David Gilmour - Luck and Strange (2024)

Merecidamente reconhecido como um verdadeiro mestre da melodia, David Gilmour pode ser facilmente considerado uma espécie de paradoxo de si mesmo, sendo um virtuoso que navega perfeitamente entre o sutil e o grandioso. O guitarrista é amplamente aclamado por meio de um estilo que o torna um verdadeiro arquiteto das mais belas catedrais sônicas, além de existir dentro de uma dualidade onde o simples se torna grandioso e o grandioso se desmancha em simplicidade.

Aos 78 anos, David Gilmour continua provando que sua genialidade não está necessariamente ligada à virtuosidade técnica, mas sim, à sua habilidade em criar composições que tocam profundamente a alma de quem as ouve, onde cada nota e acorde são cuidadosamente escolhidos para criar uma experiência intensa e envolvente, com cada detalhe, por menor que seja, contribuindo para criar uma atmosfera imersiva, capaz de transportar quem se deixar levar por sua música, para um lugar de introspecção e conexão emocional.

Luck and Strange, 5º disco de estúdio do músico, dentro de uma musicalidade delicada e característica, oferece um trabalho lírico que ajuda refletir sobre o que constitui uma experiência genuína em um mundo saturado de superficialidade, sobre a durabilidade das conexões interpessoais, sobre encontrar significado diante da mortalidade inevitável e da incerteza que permeia a existência humana entre outros, sempre dentro de uma exploração poética e multifacetada desses temas, oferecendo momentos de reflexão profunda e introspectiva. Novamente, quase todo as letras foram escritas por Polly Samson, esposa de Gilmour.

"Black Cat", uma faixa instrumental de cerca de um minuto e meio, abre o álbum estabelecendo de imediato o clima característico da música de David. Com sua atmosfera introspectiva e arranjos sutis, a peça oferece uma pequena amostra do estilo sofisticado e inconfundível do guitarrista. "Luck and Strange", o blues nunca foi um gosto oculto de David Gilmour, e faixas como essa evidenciam isso. Com apoio das teclas de Richard Wright, é muito bem construída por meio de várias “brincadeiras” de guitarra, enquanto entrega algumas reflexões sobre o tempo.

"The Piper's Call" é uma composição que Gilmour criou originalmente em um ukulele, dando à peça uma origem curiosa. Começa de forma acústica e suave, com acordes delicados que estabelecem uma sensação íntima, mas logo se transforma, crescendo de maneira gradual até culminar em um solo carregado de intensidade emocional. Novamente, é possível sentir uma atmosfera de blues. Uma música que atenta aos perigos que é o de cair nas promessas vazias de soluções rápidas

"A Single Spark" apresenta uma atmosfera mais melancólica em comparação com as faixas anteriores, mas essa tonalidade sombria encaixa-se perfeitamente com a temática lírica, que reflete sobre a fragilidade e a efemeridade da vida. Mais uma vez, um solo de guitarra brilhantemente executado se destaca, adicionando camadas de profundidade e realçando extremamente bem com o seu tom reflexivo.

"Vita Brevis" é um breve interlúdio atmosférico que funciona como uma ponte delicada para a faixa seguinte. "Between Two Points" traz uma colaboração familiar, com Romany Gilmour nos vocais e harpa, enquanto Gabriel Gilmour, seu irmão, contribui com o vocal de apoio. A voz suave e etérea de Romany, combinada com a atmosfera celestial da música, preserva a aura contemplativa da versão original dos The Montgolfier Brothers. No entanto, a inclusão da guitarra melódica e inconfundível de Gilmour adiciona uma nova camada emocional, enriquecendo a interpretação com sua marca clássica.

"Dark and Velvet Nights" apresenta uma letra adaptada de um poema que Polly Samson escreveu para Gilmour em um de seus aniversários de casamento. Liricamente, a canção explora a busca por um refúgio seguro na intimidade compartilhada, refletindo sobre como símbolos externos, como uma simples aliança, são frágeis e incapazes de capturar plenamente a profundidade de uma conexão verdadeira. Musicalmente, a faixa se destaca por sua sonoridade mais robusta e densa, contrastando com a delicadeza da mensagem, mas reforçando o peso emocional do tema.

"Signs" conduz o álbum de volta a uma sonoridade suave e serena, proporcionando um momento de tranquilidade após uma faixa muito mais intensa. A música é construída com arranjos delicados e envolventes, criando uma atmosfera de paz e contemplação que permeia toda a composição, enquanto é feita uma bonita reflexão sobre o amor, a perda e a luta para manter algo tão genuíno em um mundo cada vez mais caótico.

"Scattered" é a faixa do álbum que mais se assemelha ao som do Pink Floyd. Com belos arranjos de piano e orquestrações cuidadosas, a canção é enriquecida por um Gilmour em plena forma, tanto no violão quanto na guitarra. Na parte final, ele entrega um solo intenso, pesado e cheio de fervor. Liricamente, simbolismos abordam a luta humana contra a passagem inevitável do tempo, refletindo sobre a impotência diante desse processo cabal e incontrolável.

"Yes, I Have Ghosts", lançada originalmente em 2020, entrou no disco como uma das duas faixas bônus. Tem a participação de Romany na harpa e vocais de apoio que casam perfeitamente com a voz de David. É marcada por um violão de timbre sofisticado e que adiciona um sutil toque folk, além de acentuar a profundidade emocional da música que fala sobre como o peso das experiências e relacionamentos passados pode persistir, moldando e assombrando nossas vidas atuais de maneira persistente.

"Lucky and Strange (Original Barn Jam)", a outra faixa bônus do álbum, tem uma duração de quatorze minutos, e como o título sugere, é uma jam improvisada da faixa título do disco. Gravada originalmente em 2007, a faixa conta com a participação de Richard Wright, trazendo novamente um toque nostálgico ao som. Embora a influência do blues seja evidente, a execução da faixa possui uma sonoridade que se inclina mais para um jazz moderno cheio de leveza. Enquanto é mostrado toda a habilidade dos músicos em criar um ambiente sonoro sofisticado e envolvente.

Em Luck and Strange, David Gilmour demonstra um equilíbrio sutil e sofisticado, que serve como um reflexo profundo de sua habilidade musical refinada e sua vasta experiência como artista. Cada faixa é uma prova da profunda destreza de Gilmour em combinar texturas sonoras complexas com uma sensibilidade melódica única. Do começo ao fim, o álbum revela uma maturidade musical impressionante, com arranjos muito bem elaborados e uma execução impecável.

Quando David afirmou que Luck and Strange é o seu melhor trabalho desde Dark Side of the Moon, é provável que ele estivesse considerando fatores além dos puramente musicais, incluindo aspectos pessoais e contextuais que influenciam sua visão artística. No entanto, se a questão for exclusivamente na dimensão musical, minha avaliação diverge dessa declaração. Porém, Luck and Strange destaca-se por seu brilho e profundidade, mas não apenas por isso, ele possui uma qualidade especial que ressoa com a sofisticação e o talento de Gilmour. Isso faz com que a partir de agora, eu o enxergue como seu melhor disco solo.

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Deservedly recognized as a true master of melody, David Gilmour can easily be considered a kind of paradox unto himself, being a virtuoso who navigates perfectly between the subtle and the grand. The guitarist is widely acclaimed for a style that makes him a true architect of the most beautiful sonic cathedrals, existing within a duality where the simple becomes grand, and the grand dissolves into simplicity. 

At 78, David Gilmour continues to prove that his genius is not necessarily tied to technical virtuosity but rather to his ability to create compositions that deeply touch the soul of those who listen to them. Every note and chord are carefully chosen to create an intense and immersive experience, with every detail, no matter how small, contributing to an atmosphere capable of transporting the listener to a place of introspection and emotional connection.

Luck and Strange, Gilmour's fifth studio album, within a delicate and characteristic musicality, offers lyrical work that reflects on what constitutes a genuine experience in a world saturated with superficiality, on the durability of interpersonal connections, on finding meaning in the face of inevitable mortality and the uncertainty that permeates human existence, among other themes. These are always explored poetically and multifacetedly, offering moments of deep and introspective reflection. Once again, nearly all the lyrics were written by Polly Samson, Gilmour's wife.

"Black Cat," a brief instrumental track of about a minute and a half, opens the album, immediately establishing the characteristic mood of Gilmour's music. With its introspective atmosphere and subtle arrangements, the piece offers a small taste of the guitarist's sophisticated and unmistakable style. "Luck and Strange," blues has never been a hidden taste of David Gilmour, and tracks like this make that clear. With Richard Wright's keys providing support, the song is masterfully built through various guitar “playfulness,” while delivering some reflections on time.

"The Piper's Call" is a composition Gilmour originally created on a ukulele, giving the piece a curious origin. It begins acoustically and gently, with delicate chords establishing an intimate feel, but soon transforms, gradually growing until culminating in a solo full of emotional intensity. Once again, a blues atmosphere is felt, warning against the dangers of falling for empty promises of quick solutions.

"A Single Spark" presents a more melancholic atmosphere compared to the previous tracks, but this darker tone fits perfectly with the lyrical theme, reflecting on the fragility and ephemerality of life. Once again, a brilliantly executed guitar solo stands out, adding layers of depth and enhancing the song's reflective tone beautifully.

"Vita Brevis" is a brief atmospheric interlude that serves as a delicate bridge to the next track. "Between Two Points" features a familiar collaboration, with Romany Gilmour on vocals and harp, while her brother Gabriel Gilmour contributes backing vocals. Romany's soft, ethereal voice, combined with the celestial atmosphere of the music, preserves the contemplative aura of the original version by The Montgolfier Brothers. However, the inclusion of Gilmour's melodic and unmistakable guitar adds a new emotional layer, enriching the interpretation with his classic touch.

"Dark and Velvet Nights" features lyrics adapted from a poem Polly Samson wrote for Gilmour on one of their wedding anniversaries. Lyrically, the song explores the search for a safe refuge in shared intimacy, reflecting on how external symbols, like a simple wedding ring, are fragile and incapable of fully capturing the depth of a true connection. Musically, the track stands out for its more robust and dense sound, contrasting with the delicacy of the message while reinforcing the emotional weight of the theme.

"Signs" brings the album back to a soft, serene sound, providing a moment of tranquility after a much more intense track. The song is built with delicate and enveloping arrangements, creating an atmosphere of peace and contemplation that permeates the entire composition, while offering a beautiful reflection on love, loss, and the struggle to maintain something so genuine in an increasingly chaotic world.

"Scattered" is the track on the album that most resembles the sound of Pink Floyd. With beautiful piano arrangements and careful orchestrations, the song is enriched by a Gilmour in top form, both on acoustic guitar and electric. In the final part, he delivers an intense, heavy, and fervent solo. Lyrically, symbols address the human struggle against the inevitable passage of time, reflecting on the powerlessness in the face of this inevitable and uncontrollable process.

"Yes, I Have Ghosts," originally released in 2020, made its way into the album as one of the two bonus tracks. It features Romany on harp and backing vocals that perfectly complement David's voice. It's marked by a sophisticated guitar tone, adding a subtle folk touch and accentuating the emotional depth of the song, which speaks about how the weight of past experiences and relationships can persist, shaping and haunting our current lives in a lasting way.

"Lucky and Strange (Original Barn Jam)," the other bonus track, runs for fourteen minutes, and as the title suggests, it's an improvised jam of the album's title track. Originally recorded in 2007, the track features Richard Wright, bringing once again a nostalgic touch to the sound. Although the influence of blues is evident, the execution of the track leans more toward a modern jazz filled with lightness, showcasing the musicians' ability to create a sophisticated and engaging sonic environment.

In Luck and Strange, David Gilmour demonstrates a subtle and sophisticated balance that serves as a profound reflection of his refined musical ability and vast experience as an artist. Each track is a testament to Gilmour's profound skill in combining complex sonic textures with a unique melodic sensibility. From start to finish, the album reveals impressive musical maturity, with meticulously crafted arrangements and flawless execution.

When David claimed that Luck and Strange is his best work since Dark Side of the Moon, he was likely considering factors beyond purely musical ones, including personal and contextual aspects that influence his artistic vision. However, if we are talking solely on the musical dimension, my evaluation diverges from that statement. Nevertheless, Luck and Strange stands out for its brilliance and depth, but not just for that—it possesses a special quality that resonates with Gilmour's sophistication and talent. This leads me to now see it as his best solo album.

NOTA: 9/10

Tracks Linting

1. Black Cat (1:32)
2. Luck and Strange (6:57)
3. The Piper's Call (5:15)
4. A Single Spark (6:04)
5. Vita Brevis (0:46)
6. Between Two Points (5:47)
7. Dark and Velvet Nights (4:45)
8. Sings (5:14)
9. Scattered (7:34)

10. Yes, I Have Ghosts (3:50)
11. Luck and Strange (original barn jam) (14:00)

Assista ao vídeo oficial de "Between Two Points"

O Terço - Criaturas da Noite (1974)

 

A banda O Terço, ao longo de seus dois primeiros álbuns, explorou um rock mais direto, com algumas influências progressivas que se destacaram, especialmente em O Terço II. No entanto, foi com Criaturas da Noite que o grupo deu um salto notável, criando aquele que é considerado não apenas um dos álbuns mais importantes do rock progressivo sinfônico do Brasil mas de toda a América do Sul. A entrada de Flávio Venturini como tecladista fixo parece ter sido o catalisador para esse refinamento musical, elevando o som da banda a um novo patamar. Venturini não só colaborou na composição de três faixas, incluindo a faixa-título, como também criou sozinho a icônica "1974", que viria a se tornar um dos maiores clássicos do grupo.

O disco abre com "Hey Amigo", uma faixa que se inicia com um baixo marcante que é logo complementado por bateria e órgão, até culminar em um excelente trabalho de guitarra. Este é um rock and roll enérgico e dançante, coroado com um ótimo solo de guitarra no final, estabelecendo um início direto e impactante. "Queimada" revela o lado mais folk da banda pela primeira vez. As harmonias vocais são deslumbrantes, uma complementando a outra com perfeição. A simplicidade instrumental, focada em violas e violão é enriquecida por uma percussão suave na parte final, mostrando a beleza e a maestria dos músicos.

"Pano de Fundo" começa com uma atmosfera que remete ao som mais sombrio do Black Sabbath, mas os vocais trazem um toque de leveza, transformando a música em algo mais alegre. O solo final de guitarra, claramente influenciado por Santana, é uma maravilha à parte, repleta de ritmo e energia. "Ponto Final" é uma composição belíssima e que se inicia com uma delicada estrutura de piano, acompanhada por um coral sutil. Os sintetizadores adicionam uma camada perfeita, enquanto baixo e bateria fornecem uma base sólida e confortável. A guitarra distorcida acrescenta um brilho extra à música, e o piano, com sua emotividade, lembra a sofisticação da escola progressiva italiana.

"Volte na Próxima Semana" é a faixa mais pesada do disco, um rock and roll puro, com riffs de guitarra poderosos, solos marcantes, linhas de baixo intensas, bateria avassaladora e um órgão impactante. Os vocais, cheios de vigor, completam essa faixa feita para ser ouvida no volume máximo. "Criaturas da Noite" destaca-se por seu vocal ao piano, interpretado por Venturini e enriquecido pela orquestração magistral de Rogério Duprat. Esta é uma canção simples, mas profundamente bela, daquelas que tocam o coração pela sua carga emocional intensa. "Jogo das Pedras" é outra faixa prazerosa de se ouvir, com uma melodia inicial cativante que inspira a vontade de tocá-la ao violão. Os vocais, novamente bem estruturados, refletem sobre as incertezas da vida, enquanto Sérgio Hinds entrega mais um solo de guitarra excepcional, um dos melhores de sua carreira.

Finalmente, "1974" se destaca como a faixa mais progressiva do álbum. Começando com um piano delicado e emocional, a música se estende por mais de doze minutos de puro rock progressivo sinfônico instrumental, apenas com algumas vocalizações. Cada passagem, seja mais serena ou mais intensa, é executada com uma delicadeza impressionante. Bateria e baixo constroem uma base sólida, enquanto guitarra e teclado pintam o som com cores vibrantes, resultando em uma verdadeira obra-prima atemporal. É difícil mensurar a popularidade dessa faixa fora do Brasil, mas qualquer amante do rock progressivo clássico deve ouvir esta peça pelo menos uma vez.

Ao final, Criaturas da Noite deixa no ouvinte uma mescla de alegria e melancolia. Embora o álbum não esteja completamente isento de falhas, estas são insignificantes diante do marco que ele representa na história do rock progressivo brasileiro.

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The band O Terço, throughout their first two albums, explored a more straightforward rock sound with some progressive influences that particularly stood out in O Terço II. However, it was with Criaturas da Noite that the group made a remarkable leap, creating what is considered not only one of the most important albums in Brazilian symphonic progressive rock but in all of South America. The addition of Flávio Venturini as a permanent keyboardist seems to have been the catalyst for this musical refinement, elevating the band's sound to a new level. Venturini not only contributed to the composition of three tracks, including the title track, but also created the iconic "1974" on his own, which would become one of the group's greatest classics.

The album opens with "Hey Amigo," a track that begins with a prominent bass line that is soon complemented by drums and organ, eventually culminating in excellent guitar work. This is an energetic and danceable rock and roll track, crowned with a great guitar solo at the end, establishing a direct and impactful start. "Queimada" reveals the band's more folk side for the first time. The vocal harmonies are stunning, perfectly complementing each other. The instrumental simplicity, focused on acoustic guitars, is enriched by a soft percussion in the final part, showcasing the musicians' beauty and mastery.

"Pano de Fundo" begins with an atmosphere reminiscent of Black Sabbath's darker sound, but the vocals bring a touch of lightness, transforming the song into something more joyful. The final guitar solo, clearly influenced by Santana, is a marvel in itself, full of rhythm and energy. "Ponto Final" is a beautiful composition that begins with a delicate piano structure, accompanied by subtle choral vocals. The synthesizers add a perfect layer, while bass and drums provide a solid and comfortable foundation. The distorted guitar adds an extra sparkle to the song, and the piano, with its emotionality, recalls the sophistication of the Italian progressive school.

"Volte na Próxima Semana" is the heaviest track on the album, a pure rock and roll, with powerful guitar riffs, striking solos, intense bass lines, overwhelming drums, and a commanding organ. The vocals, full of vigor, complete this track, which is made to be heard at maximum volume. "Criaturas da Noite" stands out for its piano-driven vocal, performed by Venturini and enriched by Rogério Duprat's masterful orchestration. This is a simple yet profoundly beautiful song, one that touches the heart with its intense emotional weight. "Jogo das Pedras" is another enjoyable track, with a captivating initial melody that inspires the desire to play it on the guitar. The well-structured vocals reflect on life's uncertainties, while Sérgio Hinds delivers yet another exceptional guitar solo, one of the best of his career.

Finally, "1974" stands out as the most progressive track on the album. Beginning with a delicate and emotional piano, the song extends over twelve minutes of pure instrumental symphonic progressive rock, with only a few vocalizations. Every passage, whether serene or intense, is executed with impressive delicacy. Drums and bass build a solid foundation, while guitar and keyboard paint the sound with vibrant colors, resulting in a true timeless masterpiece. It is difficult to gauge the popularity of this track outside Brazil, but any lover of classic progressive rock should listen to this piece at least once.

In the end, Criaturas da Noite leaves the listener with a mix of joy and melancholy. Although the album is not entirely free of flaws, these are insignificant in light of the milestone it represents in the history of Brazilian progressive rock.

NOTA: 9/10

Tracks Linting

1. Hey amigo (3:22)
2. Queimada (3:04)
3. Pano de fundo (3:44)
4. Ponto final (4:38)
5. Volte na proxima semana (2:51)
6. Criaturas da noite (3:41)
7. Jogo das pedras (3:25)
8. 1974 (12:27)

Ouça, "1974"

Mike Oldfield - Ommadawn (1975)

 

Ommadawn é um disco extremamente especial, que sintetiza e supera tudo o que Mike Oldfield aprendeu em seus dois trabalhos anteriores. Elaborado com uma precisão dramática, comovente e perfeitamente executado, o álbum é uma verdadeira obra-prima. Eu me lembro de sentir uma certa vergonha por em algum momento da minha vida, ter me referido a Oldfield apenas como "o cara da música do Exorcista," como se sua obra se resumisse apenas a isso. Quanta inocência da minha parte, ou seria uma blasfêmia? Não sei. O que sei é que com o passar dos anos, não apenas passei a ouvir sua música, mas também a estudá-la profundamente.

É quase difícil acreditar que Ommadawn foi gravado em 1975. A produção é incrivelmente limpa e a ideia por trás do álbum é revolucionária na maneira como mistura música pop, clássica, progressiva e étnica, utilizando uma infinidade de instrumentos que resultam em uma música soberba. Quando uso o termo "revolucionário," pode parecer um exagero para alguns, mas não há como negar que se trata, no mínimo, de uma obra corajosa. Embora a ideia de uma única faixa ocupando cada lado do disco não fosse inédita, Oldfield nunca foi tão preciso e impactante como aqui.

“Ommadawn Part 1” começa com um tom hipnótico, misterioso e relaxante, onde baixo, guitarra, koto e órgão grave se entrelaçam suavemente com um coro contido. A atmosfera criada é perfeita para uma meditação. A música progride com uma perfeição absoluta em termos de ritmo, estrutura e musicalidade, até que com o som maciço de um gongo, a melodia enigmática ganha vida. A influência da música barroca (Bach e Vivaldi) é evidente, e embora Oldfield já tenha mostrado que não precisa de outros músicos para criar grandes discos, aqui a inclusão de mais integrantes deu uma nova e melhorada roupagem às suas composições. Por volta da metade da música, ela parece "reiniciar" com uma nova corrente suave, evocando uma sensação de serenidade e vibrando com uma nova reviravolta que muda o tema principal. A guitarra que entra nesse momento é estupenda, transbordando energia e trazendo uma sensação edificante ao ouvinte. As percussões africanas lideram a música em direção a um final repleto de incertezas, apenas para sermos novamente abraçados pelo tema inicial com batidas de baixo, coros desesperados, guitarra e sinos tubulares. Uma música sensacional que sozinha já valeria o álbum, mas ainda há mais.

“Ommadawn Part 2” não fica atrás em genialidade, embora muitos a considerem um pouco abaixo da primeira parte. O início é maravilhoso, com guitarras elétricas que vibram em uníssono, criando uma sensação de peso insondável. A música é suavemente cortada por flautas, que a fazem desaparecer lentamente, até que violões começam a vagar livremente. Um dos mais belos trabalhos de gaita de foles que já ouvi fortalece a música com longas e preguiçosas notas antes de direcioná-la para um caminho mais melancólico, onde o violão acústico e a flauta estabelecem um clima mais introspectivo. Novamente, uma bateria africana enérgica dá ritmo à música, servindo de base para um excelente solo de guitarra. Após alguns segundos de silêncio, surge uma melodia encantadora de violão acompanhada pela voz frágil de Oldfield cantando os primeiros versos de “On Horseback” (faixa incluída no final de "Ommadawn Part 2"), onde ele relata sobre coisas simples do cotidiano que gosta de fazer, como beber cerveja, comer queijo, sentir o cheiro de uma brisa ou andar a cavalo. Essa parte possui um sentimento quase infantil, especialmente pelo coro de crianças que lidera o último refrão. Embora o final seja menos impactante do que o restante do álbum, a paixão com que Oldfield conduz os instrumentos continua impressionante.

Ommadawn é um disco profundo e poderoso. Se você está em busca de música progressiva sinfônica, melódica, com uma atmosfera pacífica e emocional, não há outro álbum que eu recomendaria antes deste. Ommadawn vai além de ser apenas uma obra-prima na prateleira; com o tempo, ele pode se tornar um verdadeiro membro da família, tamanha é a interação e conexão que ele exerce na alma do ouvinte. É o ápice da genialidade de Mike Oldfield.

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Ommadawn is an extremely special album that synthesizes and surpasses everything Mike Oldfield learned in his two previous works. Crafted with dramatic precision, deeply moving, and perfectly executed, the album is a true masterpiece. I remember feeling a certain embarrassment for once referring to Oldfield merely as "the guy from the Exorcist music," as if his work was limited to that. How naive of me—or perhaps it was blasphemy? I'm not sure. What I do know is that over the years, I not only began to listen to his music but also studied it deeply.

It’s almost hard to believe that Ommadawn was recorded in 1975. The production is incredibly clean, and the concept behind the album is revolutionary in the way it blends pop, classical, progressive, and ethnic music, utilizing a multitude of instruments that result in superb music. When I use the term "revolutionary," it may seem like an exaggeration to some, but there’s no denying that it is, at the very least, a brave work. Although the idea of a single track occupying each side of the record wasn't unprecedented, Oldfield has never been as precise and impactful as he is here.

“Ommadawn Part 1” begins with a hypnotic, mysterious, and relaxing tone, where bass, guitar, koto, and deep organ intertwine softly with a restrained choir. The atmosphere created is perfect for meditation. The music progresses with absolute perfection in terms of rhythm, structure, and musicianship until, with the massive sound of a gong, the enigmatic melody comes to life. The influence of Baroque music (Bach and Vivaldi) is evident, and while Oldfield has already shown that he doesn’t need other musicians to create great albums, the inclusion of more members here gave his compositions a new and improved texture. Around the middle of the track, it seems to "restart" with a new gentle current, evoking a sense of serenity and vibrating with a new twist that changes the main theme. The guitar that enters at this moment is stunning, brimming with energy and bringing an uplifting sensation to the listener. African percussion leads the music toward an ending full of uncertainties, only for us to be embraced once more by the initial theme with bass beats, desperate choirs, guitar, and tubular bells. An incredible track that alone would justify the album, but there’s still more.

“Ommadawn Part 2” is no less brilliant, though many consider it slightly inferior to the first part. The beginning is wonderful, with electric guitars vibrating in unison, creating a feeling of unfathomable weight. The music is gently cut by flutes, which make it slowly fade away until acoustic guitars begin to wander freely. One of the most beautiful bagpipe performances I've ever heard strengthens the track with long, lazy notes before steering it into a more melancholic path, where acoustic guitar and flute establish a more introspective atmosphere. Once again, energetic African drums give rhythm to the music, serving as the foundation for an excellent guitar solo. After a few seconds of silence, a charming guitar melody emerges, accompanied by Oldfield’s fragile voice singing the first verses of “On Horseback” (a track included at the end of "Ommadawn Part 2"), where he talks about simple everyday things he enjoys doing, like drinking beer, eating cheese, feeling the breeze, or riding a horse. This part has an almost childlike sentiment, especially due to the children's choir leading the final chorus. Although the ending is less impactful than the rest of the album, the passion with which Oldfield handles the instruments remains impressive.

Ommadawn is a deep and powerful album. If you’re looking for symphonic, melodic progressive music with a peaceful and emotional atmosphere, there’s no other album I’d recommend before this one. Ommadawn goes beyond being just a masterpiece on the shelf; over time, it may become a true member of the family, such is the interaction and connection it exerts on the listener's soul. It is the pinnacle of Mike Oldfield's genius.

NOTA: 10/10

Tracks Listing

1. Ommadawn Part 1 (19:14)
2. Ommadawn Part 2 (incl. "On Horseback") (17:07)

Ouça, "Ommadawn Part 1"

Rick Miller - One of the Many (2024)

 

Rick Miller é um nome que apesar de sua longevidade e consistência na cena do rock progressivo, pode não ser imediatamente reconhecido entre os gigantes dos anos 70, como Yes, Genesis, e King Crimson. No entanto, seu trabalho fortemente influenciado por esses mestres reflete uma dedicação profunda às raízes do gênero, ao mesmo tempo em que explora territórios sonoros próprios. O estilo de Miller é marcado por uma atenção aos detalhes e pelo uso de uma ampla gama de texturas musicais. Ele é particularmente conhecido por sua habilidade nos teclados e na guitarra, criando camadas sonoras atmosféricas que combinadas com solos de guitarra carregados de emoção e que resultam em composições expansivas e ricas.

Iniciando sua carreira discográfica em 1984, Miller chegou ao seu 18º álbum com One of the Many, uma obra que se destaca como uma das mais ambiciosas de sua carreira. Nesse álbum, Miller oferece uma musicalidade refinada e apaixonada, mantendo suas influências claras, especialmente de Pink Floyd e Moody Blues, enquanto explora novas direções e mantém um compromisso firme com a integridade artística. O álbum convida o ouvinte a uma jornada por paisagens sonoras complexas e texturizadas. Com certeza, um bom par de fones de ouvido é essencial para apreciar toda a riqueza que One of the Many tem a oferecer.

O álbum começa com "Atrophy," uma faixa que desliza suavemente em um mundo onde tempo e emoções se entrelaçam em uma dança mágica. Não é apenas uma composição; é uma jornada transcendental que combina melodia e narrativa de maneira magistral, enquanto Miller explora a perspectiva de alguém lutando com a perda de memória, criando uma atmosfera que é ao mesmo tempo evocativa e introspectiva. "Time Goes On" segue com uma aura de serenidade e introspecção e que é estabelecida desde as primeiras notas de piano. A música se desenvolve com delicadeza, abordando temas de morte e medo com uma fluidez que se reflete na perfeita harmonia entre guitarra e violão, culminando em uma peça grandiosa apesar de sua curta duração.

"The Lost Years" é uma das faixas mais dinâmicas e emocionais do álbum, explorando nostalgia e arrependimento através de uma montanha-russa sonora. As linhas de guitarra,transmitem uma emoção crua que ressoa profundamente, especialmente no final onírico da música, que deixa uma sensação de despedida de algo precioso e irrepetível. Em "She of the Darkness," uma incrível peça instrumental, a flauta lidera com acordes etéreos que evocam serenidade e contemplação. Essa melodia é enriquecida por densas orquestrações, violão, piano, e um breve, mas impactante, ataque de guitarra, criando uma faixa que é ao mesmo tempo grandiosa e majestosa.

A faixa-título "One of the Many" começa evocando o som do Pink Floyd, mas rapidamente se transforma em uma névoa sonora única, com efeitos vocais etéreos e uma temática que aborda os desafios da era digital, ressaltando a importância do discernimento crítico na era da informação. "Perchance to Dream," com seus mais de 13 minutos, é o épico do álbum. É uma odisseia emocional que aborda elementos oníricos e reais, questionando a essência da vida e a percepção da realidade, com paisagens sonoras majestosas que transportam o ouvinte para um tempo de simplicidade e sorrisos fáceis.

"Wonderlust" é uma composição que transborda emoção, misturando beleza e tristeza em uma reflexão sobre a jornada da vida. Cada elemento da música, desde a guitarra incisiva até o coro celestial, tudo trabalha em perfeita harmonia para criar uma experiência auditiva profunda e introspectiva. O álbum encerra com "Another Time," uma faixa acústica que é acompanhada por floreios de violoncelo, oferecendo um desfecho lindamente melancólico, convidando à reflexão pessoal e introspecção sobre a complexidade da vida humana.

Em suma, One of the Many é um álbum que exemplifica a capacidade de Rick Miller em criar música progressiva rica em detalhes e nuances, recompensando tanto os ouvintes exigentes quanto aqueles que são novos no gênero. As intricadas camadas de instrumentação e os arranjos sofisticados proporcionam uma experiência auditiva envolvente, enquanto as melodias acessíveis e os ganchos memoráveis fazem do álbum uma excelente porta de entrada para o universo sonoro de Miller.

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Rick Miller is a name that, despite his longevity and consistency in the progressive rock scene, might not be immediately recognized among the giants of the 70s, like Yes, Genesis, and King Crimson. However, his work, heavily influenced by these masters, reflects a deep dedication to the genre's roots while also exploring his own sonic territories. Miller’s style is marked by an attention to detail and the use of a wide range of musical textures. He is particularly known for his skill on keyboards and guitar, creating atmospheric soundscapes that, combined with emotionally charged guitar solos, result in expansive and rich compositions.

Starting his recording career in 1984, Miller has reached his 18th album with One of the Many, a work that stands out as one of the most ambitious of his career. In this album, Miller offers refined and passionate musicianship, maintaining clear influences, especially from Pink Floyd and Moody Blues, while exploring new directions and holding a firm commitment to artistic integrity. The album invites the listener on a journey through complex and textured soundscapes. Certainly, a good pair of headphones is essential to appreciate all the richness that One of the Many has to offer.

The album begins with "Atrophy," a track that smoothly glides into a world where time and emotions intertwine in a magical dance. It’s not just a composition; it’s a transcendental journey that masterfully combines melody and narrative as Miller explores the perspective of someone struggling with memory loss, creating an atmosphere that is both evocative and introspective. "Time Goes On" follows with an aura of serenity and introspection established from the first piano notes. The music develops delicately, addressing themes of death and fear with a fluidity reflected in the perfect harmony between guitar and acoustic guitar, culminating in a grand piece despite its short duration.

"The Lost Years" is one of the most dynamic and emotional tracks on the album, exploring nostalgia and regret through a sonic rollercoaster. The guitar lines convey a raw emotion that resonates deeply, especially in the song's dreamy ending, which leaves a sense of farewell to something precious and unrepeatable. In "She of the Darkness," an incredible instrumental piece, the flute leads with ethereal chords that evoke serenity and contemplation. This melody is enriched by dense orchestrations, acoustic guitar, piano, and a brief but impactful guitar burst, creating a track that is both grand and majestic.

The title track, "One of the Many," begins by evoking the sound of Pink Floyd but quickly transforms into a unique sonic mist, with ethereal vocal effects and a theme that addresses the challenges of the digital age, emphasizing the importance of critical discernment in the information era. "Perchance to Dream," with its over 13 minutes, is the epic of the album. It’s an emotional odyssey that addresses dreamlike and real elements, questioning the essence of life and the perception of reality, with majestic soundscapes that transport the listener to a time of simplicity and easy smiles.

"Wonderlust" is a composition overflowing with emotion, mixing beauty and sadness in a reflection on the journey of life. Every element of the song, from the incisive guitar to the celestial choir, works in perfect harmony to create a deep and introspective listening experience. The album closes with "Another Time," an acoustic track accompanied by cello flourishes, offering a beautifully melancholic ending, inviting personal reflection and introspection on the complexity of human life.

In summary, One of the Many is an album that exemplifies Rick Miller’s ability to create progressive rock music rich in details and nuances, rewarding both discerning listeners and those new to the genre. The intricate layers of instrumentation and sophisticated arrangements provide an immersive listening experience, while the accessible melodies and memorable hooks make the album an excellent gateway into Miller’s sonic universe.

NOTA: 9/10

Tracks Listing

1. Atrophy (8:21)
2. Time Goes On (3:52)
3. The Lost Years (8:29)
4. She of the Darkness (3:57)
5. One of the Many (4:54)
6. Perchance to Dream (13:10)
7. Wonderlust (6:15)
8. Another Time (4:36)

Ouça, "One of the Many"

Emerson, Lake And Palmer - Trilogy (1972)

 

Quando penso em Emerson, Lake & Palmer é difícil manter uma preferência constante entre os primeiros quatro álbuns da banda. Cada um deles representa um ápice criativo, o que me faz alternar constantemente sobre qual considero o melhor. Contudo, algo que sempre me chama a atenção é como Trilogy se destaca por ser o mais diferente entre eles. Apesar das semelhanças inevitáveis, Trilogy soa menos bombástico e de certa forma mais comedido e sem a mesma intensidade dos outros. Isso não diminui em nada sua qualidade, apenas oferece uma observação sobre sua abordagem distinta. Até a capa do disco, com uma fotografia retocada dos membros de perfil olhando para um pôr-do-sol na contracapa transmite um ar mais sereno e refinado e menos ousado do que os trabalhos anteriores. Embora existam momentos pesado, o álbum também explora passagens mais suaves e cuidadosamente elaboradas. Há uma clara influência da música clássica romântica russa nas teclas de Keith Emerson, que é muito bem equilibrada pela poderosa voz e linhas de baixo de Greg Lake, além da evolução constante de Carl Palmer, cuja bateria atinge um nível de precisão impressionante. A produção do disco também merece destaque, com uma sonoridade cristalina e bem definida.

O álbum abre com "The Endless Enigma (Part 1)", onde Emerson manipula seu sintetizador para soar como um pássaro noturno em um tom misterioso, enquanto a bateria de Palmer se apresenta de forma tranquila. Logo, algumas notas de piano e mais sintetizadores se unem a uma breve aparição de zukra (a gaita de foles líbia), até que a faixa se torna mais enérgica e pesada, com os três membros tocando juntos com enorme intensidade. A voz doce de Lake entra em cena, acalmando a composição. O desempenho de Emerson no piano acústico é um destaque inquestionável, mostrando uma maestria incomparável. "Fugue" traz um piano Steinway sublime, com o baixo de Lake oferecendo um apoio sutil e Palmer adicionando toques leves e agradáveis. "The Endless Enigma (Part 2)" começa de forma marcante, com sinos, sintetizadores e órgão distorcidos construindo uma atmosfera épica, complementada pela intensa interpretação vocal de Lake.

"From The Beginning" é uma balada lindíssima, a minha preferida da banda. O violão de Greg Lake é pura magia. A melodia, com uma atmosfera levemente sombria é enriquecida por sintetizadores suaves e assobios que complementam perfeitamente a música, assim como as sutis linhas de percussão. "The Sherriff" é uma faixa divertida e envolvente, começando com um mini solo de bateria antes que o órgão e o baixo se juntem a ela. Mesmo sendo uma faixa curta, destaca-se pelas excelentes harmonias e pelo impressionante piano honky-tonk no final. "Hoedown", uma adaptação da obra de Aaron Copland, se tornou um clássico do grupo, frequentemente tendo sido utilizada como música de abertura nos concertos da banda. A faixa é de tirar o fôlego, com sintetizadores e órgão potentes, linhas sólidas de baixo e uma bateria empolgante que mantêm a energia elevada do começo ao fim.

"Trilogy" é uma das minhas faixas preferidas do grupo. Ela começa suavemente com um piano claro e nítido, remetendo ao estilo do pianista americano George Gershwin, acompanhado pelo canto suave e melódico de Lake. A faixa então se transforma em uma seção instrumental vibrante, com sintetizadores e órgãos imponentes, além de linhas de baixo criativas e uma bateria inventiva que utiliza uma variedade impressionante de instrumentos de percussão. Quando o vocal retorna, a música segue com um fluxo contínuo e sólido antes de mergulhar novamente em uma linha instrumental arrebatadora. "Living Sin" possui uma sonoridade pesada e sombria, com os vocais de Lake variando entre notas baixas e gritos agudos, acompanhado por um trabalho acentuado de sintetizador e órgão, além de uma bateria criativa e linhas sólidas de baixo. "Abaddon's Bolero" encerra o disco de maneira grandiosa. Começando de forma silenciosa e repetitiva, com uma bateria que remete a uma marcha romana, Emerson vai adicionando camadas de sintetizadores e hammond, criando uma sensação malévola à medida que a música se desenvolve de maneira lenta, até terminar de forma abrupta. É uma peça evocativa e fascinante.

Em conclusão, Trilogy é um disco brilhante, cativante em todos os aspectos, capaz de envolver profundamente o ouvinte. Embora muitos apontem os "excessos" como um obstáculo para apreciar Emerson, Lake & Palmer, aqui a banda segue um caminho diferente. É o disco menos pomposo entre os quatro primeiros álbuns da banda, mas também o mais progressivo e clássico em sua essência.

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When I think of Emerson, Lake & Palmer, it's hard to maintain a consistent preference among the band's first four albums. Each one represents a creative pinnacle, causing me to constantly alternate which one I consider the best. However, something that always stands out to me is how Trilogy distinguishes itself by being the most different among them. Despite the inevitable similarities, Trilogy sounds less bombastic and somewhat more restrained, lacking the same intensity as the others. This doesn't diminish its quality at all; it merely offers an observation on its distinct approach. Even the album cover, featuring a retouched photograph of the members in profile looking towards a sunset on the back cover, conveys a more serene and refined atmosphere, less bold than the previous works. Although there are heavy moments, the album also explores softer, carefully crafted passages. There's a clear influence of Russian Romantic classical music in Keith Emerson's keyboards, which is beautifully balanced by Greg Lake's powerful vocals and bass lines, as well as Carl Palmer's constant evolution, whose drumming reaches an impressive level of precision. The album's production also deserves mention, with a crystal-clear and well-defined sound.

The album opens with "The Endless Enigma (Part 1)," where Emerson manipulates his synthesizer to sound like a night bird in a mysterious tone, while Palmer's drumming is presented in a calm manner. Soon, a few piano notes and more synthesizers join in with a brief appearance of the zukra (a Libyan bagpipe), until the track becomes more energetic and heavy, with all three members playing together with immense intensity. Lake's sweet voice enters, calming the composition. Emerson's performance on the acoustic piano is an undeniable highlight, showcasing unparalleled mastery. "Fugue" features sublime Steinway piano, with Lake's bass providing subtle support and Palmer adding light and pleasant touches. "The Endless Enigma (Part 2)" begins dramatically, with distorted bells, synthesizers, and organ creating an epic atmosphere, complemented by Lake's intense vocal delivery.

"From The Beginning" is a gorgeous ballad, my favorite by the band. Greg Lake's guitar work is pure magic. The melody, with a slightly dark atmosphere, is enriched by soft synthesizers and whistles that perfectly complement the song, along with the subtle percussion lines. "The Sheriff" is a fun and engaging track, starting with a mini drum solo before the organ and bass join in. Even though it's a short track, it stands out for its excellent harmonies and the impressive honky-tonk piano at the end. "Hoedown," an adaptation of Aaron Copland's work, became a classic for the group, frequently used as the band's opening music in concerts. The track is breathtaking, with powerful synthesizers and organ, solid bass lines, and exciting drumming that keeps the energy high from start to finish.

"Trilogy" is one of my favorite tracks by the group. It starts gently with clear and crisp piano, reminiscent of the style of American pianist George Gershwin, accompanied by Lake's soft and melodic singing. The track then transforms into a vibrant instrumental section, with imposing synthesizers and organs, along with creative bass lines and inventive drumming that uses an impressive variety of percussion instruments. When the vocals return, the song flows with a continuous and solid pace before diving back into a captivating instrumental line. "Living Sin" has a heavy and dark sound, with Lake's vocals ranging from low notes to high-pitched screams, accompanied by sharp synthesizer and organ work, as well as creative drumming and solid bass lines. "Abaddon's Bolero" closes the album in a grand manner. Starting quietly and repetitively, with drumming reminiscent of a Roman march, Emerson gradually adds layers of synthesizers and Hammond organ, creating a sinister feeling as the music slowly develops, until it ends abruptly. It's an evocative and fascinating piece.

In conclusion, Trilogy is a brilliant album, captivating in every aspect, capable of deeply engaging the listener. Although many point to the "excesses" as an obstacle to appreciating Emerson, Lake & Palmer, here the band takes a different path. It's the least pompous album among the band's first four albums, but also the most progressive and classical.

NOTA: 9.5/10

Tracks Listing

1. The Endless Enigma (Part One) (6:42)
2. Fugue (1:57)
3. The Endless Enigma (Part Two) (2:05)
4. From the Beginning (4:17)
5. The Sheriff (3:23)
6. Hoedown (Taken from Rodeo) {Aaron Copland, arranged by E, L & P} (3:47)
7. Trilogy (8:54)
8. Living Sin (3:14)
9. Abaddon's Bolero (8:08)

Ouça, "The Endless Enigma (Part One)"

Hatfield and the North - The Rotters' Club (1975)

 

Hatfield and the North foi uma banda que apesar de sua curta existência e de ter lançado apenas dois álbuns, deixou um legado excelente no cenário do rock progressivo. The Rotters' Club, segundo disco da banda, não é apenas uma exibição de talentos, mas uma obra cuidadosamente trabalhada e equilibrada, que oferece uma fusão única de sonoridades. Ele combina a ferocidade do fusion, reminiscentes da Soft Machine, com o humor leve e as linhas suaves características do Caravan, tudo permeado pela assinatura musical inconfundível do banda.

O álbum abre com “Share It,” uma faixa agradável e executada com maestria. O destaque aqui é o trabalho de teclado de Dave Stewart que com um solo inspirado evoca de imediato o espírito da cena de Canterbury. Em seguida, “Lounging There Trying” se destaca pela guitarra de Phil Miller. Embora não seja deslumbrante, a guitarra é um elemento essencial na paleta sonora da música, complementada pelos obbligatos de Stewart, que elevam a composição a um novo patamar.As faixas “(Big) John Wayne Socks Psychology On The Jaw” e “Chaos At The Greasy Spoon” atuam como interlúdios intrigantes. A primeira é uma peça agradável, marcada por um trabalho de teclados robusto e bateria intensa. Já a segunda apresenta uma bateria mais técnica, acompanhada por trompa e guitarra fuzz, criando uma atmosfera única.

“The Yes / No Interlude” é uma peça complexa e cativante, onde a guitarra brilha especialmente nos dois primeiros minutos. A faixa apresenta também uma explosão de trompete e uma bateria em blast beat, criando uma sonoridade densa e por vezes desafiadora. Após os cinco minutos, a música assume uma direção jazzística claramente com a influência de Dave Stewart. Este é sem dúvida um dos pontos altos do disco. “Fitter Stoke Has A Bath” traz uma sonoridade suave e bela, com vocais descontraídos e um refrão melódico que cativa instantaneamente. O trabalho de flauta é um verdadeiro deleite, e após uma seção liderada por belas vocalizações, surge um solo de guitarra que acrescenta uma dose de intensidade à música, sem perder sua doçura essencial. A melodia final transporta o ouvinte para um cenário mais sombrio, encerrando a faixa com maestria.

Curiosamente, apesar de ser fã de Jethro Tull, foi “Didn't Matter Anyway” que despertou em mim o desejo de tocar flauta. Embora as letras da banda nunca tenham sido seu ponto mais forte, aqui elas se destacam, com Richard Sinclair entregando uma performance emotiva em uma despedida tocante e que torna a faixa muito especial. “Underdub” é uma peça instrumental envolvente, servindo como um prelúdio perfeito para o épico que fecha o disco. O trabalho uníssono entre flauta e órgão é sublime.

O álbum culmina com “Mumps,” um épico de mais de vinte minutos que exibe a qualidade musical mais alta alcançada pela banda. A faixa começa com belas vocalizações femininas das Northettes, acompanhadas por notas sutis de guitarra e MiniMoog. Aos dois minutos, uma mudança súbita e intensa traz à tona uma guitarra distorcida, piano elétrico, uma linha de baixo vigorosa e uma bateria sólida. Cada elemento desta música é impecável, desde os riffs impactantes até as harmonias complexas que exigem múltiplas audições para serem plenamente compreendidas. As letras, conhecidas como “Alphabet Song,” podem parecer enigmáticas, mas sua integração na melodia é feita de forma harmoniosa, conferindo à faixa um corpo sonoro bem delineado. As Northettes marcam transições cruciais, criando momentos de transformação musical ao longo da peça. Além de solos de guitarra e teclado excepcionais, há um solo de saxofone por volta dos treze minutos e quarenta, que é acompanhado por uma guitarra ao fundo magistral. Um dos pontos altos da faixa é o riff que surge nos minutos finais. Mumps é um épico monumental, quase inteiramente instrumental e que merece estar entre os grandes épicos da história do rock progressivo.

Assim como em seu álbum de estreia, em The Rotters' Club o Hatfield and the North produziu uma obra que talvez não conquiste imediatamente, mas que sem dúvida, se revela como um dos melhores discos que a cena progressiva de Canterbury tem a oferecer.  

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Hatfield and the North was a band that, despite its short existence and having released only two albums, left an excellent legacy in the progressive rock scene. The Rotters' Club, the band's second album, is not just a showcase of talent but a carefully crafted and balanced work that offers a unique fusion of sounds. It combines the ferocity of fusion, reminiscent of Soft Machine, with the light humor and smooth lines characteristic of Caravan, all permeated by the band's unmistakable musical signature.

The album opens with “Share It,” a pleasant and expertly executed track. The highlight here is Dave Stewart's keyboard work, with an inspired solo that immediately evokes the spirit of the Canterbury scene. Next, “Lounging There Trying” stands out due to Phil Miller's guitar. Though not dazzling, the guitar is an essential element in the music’s sonic palette, complemented by Stewart's obbligatos, which elevate the composition to a new level. The tracks “(Big) John Wayne Socks Psychology On The Jaw” and “Chaos At The Greasy Spoon” serve as intriguing interludes. The former is a pleasant piece, marked by robust keyboard work and intense drumming. The latter features more technical drumming, accompanied by horn and fuzz guitar, creating a unique atmosphere.

“The Yes / No Interlude” is a complex and captivating piece, where the guitar shines especially in the first two minutes. The track also features a burst of trumpet and blast beat drumming, creating a dense and at times challenging sound. After five minutes, the music takes on a jazz direction, clearly influenced by Dave Stewart. This is undoubtedly one of the album's highlights. “Fitter Stoke Has A Bath” brings a smooth and beautiful sound, with laid-back vocals and a melodic chorus that instantly captivates. The flute work is truly delightful, and after a section led by beautiful vocalizations, a guitar solo adds a dose of intensity to the music, without losing its essential sweetness. The final melody transports the listener to a darker scenario, closing the track masterfully.

Curiously, despite being a Jethro Tull fan, it was “Didn't Matter Anyway” that sparked my desire to play the flute. Although the band's lyrics were never their strongest point, here they stand out, with Richard Sinclair delivering an emotional performance in a touching farewell that makes the track very special. “Underdub” is an engaging instrumental piece, serving as the perfect prelude to the epic that closes the album. The unison work between flute and organ is sublime.

The album culminates with “Mumps,” an epic over twenty minutes long that showcases the band's highest musical quality. The track begins with beautiful female vocalizations from the Northettes, accompanied by subtle guitar and MiniMoog notes. At two minutes, a sudden and intense change brings out a distorted guitar, electric piano, vigorous bass line, and solid drumming. Every element of this song is impeccable, from the impactful riffs to the complex harmonies that require multiple listens to fully grasp. The lyrics, known as the “Alphabet Song,” may seem enigmatic, but their integration into the melody is done harmoniously, giving the track a well-defined sonic body. The Northettes mark crucial transitions, creating moments of musical transformation throughout the piece. In addition to exceptional guitar and keyboard solos, there’s a saxophone solo around thirteen minutes and forty seconds, accompanied by a masterful guitar in the background. One of the highlights of the track is the riff that emerges in the final minutes. “Mumps” is a monumental epic, almost entirely instrumental, and deserves to be among the great epics in the history of progressive rock.

Just like in their debut album, with The Rotters' Club, Hatfield and the North produced a work that may not win you over immediately but will undoubtedly reveal itself as one of the best albums the Canterbury progressive scene has to offer.

NOTA: 9/10

Tracks Listing

1. Share It (3:02)
2. Lounging There Trying (3:10)
3. (Big) John Wayne Socks Psychology on the Jaw (0:46)
4. Chaos at the Greasy Spoon (0:30)
5. The Yes No Interlude (7:02)
6. Fitter Stoke has a Bath (7:38)
7. Didn't Matter Anyway (3:03)
8. Underdub (3:55)
9. Mumps (20:06)

 Ouça, "Mumps"

Gentle Giant - Free Hand (1975)

 

Escrever sobre Free Hand do Gentle Giant é uma experiência tanto desafiadora quanto gratificante. Este álbum é mais uma joia na coroa da banda, evidenciando mais uma vez a sua intrincada e fascinante interação musical. Se você é fã de rock progressivo, este disco não pode ser considerado nada menos que essencial e obrigatório em sua coleção. Para quem está começando a explorar o gênero, Free Hand é um dos melhores pontos de partida. Mesmo que você não seja cativado de imediato, insista e ouça novamente. A música do Gentle Giant é única; apesar de ter inspirado inúmeras outras bandas, nenhuma conseguiu replicar seu som singular. A complexidade e por vezes o caráter "assustador" da música podem não atrair o ouvinte à primeira audição, mas com o tempo, as nuances se revelam de maneira fascinante.

Free Hand marca uma mudança no som da banda, apresentando uma atmosfera um pouco mais voltada ao hard rock, algo distinto dos álbuns anteriores, onde a música era mais suave e acústica. Essa direção musical contribuiu para o maior sucesso comercial da banda. Derek Shulman, com sua voz sempre excelente, soa mais como um cantor de rock tradicional neste disco, algo incomum se comparado a trabalhos anteriores. As harmonias vocais, embora menos complexas, continuam sendo um dos grandes atrativos da banda. A instrumentação também é menos aventureira, mas sem sacrificar a complexidade e profundidade características do grupo.

A abertura com "Just the Same" é um exemplo perfeito do virtuosismo da banda. Começa com um solo de piano que evolui para uma introdução de guitarra, até ganhar força em uma linha vocal e instrumental vanguardista. A faixa tem uma sonoridade relativamente discreta que se transforma em um interlúdio espacial e atmosférico adornado por "brincadeiras" de guitarra e harmonias de teclado e saxofone, que conferem uma aura jazzística à música. "On Reflection" é talvez a faixa que mais representa a essência do Gentle Giant. Começa com uma polifonia vocal a capela, inspirada na música renascentista, complementada por percussão e vibrafone. A música varia entre momentos acústicos e elétricos, com vocais que se destacam do coro para criar passagens delicadas e complexas, além de várias influências medievais. A entrada da bateria dinamiza ainda mais a música, que se desenvolve para um final brilhante. É uma composição de primeira grandeza e estruturada de forma magistral.

A faixa-título, "Free Hand," mantém a qualidade elevada do disco, apresentando melodias intrigantes e uma sonoridade divertida. A harmonia entre teclados e guitarra, junto com as criativas linhas de baixo, destaca a habilidade da banda em criar música complexa que é ao mesmo tempo cativante. O interlúdio possui uma sonoridade característica do grupo e apesar da complexidade, todos os instrumentos se harmonizam perfeitamente. "Time To Kill" segue um caminho semelhante, sendo uma faixa agitada com ritmos complexos e uma vibe jazzística. As harmonias de baixo, teclado e bateria se destacam, enquanto a linha vocal mantém a música fluindo de forma envolvente, com transições que às vezes trazem uma sonoridade mais silenciosa.

"His Last Voyage" é uma obra-prima dentro do álbum, começando com um tom vanguardista e lindas linhas de baixo, vibrafone, violão e belíssimos vocais de Kerry Minnear. A música segue em um ritmo lento e fluido, com solos de guitarra e órgão que demonstram o talento subestimado de Gary Green. A faixa retorna ao ritmo original novamente destacando os lindos vocais de Kerry. "Talybont" é uma faixa instrumental curta, mas vibrante, dominada por teclado, clavinete e madeiras, sempre acompanhados por uma percussão e baixo robustos. A música tem uma forte influência da música clássica e é a mais "colorida" do álbum em termos de humor. O álbum termina com "Mobile," uma faixa que já começa de forma criativa com o uso de teclado, violão e violino. Mais uma vez, a banda demonstra sua capacidade de compor música complexa com uma harmonia impecável, onde cada instrumento parece seguir seu próprio caminho, ao mesmo tempo em que se encontram em uma coesão perfeita.

Free Hand é uma obra-prima recomendada sem reservas. Cada faixa se destaca, tornando o álbum um exemplo de perfeição do primeiro ao último acorde. Para novos admiradores de rock progressivo, a complexidade elevada pode parecer um desafio, mas não há motivo para preocupação. Com o tempo, o disco certamente conquistará o coração de quem se permitir por ele. 

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Writing about Free Hand by Gentle Giant is both a challenging and rewarding experience. This album stands as yet another gem in the band's crown, once again showcasing their intricate and captivating musical interplay. If you're a fan of progressive rock, this record is nothing short of essential and a must-have in your collection. For those just beginning to explore the genre, Free Hand is one of the best starting points. Even if it doesn't captivate you immediately, give it another listen. Gentle Giant's music is unique; despite inspiring countless other bands, none have managed to replicate their singular sound. The complexity and, at times, "intimidating" nature of their music may not appeal to every listener at first, but with time, its nuances reveal themselves in a fascinating way.

Free Hand marks a shift in the band's sound, introducing a slightly more hard rock-oriented atmosphere, different from their earlier albums, which leaned more towards acoustic and softer tones. This musical direction contributed to the band's greater commercial success. Derek Shulman, with his always excellent voice, sounds more like a traditional rock singer on this record, a contrast to previous works. The vocal harmonies, though less complex, remain one of the band's major attractions. The instrumentation is also less adventurous but without sacrificing the group's characteristic complexity and depth.

The album opens with "Just the Same," a perfect example of the band's virtuosity. It starts with a piano solo that evolves into a guitar introduction, building up into a powerful vocal and instrumental line. The track has a relatively understated sound that transforms into a spacey, atmospheric interlude, adorned with playful guitar work and keyboard and saxophone harmonies that lend the music a jazzy aura. "On Reflection" is perhaps the track that best represents the essence of Gentle Giant. It begins with an a cappella vocal polyphony inspired by Renaissance music, complemented by percussion and vibraphone. The music shifts between acoustic and electric moments, with vocals standing out from the chorus to create delicate and complex passages, along with various medieval influences. The entrance of the drums further energizes the music, leading it to a brilliant conclusion. It’s a first-rate composition, masterfully structured.

The title track, "Free Hand," maintains the high quality of the album, offering intriguing melodies and a playful sound. The harmony between keyboards and guitar, along with the creative bass lines, highlights the band's ability to create complex music that is also captivating. The interlude has a signature sound of the group, and despite the complexity, all the instruments blend perfectly. "Time To Kill" follows a similar path, being an energetic track with complex rhythms and a jazzy vibe. The bass, keyboard, and drum harmonies stand out, while the vocal line keeps the music flowing engagingly, with transitions that sometimes bring a quieter sound.

"His Last Voyage" is a masterpiece within the album, beginning with an avant-garde tone and beautiful bass, vibraphone, guitar, and stunning vocals by Kerry Minnear. The song flows at a slow pace, with guitar and organ solos that demonstrate Gary Green's underrated talent. The track returns to the original rhythm, once again highlighting Kerry's beautiful vocals. "Talybont" is a short but vibrant instrumental track, dominated by keyboard, clavinet, and woodwinds, always accompanied by robust percussion and bass. The music has a strong classical influence and is the most "colorful" track on the album in terms of mood. The album ends with "Mobile," a track that starts creatively with the use of keyboard, guitar, and violin. Once again, the band demonstrates their ability to compose complex music with impeccable harmony, where each instrument seems to follow its own path while achieving perfect cohesion.

Free Hand is a masterpiece, highly recommended without reservations. Each track stands out, making the album an example of perfection from the first to the last chord. For newcomers to progressive rock, the high complexity may seem daunting, but there's no need for concern. Over time, the album will undoubtedly win the hearts of those who give it a chance.

NOTA:10/10

Tracks Listing

1. Just the Same (5:34)
2. On Reflection (5:41)
3. Free Hand (6:14)
4. Time to Kill (5:08)
5. His Last Voyage (6:27)
6. Talybont (2:43)
7. Mobile (5:05)

Ouça, "Just the Same" 

Caravan - For Girls Who Grow Plump In The Night (1973)

 

Embora seja bem diferente do aclamado In The Land Of Grey And Pink, For Girls Who Grow Plump In The Night mantém o alto padrão de excelência da banda. Pye Hastings, com seu trabalho de guitarra, infunde a obra com influências mais "pesadas", resultando em um som que se destaca por sua densidade e riqueza. O disco é uma aventura musical repleta de uma vasta gama de instrumentos, incluindo clarinete, saxofone tenor, barítono e alto, flautim, flauta, trompete, trombone, congas, viola, sintetizadores, além dos tradicionais baixo, bateria, guitarra e teclado. Cada faixa é uma viagem distinta, com sonoridades que vão do pastoral ao vigoroso, facilitando a absorção do ouvinte. Em alguns momentos, até se pode captar nuances de southern rock, revelando a versatilidade do Caravan.

O álbum abre com "Memory Lain, Hugh / Headloss", uma faixa dinâmica que revela uma rica paleta sonora. Com uma batida envolvente e um trabalho de guitarra acrobático, o baixo não apenas acompanha, mas se destaca com linhas marcantes. As incursões de flauta adicionam uma atmosfera bucólica, enquanto os metais oferecem toques de jazz, criando uma combinação que é ao mesmo tempo doce e enérgico. Na segunda parte da faixa, percebe-se uma clara influência do southern rock, lembrando a cadência de "Doraville" da Atlanta Rhythm Section.

"Hoedown" continua na linha da faixa anterior, mas com uma cadência mais acelerada. Embora não seja uma faixa que brilha, seu solo de viola é o ponto alto. Apesar de não ser essencial para o álbum, ela adiciona um toque de southern rock que complementa a diversidade do disco. "Surprise, Surprise" evoca os primeiros trabalhos da banda, sendo uma balada de melodia encantadora. Começa de forma delicada, com violão e voz, mas logo evolui com uma linha criativa de baixo criativa que se destaca quando a banda entra completa. O refrão apresenta harmonias vocais cativantes e a bateria traz uma energia contagiante. As letras, otimistas e nostálgicas, são engrandecidas por mais um belo solo de viola.

"C'thlu Thlu" rompe completamente com o clima das faixas anteriores, trazendo uma mudança drástica de humor. A atmosfera sombria é evidente desde os riffs de guitarra que são em sua maioria marcados por um ritmo de marcha. Contudo, o refrão alivia essa tensão com um tom mais leve e animado. As letras são inquietantes, descrevendo uma fuga de algo malévolo. O solo de órgão de David Sinclair adiciona uma camada sombria à música, que se desvia brevemente para uma sonoridade mais alegre liderada por saxofone, antes de retornar ao tom melancólico que encerra a faixa. "The Dog, The Dog, He's At It Again" possui um tom sincero e otimista, característico do estilo do grupo. Entretanto, por trás dessa serenidade, a letra revela um conteúdo ousado, sendo uma ode ao sexo oral. A faixa apresenta riffs marcantes de viola e um incrível solo de sintetizador, enriquecido por palmas criativas ao fundo. O arranjo vocal, surpreendentemente complexo, é comparável ao trabalho do Gentle Giant, um elogio que não pode ser subestimado.

"Be All Right / Chance Of A Lifetime" inicia com um riff envolvente e introduz um momento mais pesado no álbum. Com uma peça performática de violino e um solo de guitarra impressionante logo no primeiro minuto, a faixa evolui para uma linha mais suave, onde apenas bongos e viola acompanham a voz de Pye Hastings. As harmonias vocais, mais uma vez, se destacam e as guitarras elétricas retornam para outro solo de viola, que cresce até a música se acalmar novamente nos vocais de Pye. Geoffrey Richardson, apesar de ter tocado em apenas um álbum da banda, deixa sua marca com solos de viola que são memoráveis. 

"L'auberge du Sanglier / A Hunting We Shall Go / Pengola / Backwards / A Hunting We... (repri se)" encerra o disco com maestria, sendo um épico grandioso e magistral. Com uma rica sonoridade orquestral de apoio e o uso expressivo de violão e viola, a faixa transmite um humor melancólico. O baixo parece ser acústico, embora não haja certeza sobre isso. A música começa de forma suave, antes de explodir em uma seção principal, com órgão e viola distorcida assumindo o protagonismo, enquanto a guitarra elétrica faz intervenções pontuais. Um solo de guitarra brilhante é seguido por um solo de viola igualmente impressionante, culminando em um acorde onírico. O piano então assume a liderança, dando um tom mais triste, enquanto as cordas e metais da orquestra crescem em intensidade, levando a faixa a uma sonoridade rica e complexa. O álbum termina com uma explosão sonora que deixa o ouvinte com a sensação de ter experimentado algo verdadeiramente grandioso.

Em suma, For Girls Who Grow Plump In The Night é uma obra de destaque, cuja excelência musical é inegável. Cada faixa demonstra uma habilidade técnica e criatividade que cativam o ouvinte, enquanto a fluidez com que o álbum se desenvolve proporciona uma experiência auditiva cativante e agradável.

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Although it is quite different from the acclaimed In The Land Of Grey And Pink, For Girls Who Grow Plump In The Night maintains the high standard of excellence that defines the band. Pye Hastings, with his guitar work, infuses the album with heavier influences, resulting in a sound that stands out for its density and richness. The album is a musical adventure filled with a wide array of instruments, including clarinet, tenor, baritone, and alto saxophones, piccolo, flute, trumpet, trombone, congas, viola, synthesizers, in addition to the traditional bass, drums, guitar, and keyboards. Each track is a distinct journey, with sounds ranging from pastoral to vigorous, making it easy for the listener to get absorbed. At times, one can even detect nuances of southern rock, revealing the versatility of Caravan.

The album opens with "Memory Lain, Hugh / Headloss," a dynamic track that showcases a rich sonic palette. With an engaging beat and acrobatic guitar work, the bass doesn't just follow but stands out with striking lines. The flute excursions add a bucolic atmosphere, while the brass injects jazzy touches, creating a combination that is both sweet and energetic. In the second part of the track, a clear southern rock influence is evident, reminiscent of the cadence of "Doraville" by the Atlanta Rhythm Section.

"Hoedown" continues in the vein of the previous track but with a more upbeat tempo. Although it doesn't shine as brightly, its viola solo is the highlight. While not essential to the album, it adds a touch of southern rock that complements the diversity of the record. "Surprise, Surprise" evokes the band's earlier works, being a ballad with a charming melody. It begins delicately with acoustic guitar and vocals but soon evolves with a creative bass line that stands out when the full band kicks in. The chorus features captivating vocal harmonies, and the drums bring an infectious energy. The lyrics, optimistic and nostalgic, are elevated by another beautiful viola solo.

"C'thlu Thlu" completely breaks the mood of the previous tracks, bringing a drastic change in tone. The dark atmosphere is evident from the guitar riffs, which are mostly marked by a marching rhythm. However, the chorus alleviates this tension with a lighter and more upbeat tone. The lyrics are unsettling, describing an escape from something malevolent. David Sinclair's organ solo adds a dark layer to the music, which briefly shifts to a more joyful sound led by saxophone before returning to the melancholic tone that closes the track. "The Dog, The Dog, He's At It Again" has a sincere and optimistic tone, characteristic of the group's style. However, behind this serenity, the lyrics reveal a bold content, being an ode to oral sex. The track features striking viola riffs and an incredible synthesizer solo, enriched by creative handclaps in the background. The vocal arrangement, surprisingly complex, is comparable to the work of Gentle Giant, a compliment that cannot be underestimated.

"Be All Right / Chance Of A Lifetime" starts with an engaging riff and introduces a heavier moment in the album. With a performative violin piece and an impressive guitar solo within the first minute, the track evolves into a smoother line, where only bongos and viola accompany Pye Hastings' voice. The vocal harmonies once again stand out, and the electric guitars return for another viola solo, which builds until the music calms down again with Pye's vocals. Geoffrey Richardson, despite playing on only one of the band's albums, leaves his mark with memorable viola solos.

"L'auberge du Sanglier / A Hunting We Shall Go / Pengola / Backwards / A Hunting We... (repri se)" closes the album masterfully, being a grand and majestic epic. With a rich orchestral sound and the expressive use of guitar and viola, the track conveys a melancholic mood. The bass seems to be acoustic, though this is uncertain. The music starts gently before exploding into the main section, with organ and distorted viola taking the lead while the electric guitar makes occasional interventions. A brilliant guitar solo is followed by an equally impressive viola solo, culminating in a dreamlike chord. The piano then takes the lead, giving a sadder tone, while the strings and brass of the orchestra grow in intensity, leading the track to a rich and complex sound. The album ends with a sonic explosion that leaves the listener with the feeling of having experienced something truly grand.

In summary, For Girls Who Grow Plump In The Night is a standout work whose musical excellence is undeniable. Each track demonstrates technical skill and creativity that captivates the listener, while the album's smooth progression provides an engaging and pleasant listening experience.

NOTA: 9.5/10

1a. Memory Lain, Hugh (5:00)
1b. Headloss (4:14)
2. Hoedown (3:18)
3. Surprise, Surprise (4:05)
4. C'thlu Thlu (6:12)
5. The Dog, the Dog, He's at It Again (5:38)
6. Be Alright / Chance of a Lifetime (6:35)
7. L'auberge du Sanglier / A Hunting We Shall Go / Pengola / Backwards / A Hunting We... (reprise) (10:05)

Ouça, "Memory Lain, Hugh / Headloss"