sensibility. From start to finish, the album reveals impressive musical maturity, with meticulously crafted arrangements and flawless execution.
When David claimed that Luck and Strange is his best work since Dark Side of the Moon, he was likely considering factors beyond purely musical ones, including personal and contextual aspects that influence his artistic vision. However, if we are talking solely on the musical dimension, my evaluation diverges from that statement. Nevertheless, Luck and Strangestands out for its brilliance and depth, but not just for that—it possesses a special quality that resonates with Gilmour's sophistication and talent. This leads me to now see it as his best solo album.
NOTA: 9/10
Tracks Linting
1. Black Cat (1:32)
2. Luck and Strange (6:57)
3. The Piper's Call (5:15)
4. A Single Spark (6:04)
5. Vita Brevis (0:46)
6. Between Two Points (5:47)
7. Dark and Velvet Nights (4:45)
8. Sings (5:14)
9. Scattered (7:34)
10. Yes, I Have Ghosts (3:50)
11. Luck and Strange (original barn jam) (14:00)
A banda O Terço, ao longo de seus dois primeiros álbuns, explorou um rock mais direto, com algumas influências progressivas que se destacaram, especialmente em O Terço II. No entanto, foi com Criaturas da Noite que o grupo deu um salto notável, criando aquele que é considerado não apenas um dos álbuns mais importantes do rock progressivo sinfônico do Brasil mas de toda a América do Sul. A entrada de Flávio Venturini como tecladista fixo parece ter sido o catalisador para esse refinamento musical, elevando o som da banda a um novo patamar. Venturini não só colaborou na composição de três faixas, incluindo a faixa-título, como também criou sozinho a icônica "1974", que viria a se tornar um dos maiores clássicos do grupo.
O disco abre com "Hey Amigo", uma faixa que se inicia com um baixo marcante que é logo complementado por bateria e órgão, até culminar em um excelente trabalho de guitarra. Este é um rock and roll enérgico e dançante, coroado com um ótimo solo de guitarra no final, estabelecendo um início direto e impactante."Queimada" revela o lado mais folk da banda pela primeira vez. As harmonias vocais são deslumbrantes, uma complementando a outra com perfeição. A simplicidade instrumental, focada em violas e violão é enriquecida por uma percussão suave na parte final, mostrando a beleza e a maestria dos músicos.
"Pano de Fundo" começa com uma atmosfera que remete ao som mais sombrio do Black Sabbath, mas os vocais trazem um toque de leveza, transformando a música em algo mais alegre. O solo final de guitarra, claramente influenciado por Santana, é uma maravilha à parte, repleta de ritmo e energia."Ponto Final" é uma composição belíssima e que se inicia com uma delicada estrutura de piano, acompanhada por um coral sutil. Os sintetizadores adicionam uma camada perfeita, enquanto baixo e bateria fornecem uma base sólida e confortável. A guitarra distorcida acrescenta um brilho extra à música, e o piano, com sua emotividade, lembra a sofisticação da escola progressiva italiana.
"Volte na Próxima Semana" é a faixa mais pesada do disco, um rock and roll puro, com riffs de guitarra poderosos, solos marcantes, linhas de baixo intensas, bateria avassaladora e um órgão impactante. Os vocais, cheios de vigor, completam essa faixa feita para ser ouvida no volume máximo. "Criaturas da Noite" destaca-se por seu vocal ao piano, interpretado por Venturini e enriquecido pela orquestração magistral de Rogério Duprat. Esta é uma canção simples, mas profundamente bela, daquelas que tocam o coração pela sua carga emocional intensa. "Jogo das Pedras" é outra faixa prazerosa de se ouvir, com uma melodia inicial cativante que inspira a vontade de tocá-la ao violão. Os vocais, novamente bem estruturados, refletem sobre as incertezas da vida, enquanto Sérgio Hinds entrega mais um solo de guitarra excepcional, um dos melhores de sua carreira.
Finalmente, "1974" se destaca como a faixa mais progressiva do álbum. Começando com um piano delicado e emocional, a música se estende por mais de doze minutos de puro rock progressivo sinfônico instrumental, apenas com algumas vocalizações. Cada passagem, seja mais serena ou mais intensa, é executada com uma delicadeza impressionante. Bateria e baixo constroem uma base sólida, enquanto guitarra e teclado pintam o som com cores vibrantes, resultando em uma verdadeira obra-prima atemporal. É difícil mensurar a popularidade dessa faixa fora do Brasil, mas qualquer amante do rock progressivo clássico deve ouvir esta peça pelo menos uma vez.
Ao final, Criaturas da Noite deixa no ouvinte uma mescla de alegria e melancolia. Embora o álbum não esteja completamente isento de falhas, estas são insignificantes diante do marco que ele representa na história do rock progressivo brasileiro.
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The band O Terço, throughout their first two albums, explored a more straightforward rock sound with some progressive influences that particularly stood out in O Terço II. However, it was with Criaturas da Noite that the group made a remarkable leap, creating what is considered not only one of the most important albums in Brazilian symphonic progressive rock but in all of South America. The addition of Flávio Venturini as a permanent keyboardist seems to have been the catalyst for this musical refinement, elevating the band's sound to a new level. Venturini not only contributed to the composition of three tracks, including the title track, but also created the iconic "1974" on his own, which would become one of the group's greatest classics.
The album opens with "Hey Amigo," a track that begins with a prominent bass line that is soon complemented by drums and organ, eventually culminating in excellent guitar work. This is an energetic and danceable rock and roll track, crowned with a great guitar solo at the end, establishing a direct and impactful start. "Queimada" reveals the band's more folk side for the first time. The vocal harmonies are stunning, perfectly complementing each other. The instrumental simplicity, focused on acoustic guitars, is enriched by a soft percussion in the final part, showcasing the musicians' beauty and mastery.
"Pano de Fundo" begins with an atmosphere reminiscent of Black Sabbath's darker sound, but the vocals bring a touch of lightness, transforming the song into something more joyful. The final guitar solo, clearly influenced by Santana, is a marvel in itself, full of rhythm and energy. "Ponto Final" is a beautiful composition that begins with a delicate piano structure, accompanied by subtle choral vocals. The synthesizers add a perfect layer, while bass and drums provide a solid and comfortable foundation. The distorted guitar adds an extra sparkle to the song, and the piano, with its emotionality, recalls the sophistication of the Italian progressive school.
"Volte na Próxima Semana" is the heaviest track on the album, a pure rock and roll, with powerful guitar riffs, striking solos, intense bass lines, overwhelming drums, and a commanding organ. The vocals, full of vigor, complete this track, which is made to be heard at maximum volume. "Criaturas da Noite" stands out for its piano-driven vocal, performed by Venturini and enriched by Rogério Duprat's masterful orchestration. This is a simple yet profoundly beautiful song, one that touches the heart with its intense emotional weight. "Jogo das Pedras" is another enjoyable track, with a captivating initial melody that inspires the desire to play it on the guitar. The well-structured vocals reflect on life's uncertainties, while Sérgio Hinds delivers yet another exceptional guitar solo, one of the best of his career.
Finally, "1974" stands out as the most progressive track on the album. Beginning with a delicate and emotional piano, the song extends over twelve minutes of pure instrumental symphonic progressive rock, with only a few vocalizations. Every passage, whether serene or intense, is executed with impressive delicacy. Drums and bass build a solid foundation, while guitar and keyboard paint the sound with vibrant colors, resulting in a true timeless masterpiece. It is difficult to gauge the popularity of this track outside Brazil, but any lover of classic progressive rock should listen to this piece at least once.
In the end,Criaturas da Noite leaves the listener with a mix of joy and melancholy. Although the album is not entirely free of flaws, these are insignificant in light of the milestone it represents in the history of Brazilian progressive rock.
NOTA: 9/10
Tracks Linting
1. Hey amigo (3:22) 2. Queimada (3:04) 3. Pano de fundo (3:44) 4. Ponto final (4:38) 5. Volte na proxima semana (2:51) 6. Criaturas da noite (3:41) 7. Jogo das pedras (3:25) 8. 1974 (12:27)
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